«Трофеи войны», Эварист Виталь Люмине
1880-е. Холст, масло. Размер: 99,7 x 80,6 см. Частная коллекция
Французский художник написал серию картин, посвященных нашествию галлов на Рим, которое произошло в 390 году до н. э.
Возле одного из притоков Тибра (река Алия) римляне встретили противников и были разгромлены. Затем они беспрепятственно вошли в Рим, разрушили и сожгли его. Галлы два дня праздновали победу и грабили окрестности. Среди их военных трофеев было много женщин.
Судя по одежде, на картине Люмине изображены плененные римлянки, дальнейшая судьба которых была незавидной. Эта «общественная добыча» должна была приносить солдатам радость и — что куда важнее — деньги. В конце концов, кто пойдет на войну ради идеи, если можно продать парочку пленниц и вернуться домой с хорошим кошельком?
1880-е. Холст, масло. Размер: 99,7 x 80,6 см. Частная коллекция
Французский художник написал серию картин, посвященных нашествию галлов на Рим, которое произошло в 390 году до н. э.
Возле одного из притоков Тибра (река Алия) римляне встретили противников и были разгромлены. Затем они беспрепятственно вошли в Рим, разрушили и сожгли его. Галлы два дня праздновали победу и грабили окрестности. Среди их военных трофеев было много женщин.
Судя по одежде, на картине Люмине изображены плененные римлянки, дальнейшая судьба которых была незавидной. Эта «общественная добыча» должна была приносить солдатам радость и — что куда важнее — деньги. В конце концов, кто пойдет на войну ради идеи, если можно продать парочку пленниц и вернуться домой с хорошим кошельком?
Борис Грох, "Что-то я засиделся на кухне. Мерещится всякое"( 2020 год)
Цифровой художник Борис Грох "темного жанра" рисует мрачных и загадочных существ, которые вызывают ощущение крипоты и удовольствия у ценителей арт-хоррора. В его работах преобладает меланхолия с ноткой загадочности.
Атмосфера картины "Что-то я засиделся на кухне. Мерещится всякое" сразу захватывают душу, запоминаются своим сюжетом и необычной трактовкой происходящего.
Цифровой художник Борис Грох "темного жанра" рисует мрачных и загадочных существ, которые вызывают ощущение крипоты и удовольствия у ценителей арт-хоррора. В его работах преобладает меланхолия с ноткой загадочности.
Атмосфера картины "Что-то я засиделся на кухне. Мерещится всякое" сразу захватывают душу, запоминаются своим сюжетом и необычной трактовкой происходящего.
"Спящий мальчик", Одд Нердрум
1992 г. Холст, масло, 48,3 х 52,1 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Дар Джеймса и Мари Марлас)
Odd Nerdrum — норвежский художник-фигуративист. Сюжеты его работ соединяют в себе народные истории и фигуры речи с элементами мистики и метафизики.
Хотя Нердрум учился в художественной школе в Осло, а позже был учеником в Дюссельдорфе у Йозефа Бойса, его картины никогда не приживались ни в одной из школ модернизма, которые преобладали на протяжении его сорокалетней карьеры художника. Тяжелый живописный стиль Нердрума позволяет ему так блестяще запечатлевать природу вещей на холсте, заставляет его сторонников позиционировать его как современного преемника таких мастеров Возрождения, как Караваджо и Рембрандт. На сцене современного искусства, отдающей предпочтение абстракции и концептуализму, эти параллели семнадцатого века служат позиционированию Нердрума как реакционера, выступавшего против истеблишмента
Оценили 80 человек
1992 г. Холст, масло, 48,3 х 52,1 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Дар Джеймса и Мари Марлас)
Odd Nerdrum — норвежский художник-фигуративист. Сюжеты его работ соединяют в себе народные истории и фигуры речи с элементами мистики и метафизики.
Хотя Нердрум учился в художественной школе в Осло, а позже был учеником в Дюссельдорфе у Йозефа Бойса, его картины никогда не приживались ни в одной из школ модернизма, которые преобладали на протяжении его сорокалетней карьеры художника. Тяжелый живописный стиль Нердрума позволяет ему так блестяще запечатлевать природу вещей на холсте, заставляет его сторонников позиционировать его как современного преемника таких мастеров Возрождения, как Караваджо и Рембрандт. На сцене современного искусства, отдающей предпочтение абстракции и концептуализму, эти параллели семнадцатого века служат позиционированию Нердрума как реакционера, выступавшего против истеблишмента
Оценили 80 человек
«Украденное мгновение», Альберт Андре Гийом
1901 г. Иллюстрация французского художника, мастера плаката и карикатуры Albert Guillaume (1873 - 1942)
В зарубежных источниках встречаются другие названия — «Танец» и «Танец чарльстон», что позволяет представить слаженность движений пары. Однако «Украденное мгновение» звучит более интригующе!
