💬 «Цитатник Джазиста»: великий контрабасист Эдди Гомес о музыке и политической повестке.
«Я не думаю, что музыка должна выражать какую-то политическую позицию. У каждого композитора есть свое четкое мнение о том, что происходит вокруг, но необязательно высказывать его в музыке. У каждого своя жизнь и своя история. Кто-то, например, говорит мне: "Вот ты родом из Пуэрто-Рико, и я слышу в твоей музыке много танца". А я не играю так специально — это просто есть, и всё. Этого не может не быть, от этого невозможно избавиться. Всё дело в том, кто мы. Именно это отражается в нашей работе».
Из интервью проекту «Джазист», 2023 год
«Я не думаю, что музыка должна выражать какую-то политическую позицию. У каждого композитора есть свое четкое мнение о том, что происходит вокруг, но необязательно высказывать его в музыке. У каждого своя жизнь и своя история. Кто-то, например, говорит мне: "Вот ты родом из Пуэрто-Рико, и я слышу в твоей музыке много танца". А я не играю так специально — это просто есть, и всё. Этого не может не быть, от этого невозможно избавиться. Всё дело в том, кто мы. Именно это отражается в нашей работе».
Из интервью проекту «Джазист», 2023 год
Сегодня в рубрике «Ориентиры» наш постоянный автор Олег Соболев рассказывает об альбоме «Pilgrimage» Майкла Брекера (1949–2007), который великий американский саксофонист записал за пять месяцев до своей смерти.
Во время записи своего последнего альбома Майкл Брекер умирал от лейкемии. Смирился ли он с этим или продолжал до конца верить, что всё обойдется, мы можем только предполагать.
Слушая «Pilgrimage», сначала кажется, что саксофонист всё-таки верил в лучшее. Альбом получился жизнерадостным, динамичным, оптимистичным. Совсем не таким, каким мог бы быть диск человека, принявшего скорую смерть. Уже первая композиция «The Mean Time» — хитрая, хард-боповая, с занятной мелодией и сбитыми ритмами, которые моментально перерастают в огненное соло самого Брекера, — погружает слушателя в атмосферу танцев в тесном джазовом клубе. А чуть позже появляется грувовая, фанковая «Tumbleweed», что в переводе значит «перекати-поле». Вроде бы история в духе классическойамериканы, но с необычным вокалом, напоминающим саамские йойки, и жирным соло Пэта Метини на гитарном синтезаторе.
И так продолжается дальше: даже баллады, такие как «When Can I Kiss You Again?», чье название Брекер услышал от сына, навещавшего его в больнице, не мрачны, а наполнены внутренним огнем. Композиции на «Pilgrimage» — про краски, чувства, переживания — про то, что и положено человеку, об искусстве которого на YouTube есть видео под названием «Настолько ломающее соло, что переоцениваешь жизнь». Про танец, в конце концов,— аккуратный, сдержанный, красивый, которого здесь очень много, особенно в дерзких, немного латиноамериканских «Cardinal Rule» и «Loose Threads».
Музыке, конечно, помогает и звездная команда — мастера, которые уж точно знают, как наполнить звук энергией. Помимо Брекера и Метини, в записи участвовали ритм-секция из Джона Патитуччи и Джека Деджоннетта, а также две легенды фортепианного искусства — ХербиХэнкок и Брэд Мелдау, которые делят композиции на альбоме пополам.
Показательно, что, судя по короткометражному фильму о записи«Pilgrimage», сессии проходили в очень живой атмосфере, совершенно не предвещающей траур. И, к слову, отдельно хочется похвалить продюсеров — Метини, его давнего товарища Стива Родби и Гила Голдстайна. Они постарались сделать звук альбома сочным, полным деталей. Совершенно не соответствующим своей эпохе, известной глухим и выхолощенным саундом, а, наоборот, метящим в вечность.
Когда старые друзья собираются, чтобы поддержать больного товарища, траур не встает на первый план. Нужно быть выше обстоятельств. Оставаться сильными. И радость в такие моменты нахлынивает не из-за того, что смотришь в будущее с оптимизмом, а потому что празднуешь прошлое — свои победыи достижения, всё хорошее, что уже было сделано. У Брекера этого хорошего наберется на толстенную книгу воспоминаний, на страницах которой «Pilgrimage» совсем не затеряется.
Олег Соболев
Слушать альбом
Во время записи своего последнего альбома Майкл Брекер умирал от лейкемии. Смирился ли он с этим или продолжал до конца верить, что всё обойдется, мы можем только предполагать.