Герои этой картины совсем не похожи на семейную пару. Конечно супруги супругам рознь, есть такие, у кого чувства живы до конца их дней. Однако мужья так страстно своих жен не обнимают. Да и на танец мало похоже. Мужчины - такие они охотники, которых чужая женщина всегда манит.
Художник изобразил кавалера во фраке, который страстно сжимает в объятиях даму в открытом вечернем платье. Он покрывает её обнажённую спину жаркими поцелуями и одновременно крепко удерживает возлюбленную за талию и согнутую левую руку. Сплошные страсти, романтика и искры любви!
1901 г. Иллюстрация французского художника, мастера плаката и карикатуры Albert Guillaume (1873 - 1942)
В зарубежных источниках встречаются другие названия — «Танец» и «Танец чарльстон», что позволяет представить слаженность движений пары. Однако «Украденное мгновение» звучит более интригующе!
Герои этой картины совсем не похожи на семейную пару. Конечно супруги супругам рознь, есть такие, у кого чувства живы до конца их дней. Однако мужья так страстно своих жен не обнимают. Да и на танец мало похоже. Мужчины - такие они охотники, которых чужая женщина всегда манит.
Художник изобразил кавалера во фраке, который страстно сжимает в объятиях даму в открытом вечернем платье. Он покрывает её обнажённую спину жаркими поцелуями и одновременно крепко удерживает возлюбленную за талию и согнутую левую руку. Сплошные страсти, романтика и искры любви!
Бар «Максим» Пьер-Виктор Галланд
Около 1890 г. Холст, масло. Частная коллекция
Maxim’s («Максим») — ресторан в VIII округе Парижа. В 1893 году Максим Гайяр открыл на этом месте маленькое бистро. Он пригласил для выступлений известную в то время комедиантку Ирму де Монтиньи, благодаря чему в заведении стала собираться элегантная и светская публика. Вскоре Maxim’s стал местом встречи самого роскошного парижского общества тех лет.
Pierre-Victor Galland (1822–1892) — французский художник-декоратор. До 16 лет Галлан учился работе с металлом у своего отца, Жака Галлана, ювелира. Затем он поступил в мастерскую Анри Лабруста, где изучал архитектуру. После двух лет обучения Лабруст посоветовал ему заняться декоративно-прикладным искусством под руководством Мишеля Мартена Дроллинга.
Около 1890 г. Холст, масло. Частная коллекция
Maxim’s («Максим») — ресторан в VIII округе Парижа. В 1893 году Максим Гайяр открыл на этом месте маленькое бистро. Он пригласил для выступлений известную в то время комедиантку Ирму де Монтиньи, благодаря чему в заведении стала собираться элегантная и светская публика. Вскоре Maxim’s стал местом встречи самого роскошного парижского общества тех лет.
Pierre-Victor Galland (1822–1892) — французский художник-декоратор. До 16 лет Галлан учился работе с металлом у своего отца, Жака Галлана, ювелира. Затем он поступил в мастерскую Анри Лабруста, где изучал архитектуру. После двух лет обучения Лабруст посоветовал ему заняться декоративно-прикладным искусством под руководством Мишеля Мартена Дроллинга.
"Лаура", Вильмош Аба-Новак
1929 г. Холст, масло, темпера, 94 х 78 см.Частная коллекция
В 1928 году Vilmos Aba-Novák (1894–1941) в качестве стипендиата Венгерской академии художеств был послан в творческую командировку в Рим на три года. Стал известным представителем так называемой «Романской школы» в венгерской живописи.
Аба-Новак, наиболее известный своими монументальными фресками и церковными фресками, считается одной из самых оригинальных фигур венгерского модернизма. Общие темы в его ранних работах включают цирки, деревенские ярмарки и рынки, все они переданы посредством выразительной живописи и ярких цветов. Он был одаренным художником, чьи работы в целом отличались мастерством рисунка и чувством монументальности. Он мог изображать толпу так, чтобы напоминать жизнь и движение массы людей, и передавать характер или тип с помощью нескольких ярких цветов.
Аба Новак выбрал темы из повседневной жизни простых людей, как в настоящей работе, относительно небольшой масштаб которой придает ей ощущение интимности, отражающее изображенную сцену. Он инстинктивно искал динамичную и мощную форму выражения, и поэтому его техника темперы заключалась в использовании широкими мазками кисти в резко очерченных цветовых блоках, как на плакате, что усиливало их графический эффект.
1929 г. Холст, масло, темпера, 94 х 78 см.Частная коллекция
В 1928 году Vilmos Aba-Novák (1894–1941) в качестве стипендиата Венгерской академии художеств был послан в творческую командировку в Рим на три года. Стал известным представителем так называемой «Романской школы» в венгерской живописи.
Аба-Новак, наиболее известный своими монументальными фресками и церковными фресками, считается одной из самых оригинальных фигур венгерского модернизма. Общие темы в его ранних работах включают цирки, деревенские ярмарки и рынки, все они переданы посредством выразительной живописи и ярких цветов. Он был одаренным художником, чьи работы в целом отличались мастерством рисунка и чувством монументальности. Он мог изображать толпу так, чтобы напоминать жизнь и движение массы людей, и передавать характер или тип с помощью нескольких ярких цветов.
Аба Новак выбрал темы из повседневной жизни простых людей, как в настоящей работе, относительно небольшой масштаб которой придает ей ощущение интимности, отражающее изображенную сцену. Он инстинктивно искал динамичную и мощную форму выражения, и поэтому его техника темперы заключалась в использовании широкими мазками кисти в резко очерченных цветовых блоках, как на плакате, что усиливало их графический эффект.
«Осиротели», Николай Карлович Грандковский
I четверть ХХ века. Холст, масло. Размер: 62×99,5 см. Частное собрание
После смерти талантливого русского жанрового художника Николая Карловича Грандковского (1864-1907) было незаслуженно забыто и в наши дни упоминается лишь в узком кругу специалистов, при том, что каждое появление произведений этого художника на современных художественных аукционах вызывает небывалый ажиотаж в рядах коллекционеров. Картина «Осиротели», на которой изображены овдовевший глава семейства у могилы недавно похороненной жены и матери двух маленьких детей, также находится в частной коллекции.
Трагичность ситуации контрастирует с удивительным прозрачным и светлым весенним пейзажем, а горе и чувство покинутости трёх осиротевших героев подчеркивается позой отчаяния отца и задумчивой созерцательности одного из детей.
I четверть ХХ века. Холст, масло. Размер: 62×99,5 см. Частное собрание
После смерти талантливого русского жанрового художника Николая Карловича Грандковского (1864-1907) было незаслуженно забыто и в наши дни упоминается лишь в узком кругу специалистов, при том, что каждое появление произведений этого художника на современных художественных аукционах вызывает небывалый ажиотаж в рядах коллекционеров. Картина «Осиротели», на которой изображены овдовевший глава семейства у могилы недавно похороненной жены и матери двух маленьких детей, также находится в частной коллекции.
Трагичность ситуации контрастирует с удивительным прозрачным и светлым весенним пейзажем, а горе и чувство покинутости трёх осиротевших героев подчеркивается позой отчаяния отца и задумчивой созерцательности одного из детей.
«Психея перед троном Венеры», Генриетта Рей
1894 г., Холст, масло. Размер: 194,3 х 304, 8 см. Частная коллекция
Британская художница поздней викторианской эпохи Генриетта Рей (1859–1928) подавала документы в Королевскую академию художеств как минимум пять раз, прежде чем в конечном итоге получила семилетнюю стипендию. Среди её учителей были сэр Лоуренс Альма-Тадема, Фрэнк Бернард Дикси и Уильям Пауэлл Фрит. В 1884 году она вышла замуж за художника и однокурсника по Королевской академии Эрнеста Норманда, но сохранила девичью фамилию — выбор, который в то время считался необычным. Рэй была сторонницей феминизма и женского избирательного права.
Рэй специализировалась на классических, аллегорических и литературных сюжетах. Картина «Психея перед троном Венеры» получила золотую медаль в Академии и была одним из главных экспонатов выставки 1894 года.
В «Журнале искусств» была опубликована рецензия криика Шпильмана: «Мисс Генриетта Рэй предоставила большое полотно "Психея перед троном Венеры», очень замечательное по замыслу и исполнению. Эта тщательно продуманная композиция, полная, но не перегруженная, изящная в рисунке фигур, изящная в восприятии женской красоты, нежная в своих тонах и оттенках, - это работа, которую мы вряд ли ожидали от женщины. Но мы инстинктивно чувствуем, что художник так и не постиг величия этой сцены классической мифологии — фигуры, при всем их очаровании, не жители Олимпа, а обитатели безбожной земли".
1894 г., Холст, масло. Размер: 194,3 х 304, 8 см. Частная коллекция
Британская художница поздней викторианской эпохи Генриетта Рей (1859–1928) подавала документы в Королевскую академию художеств как минимум пять раз, прежде чем в конечном итоге получила семилетнюю стипендию. Среди её учителей были сэр Лоуренс Альма-Тадема, Фрэнк Бернард Дикси и Уильям Пауэлл Фрит. В 1884 году она вышла замуж за художника и однокурсника по Королевской академии Эрнеста Норманда, но сохранила девичью фамилию — выбор, который в то время считался необычным. Рэй была сторонницей феминизма и женского избирательного права.
Рэй специализировалась на классических, аллегорических и литературных сюжетах. Картина «Психея перед троном Венеры» получила золотую медаль в Академии и была одним из главных экспонатов выставки 1894 года.
В «Журнале искусств» была опубликована рецензия криика Шпильмана: «Мисс Генриетта Рэй предоставила большое полотно "Психея перед троном Венеры», очень замечательное по замыслу и исполнению. Эта тщательно продуманная композиция, полная, но не перегруженная, изящная в рисунке фигур, изящная в восприятии женской красоты, нежная в своих тонах и оттенках, - это работа, которую мы вряд ли ожидали от женщины. Но мы инстинктивно чувствуем, что художник так и не постиг величия этой сцены классической мифологии — фигуры, при всем их очаровании, не жители Олимпа, а обитатели безбожной земли".
«Аллегория Искупления», Якопо Лигоцци
Между 1585 и 1587 годами. Дерево, масло. Размер: 35 x 26 см.
Придворный художник Медичи Якопо Лигоцци (1547–1627) , возможно, учился живописи у знаменитого Паоло Веронезе, но документально это не подтверждено.
Лигоцци написал семь аллегорий о людских пороках, используя жуткий и болезненный язык, который включал скелеты и песочные часы.Среди самых известных работ этой серии - картина «Аллегория Искупления»,в центре которой художник изобразил Марию, оплакивающую Христа.
За ними – что-то вроде позорного столба, к которому прикованы две фигуры. Слева – сама Смерть в виде скелета с часами в руках. Смысл ее ясен: благодаря искупительной жертве Христа Смерть оказывается побежденной.
Справа - странный бородач с рожками и крылышками, голый и мускулистый, со змеей, обвившейся вокруг ноги. Возможно, это Сатана, искушавший Еву, а затем уже и весь род человеческий.
Между 1585 и 1587 годами. Дерево, масло. Размер: 35 x 26 см.
Придворный художник Медичи Якопо Лигоцци (1547–1627) , возможно, учился живописи у знаменитого Паоло Веронезе, но документально это не подтверждено.
Лигоцци написал семь аллегорий о людских пороках, используя жуткий и болезненный язык, который включал скелеты и песочные часы.Среди самых известных работ этой серии - картина «Аллегория Искупления»,в центре которой художник изобразил Марию, оплакивающую Христа.
За ними – что-то вроде позорного столба, к которому прикованы две фигуры. Слева – сама Смерть в виде скелета с часами в руках. Смысл ее ясен: благодаря искупительной жертве Христа Смерть оказывается побежденной.
Справа - странный бородач с рожками и крылышками, голый и мускулистый, со змеей, обвившейся вокруг ноги. Возможно, это Сатана, искушавший Еву, а затем уже и весь род человеческий.
«Потерянный рай», Клод-Мари Поль Дюбюф
1827 г. Холст, масло. Размер: 307 x 250 см. Музей изящных искусств (Нант)
Claude-Marie Dubufe (1790-1864)- последний птенец живописной школы Жака-Луи Давида. Поначалу писал исторические картины в холодной академической манере своего учителя, позже в сентиментально-буржуазном духе, господствовавшем во французской живописи 1820-х и начала 1830-х годов. Именно к этому периоду относится картина Le Paradis Perdu
В основе сюжета картины — эпическая поэма английского поэта Джона Мильтона «Потерянный рай» (Paradise Lost), опубликованная в 1667 году.
Поэма повествует о библейской истории грехопадения Адама и Евы, о том, как они были соблазнены Сатаной и изгнаны из Эдема. Главная тема поэмы — борьба между добром и злом, а также свободная воля человека и её последствия.
Сатана и его последователи, побеждённые и низвергнутые в ад, строят планы отмщения, решив соблазнить Божье творение — людей.Через обман он заставляет Еву вкусить запретный плод с Древа познания добра и зла. Адам, желая быть с Евой, также ест плод.
После этого начинается процесс их изгнания из рая, и в финале поэмы Архангел Михаил показывает Адаму видения будущего человечества, их страдания, но также и надежду на спасение через пришествие Христа.
1827 г. Холст, масло. Размер: 307 x 250 см. Музей изящных искусств (Нант)
Claude-Marie Dubufe (1790-1864)- последний птенец живописной школы Жака-Луи Давида. Поначалу писал исторические картины в холодной академической манере своего учителя, позже в сентиментально-буржуазном духе, господствовавшем во французской живописи 1820-х и начала 1830-х годов. Именно к этому периоду относится картина Le Paradis Perdu
В основе сюжета картины — эпическая поэма английского поэта Джона Мильтона «Потерянный рай» (Paradise Lost), опубликованная в 1667 году.
Поэма повествует о библейской истории грехопадения Адама и Евы, о том, как они были соблазнены Сатаной и изгнаны из Эдема. Главная тема поэмы — борьба между добром и злом, а также свободная воля человека и её последствия.
Сатана и его последователи, побеждённые и низвергнутые в ад, строят планы отмщения, решив соблазнить Божье творение — людей.Через обман он заставляет Еву вкусить запретный плод с Древа познания добра и зла. Адам, желая быть с Евой, также ест плод.
После этого начинается процесс их изгнания из рая, и в финале поэмы Архангел Михаил показывает Адаму видения будущего человечества, их страдания, но также и надежду на спасение через пришествие Христа.
"Ад", Йозеф Антон Кох (немец, 1768-1839)
Фрагмент фрески. 1822-32 гг. Комната Данте, казино Массимо, Рим
Австрийский живописец, рисовальщик и гравёр, мaстер офорта, романист Joseph Anton Koch (1768-1839) - представитель классицистического пейзажа в немецком искусстве. На родине был связан с эстетикой бидермайера, а в Риме - с обществом назарейцев. Сходство со стилем Уильяма Блейка поразительно. Возникает вопрос, был ли Кох знаком с иллюстрациями Блейка к Данте?
Фрагмент фрески. 1822-32 гг. Комната Данте, казино Массимо, Рим
Австрийский живописец, рисовальщик и гравёр, мaстер офорта, романист Joseph Anton Koch (1768-1839) - представитель классицистического пейзажа в немецком искусстве. На родине был связан с эстетикой бидермайера, а в Риме - с обществом назарейцев. Сходство со стилем Уильяма Блейка поразительно. Возникает вопрос, был ли Кох знаком с иллюстрациями Блейка к Данте?
"Президентская семья", Фернандо Ботеро
1967 г. Холст, масло, 203,5 х 196,2 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк (Дар Уоррена Д. Бенедека)
Колумбийский художник Fernando Botero Angulo (1932 - 2023) является одним из самыхпопулярных художников Латинской Америки. Наиболее известен как автор картин с преувеличенно пышными фигурами. Его подход можно назвать как комическим, так и критическим.
Картина La familia presidencial («Президентская семья») сочетает в себе все черты его лучших работ и служит критикой гражданского общества и государственной власти. На нем изображен президент Колумбии — мужская фигура в конце группы слева. его семья и те, с кем он разделяет государственную власть. Слева можно увидеть президента, его жену, дочь и бабушку, а справа — генерала и епископа. Метафору Ботеро можно понимать как завуалированную. критика, но оставляет его конечные мотивы двусмысленными.
1967 г. Холст, масло, 203,5 х 196,2 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк (Дар Уоррена Д. Бенедека)
Колумбийский художник Fernando Botero Angulo (1932 - 2023) является одним из самыхпопулярных художников Латинской Америки. Наиболее известен как автор картин с преувеличенно пышными фигурами. Его подход можно назвать как комическим, так и критическим.
Картина La familia presidencial («Президентская семья») сочетает в себе все черты его лучших работ и служит критикой гражданского общества и государственной власти. На нем изображен президент Колумбии — мужская фигура в конце группы слева. его семья и те, с кем он разделяет государственную власть. Слева можно увидеть президента, его жену, дочь и бабушку, а справа — генерала и епископа. Метафору Ботеро можно понимать как завуалированную. критика, но оставляет его конечные мотивы двусмысленными.
«Купающиеся солдаты (Строители моста)», Дмитрий Дмитриевич Жилинский
1959 г. Холст, масло. Размер: 208 x 388 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В творческом наследии художника картина «Купающиеся солдаты (Строители моста)» занимает отдельное место. «Жилинский до Жилинского» – так можно охарактеризовать период, в который она создавалась. Во время написания полотна художник, по его признанию, «бредил» обнаженными Александра Иванова. По примеру великого живописца ему хотелось создать многофигурную развернутую композицию большого масштаба. В соответствии с духом времени картина была решена как произведение на современный сюжет: отдых рабочих, ведущих строительство нового метромоста, открытого в 1959 году. Павел Корин – старший современник и один из учителей Жилинского – отозвался о работе критически: «Дима, хорош пейзаж и фигуры на заднем плане. Но на переднем плане Александр Иванов бы лучше написал».
В основу композиции легли зарисовки и этюды, исполненные в подмосковной военной части ПВО, куда Жилинский выезжал со студентами Суриковского института в качестве руководителя летней практики. Ряд персонажей он уточнял позднее. Фигуру падающего в воду юноши художник рисовал, глядя на себя в зеркало. А для персонажа, несущего сапоги, позировал его друг художник Саша Суханов.
О работе над этим полотном Жилинский вспоминал: «Мастерской у меня не было. Я построил сарай, сделал там верхнее окно. Мороз. Холодно. А я пишу солдат — им жарко. Руки у меня мерзнут. Пришлось надеть шерстяной носок, туда вставить кисточку».
После экспонирования в 1959 году на Пятой молодежной выставке картина «Купающиеся солдаты» поступила в распоряжение Союза художников. В дальнейшем о ее местонахождении забыл даже сам автор. Художник не без иронии вспоминал: «Как-то я попал в запасник Союза. К тому времени я уже начал писать темперой работы небольшого формата. Указывая на выделяющийся своим размером холст, говорю собеседнику: “Есть же дураки — такие большие картины пишут!” Подхожу ближе — что-то знакомый подрамник. А я его сам делал».
Позднее холст был снят с подрамника и накатан на вал вместе с другими полотнами большого формата. В 2006 году картина «Купающиеся солдаты», на долгое время выпавшая из внимания художника и его биографов, была передана Союзом художников России в дар Третьяковской галерее. В 2007 году, после комплексной реставрации, картина была показана на персональной выставке, приуроченной к 80-летию мастера.
Это раннее произведение представляет зрителям одно из направлений начальных творческих поисков художника, связанных с традициями «большой картины», уроками академического искусства. Но триумфальное раскрытие творческой индивидуальности, рождение авторского стиля и метода происходит у Жилинского чуть позже — в работах середины 1960-х годов.
1959 г. Холст, масло. Размер: 208 x 388 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
В творческом наследии художника картина «Купающиеся солдаты (Строители моста)» занимает отдельное место. «Жилинский до Жилинского» – так можно охарактеризовать период, в который она создавалась. Во время написания полотна художник, по его признанию, «бредил» обнаженными Александра Иванова. По примеру великого живописца ему хотелось создать многофигурную развернутую композицию большого масштаба. В соответствии с духом времени картина была решена как произведение на современный сюжет: отдых рабочих, ведущих строительство нового метромоста, открытого в 1959 году. Павел Корин – старший современник и один из учителей Жилинского – отозвался о работе критически: «Дима, хорош пейзаж и фигуры на заднем плане. Но на переднем плане Александр Иванов бы лучше написал».
В основу композиции легли зарисовки и этюды, исполненные в подмосковной военной части ПВО, куда Жилинский выезжал со студентами Суриковского института в качестве руководителя летней практики. Ряд персонажей он уточнял позднее. Фигуру падающего в воду юноши художник рисовал, глядя на себя в зеркало. А для персонажа, несущего сапоги, позировал его друг художник Саша Суханов.
О работе над этим полотном Жилинский вспоминал: «Мастерской у меня не было. Я построил сарай, сделал там верхнее окно. Мороз. Холодно. А я пишу солдат — им жарко. Руки у меня мерзнут. Пришлось надеть шерстяной носок, туда вставить кисточку».
После экспонирования в 1959 году на Пятой молодежной выставке картина «Купающиеся солдаты» поступила в распоряжение Союза художников. В дальнейшем о ее местонахождении забыл даже сам автор. Художник не без иронии вспоминал: «Как-то я попал в запасник Союза. К тому времени я уже начал писать темперой работы небольшого формата. Указывая на выделяющийся своим размером холст, говорю собеседнику: “Есть же дураки — такие большие картины пишут!” Подхожу ближе — что-то знакомый подрамник. А я его сам делал».
Позднее холст был снят с подрамника и накатан на вал вместе с другими полотнами большого формата. В 2006 году картина «Купающиеся солдаты», на долгое время выпавшая из внимания художника и его биографов, была передана Союзом художников России в дар Третьяковской галерее. В 2007 году, после комплексной реставрации, картина была показана на персональной выставке, приуроченной к 80-летию мастера.
Это раннее произведение представляет зрителям одно из направлений начальных творческих поисков художника, связанных с традициями «большой картины», уроками академического искусства. Но триумфальное раскрытие творческой индивидуальности, рождение авторского стиля и метода происходит у Жилинского чуть позже — в работах середины 1960-х годов.
"Женщина, сидящая на обнаженном мужчине (Автопортрет)", Леонор Фини
1942 г. Холст, масло. Частная коллекция.
Многие считают аргентинскую художницу Leonor Fini (1908, Буэнос-Айрес - 1996, Париж) — гением французского сюрреализма. Она принимала участие во всех крупных выставках наравне с Сальвадором Дали, Максом Эрнстом и Пикассо, писала прозу, занималась дизайном и книжной иллюстрацией. Однако она отклонила официальное приглашение присоединиться к группе, поскольку не была согласна с взглядом Андре Бретона на женщину как музу.
Вместе с тем, сюрреалистическим по духу было не только искусство Леонор Фини, но и способ ее жизни и восприятия мира.
«Голова львицы, разум мужчины, бюст женщины, туловище ребенка, ангельская грация, дьявольский дискурс», — описывал Фини американский арт-дилер Джулиан Леви. В прошлом столетии она «правила бал» в сюрреализме — в живописи, дизайне, литературе, моде.
Картина "Женщина, сидящая на обнаженном мужчине", написанная в 1942 году, является автопортретом художницы. Была продана на аукционных торгах и находится в частной коллекции.
Рано созревшая чувственность, провокативное поведение, необузданный темперамент Леонор давали массу поводов к досужим сплетням. Нескладный подросток превратился в femme fatale — высокую, статную, кудрявую красотку с кошачьим разрезом глаз. Как утверждала сама Фини, с 18 лет она имела обыкновение жить в подобии коммуны и редко ограничивала себя союзом с единственным партнером, предпочитая, как она выражалась в письмах, «караваны соучастий», в которых у каждого были параллельные романы. К армии ее любовников причисляют едва ли не весь золотой список художников, литераторов, мыслителей ХХ века.
1942 г. Холст, масло. Частная коллекция.
Многие считают аргентинскую художницу Leonor Fini (1908, Буэнос-Айрес - 1996, Париж) — гением французского сюрреализма. Она принимала участие во всех крупных выставках наравне с Сальвадором Дали, Максом Эрнстом и Пикассо, писала прозу, занималась дизайном и книжной иллюстрацией. Однако она отклонила официальное приглашение присоединиться к группе, поскольку не была согласна с взглядом Андре Бретона на женщину как музу.
Вместе с тем, сюрреалистическим по духу было не только искусство Леонор Фини, но и способ ее жизни и восприятия мира.
«Голова львицы, разум мужчины, бюст женщины, туловище ребенка, ангельская грация, дьявольский дискурс», — описывал Фини американский арт-дилер Джулиан Леви. В прошлом столетии она «правила бал» в сюрреализме — в живописи, дизайне, литературе, моде.
Картина "Женщина, сидящая на обнаженном мужчине", написанная в 1942 году, является автопортретом художницы. Была продана на аукционных торгах и находится в частной коллекции.
Рано созревшая чувственность, провокативное поведение, необузданный темперамент Леонор давали массу поводов к досужим сплетням. Нескладный подросток превратился в femme fatale — высокую, статную, кудрявую красотку с кошачьим разрезом глаз. Как утверждала сама Фини, с 18 лет она имела обыкновение жить в подобии коммуны и редко ограничивала себя союзом с единственным партнером, предпочитая, как она выражалась в письмах, «караваны соучастий», в которых у каждого были параллельные романы. К армии ее любовников причисляют едва ли не весь золотой список художников, литераторов, мыслителей ХХ века.
"Мадам Бувильон искушает судьбу, прося Раготина искать блох" Жан-Батист Патер
1730-е. Холст, масло. Размер: 28 х 38 см. Sanssouci в Потсдаме, Германия
18-й век был не только галантным, игривым, раскованным, эрудированным, но и блохастым. Немытая Европа кишела кровососущими насекомыми, от которых страдали как простые люди, так и знатные особы. У французского художника Jean-Baptiste Pater (1695-1736) есть интересная тематическая картина с довольно длинным и не очень понятным названием "Мадам Бувильон искушает судьбу, прося Раготина искать блох" .
Объяснение сюжета есть в седьмой новелле из Декамерон. Там ее герой рассуждает о преимуществах старости перед молодостью (Бокаччо был уже немолод, когда писал эту новеллу)
Есть в этой речи замечательная фраза:
«Вы занимаетесь тем, что влюбляетесь в молодых людей и желаете их любви… Действительно, я признаю, что они с большей силой выколачивают мех, но люди более зрелые, как опытные, лучше знают, где водятся блохи…»
Если рассматривать картину в контексте цитаты из "Декамерона" Боккаччо- становится понятен зашифрованный юмор художника, ведь кавалер , тот самый Раготин явно молод. И тут уж мадам как повезет. Ведь где водятся эротические триггеры людям постарше , не портящим борозду, по мнению автора известно куда лучше.
1730-е. Холст, масло. Размер: 28 х 38 см. Sanssouci в Потсдаме, Германия
18-й век был не только галантным, игривым, раскованным, эрудированным, но и блохастым. Немытая Европа кишела кровососущими насекомыми, от которых страдали как простые люди, так и знатные особы. У французского художника Jean-Baptiste Pater (1695-1736) есть интересная тематическая картина с довольно длинным и не очень понятным названием "Мадам Бувильон искушает судьбу, прося Раготина искать блох" .
Объяснение сюжета есть в седьмой новелле из Декамерон. Там ее герой рассуждает о преимуществах старости перед молодостью (Бокаччо был уже немолод, когда писал эту новеллу)
Есть в этой речи замечательная фраза:
«Вы занимаетесь тем, что влюбляетесь в молодых людей и желаете их любви… Действительно, я признаю, что они с большей силой выколачивают мех, но люди более зрелые, как опытные, лучше знают, где водятся блохи…»
Если рассматривать картину в контексте цитаты из "Декамерона" Боккаччо- становится понятен зашифрованный юмор художника, ведь кавалер , тот самый Раготин явно молод. И тут уж мадам как повезет. Ведь где водятся эротические триггеры людям постарше , не портящим борозду, по мнению автора известно куда лучше.
«Осень», Ханс Грундиг
1933 г. Холст, масло. Размер: 86,5х94,5 см. Государственный кунстхалле Карлсруэ, Германия
Hans Grundig (1901-1958) — немецкий живописец и график, профессор, представитель позднего немецкого экспрессионизма. Окончив в 1926 году дрезденскую Академию художеств, он в том же году вступил в Коммунистическую партию Германии. После прихода к власти нацистов в 1934 году Грундигу было запрещено заниматься художественной деятельностью. В 1940–1944 годах находился в концентрационном лагере Заксенхаузен. Несмотря на запрет на творческую деятельность, в период с 1933 по 1939 год были созданы лучшие произведения мастера, к числу которых относится представленный сегодня пейзаж «Осень».
В этом поэтическом пейзаже Ханс Грундиг продолжает развивать тему обезлюдившего, враждебного человеку города. Произведение отличается тщательно разработанным колоритом, создающим образ скоротечной осени не только как времени года, но и осени человеческой жизни и одиночества человека в этом мире.
Художник использовал в композиции один из наиболее характерных мотивов этого периода: улица в сильном сокращении, уходящая в глубину пространства. Атмосфера картины, подобная атмосфере литературных произведений Ремарка тех лет, остро передает настроение эпохи.
1933 г. Холст, масло. Размер: 86,5х94,5 см. Государственный кунстхалле Карлсруэ, Германия
Hans Grundig (1901-1958) — немецкий живописец и график, профессор, представитель позднего немецкого экспрессионизма. Окончив в 1926 году дрезденскую Академию художеств, он в том же году вступил в Коммунистическую партию Германии. После прихода к власти нацистов в 1934 году Грундигу было запрещено заниматься художественной деятельностью. В 1940–1944 годах находился в концентрационном лагере Заксенхаузен. Несмотря на запрет на творческую деятельность, в период с 1933 по 1939 год были созданы лучшие произведения мастера, к числу которых относится представленный сегодня пейзаж «Осень».
В этом поэтическом пейзаже Ханс Грундиг продолжает развивать тему обезлюдившего, враждебного человеку города. Произведение отличается тщательно разработанным колоритом, создающим образ скоротечной осени не только как времени года, но и осени человеческой жизни и одиночества человека в этом мире.
Художник использовал в композиции один из наиболее характерных мотивов этого периода: улица в сильном сокращении, уходящая в глубину пространства. Атмосфера картины, подобная атмосфере литературных произведений Ремарка тех лет, остро передает настроение эпохи.