Слушая «Pilgrimage», сначала кажется, что саксофонист всё-таки верил в лучшее. Альбом получился жизнерадостным, динамичным, оптимистичным. Совсем не таким, каким мог бы быть диск человека, принявшего скорую смерть. Уже первая композиция «The Mean Time» — хитрая, хард-боповая, с занятной мелодией и сбитыми ритмами, которые моментально перерастают в огненное соло самого Брекера, — погружает слушателя в атмосферу танцев в тесном джазовом клубе. А чуть позже появляется грувовая, фанковая «Tumbleweed», что в переводе значит «перекати-поле». Вроде бы история в духе классическойамериканы, но с необычным вокалом, напоминающим саамские йойки, и жирным соло Пэта Метини на гитарном синтезаторе.
И так продолжается дальше: даже баллады, такие как «When Can I Kiss You Again?», чье название Брекер услышал от сына, навещавшего его в больнице, не мрачны, а наполнены внутренним огнем. Композиции на «Pilgrimage» — про краски, чувства, переживания — про то, что и положено человеку, об искусстве которого на YouTube есть видео под названием «Настолько ломающее соло, что переоцениваешь жизнь». Про танец, в конце концов,— аккуратный, сдержанный, красивый, которого здесь очень много, особенно в дерзких, немного латиноамериканских «Cardinal Rule» и «Loose Threads».
Музыке, конечно, помогает и звездная команда — мастера, которые уж точно знают, как наполнить звук энергией. Помимо Брекера и Метини, в записи участвовали ритм-секция из Джона Патитуччи и Джека Деджоннетта, а также две легенды фортепианного искусства — ХербиХэнкок и Брэд Мелдау, которые делят композиции на альбоме пополам.
Показательно, что, судя по короткометражному фильму о записи«Pilgrimage», сессии проходили в очень живой атмосфере, совершенно не предвещающей траур. И, к слову, отдельно хочется похвалить продюсеров — Метини, его давнего товарища Стива Родби и Гила Голдстайна. Они постарались сделать звук альбома сочным, полным деталей. Совершенно не соответствующим своей эпохе, известной глухим и выхолощенным саундом, а, наоборот, метящим в вечность.
Когда старые друзья собираются, чтобы поддержать больного товарища, траур не встает на первый план. Нужно быть выше обстоятельств. Оставаться сильными. И радость в такие моменты нахлынивает не из-за того, что смотришь в будущее с оптимизмом, а потому что празднуешь прошлое — свои победыи достижения, всё хорошее, что уже было сделано. У Брекера этого хорошего наберется на толстенную книгу воспоминаний, на страницах которой «Pilgrimage» совсем не затеряется.
Олег Соболев
Слушать альбом
Roy Ayers (1940–2025)
Принято думать, что Рой Эйерс создавал музыку для хорошего настроения — feel good music, — подразумевая, что она легкомысленна, в быстрых треках танцевальна, в балладах — предельно расслаблена. Но в его творчестве всегда было двойное дно. Многие композиции в исполнении Эйерса будто намекали на затишье перед бурей. Послушайте великолепную, восьмиминутную версию «You Send Me» Сэма Кука: на первый взгляд, это действительно благость, но грув намекает на внутреннюю драму, а струнные к концу песни переходят в поистине демонические крещендо. Рай так не звучит.
Многие его фанковые вещи — такие, как мощнейший боевик «Freaky Deaky» с альбома «Let’s Do It», — вообще звучат как часть той жесткой реальности, в которой музыканту пришлось работать — окрашенной в сепию атмосферой американских 70-х. Под несколько хаотичную, тревожную ритм-секцию этого трека легко почувствовать себя даже не в сказке, не в «блэксплотейшне» (Эйерс писал музыку для фильмов этого жанра), а действительно на улицах большого города со всеми их опасностями и проблемами.
Да и в той же «Everybody Loves the Sunshine» рефрен вовсе не кажется оптимистичным. Назойливый звук синтезатора ARP, сопровождающий песню, словно мешает музыке оставаться расслабленной. Эйерс часто рассказывал, что написал «Everybody Loves the Sunshine», вспоминая детство в Лос-Анджелесе, когда достаточно было выйти на улицу, чтобы погрузиться в яркий солнечный свет. Но постоянный жар солнца приносит не только радости, как и детство не бывает без тайных, иногда страшных воспоминаний.
В этом кроется, пожалуй, важнейшее достоинство Роя Эйерса: он не был ослепительным показным дураком, продающим образ беспроблемной жизни. Несмотря на то, что его музыка порой звучала «фирменно», даже буржуазно, в ней всегда оставалось место для интерпретации. Это многослойное искусство, которое нельзя свести к простым словам или стилистическим ярлыкам, — оно требует внимательного слушателя, а не фонового использования.
При этом Эйерс всё-таки умел дарить чистое счастье, особенно вживую. Вспоминаю его концерт в московском клубе «Б1 Maximum» в 2008 году. Несмотря на относительно большой зал, это было камерное выступление — без лишних выкрутасов, без долгих погружений в плотный грув. Музыка была аккуратной, плавной и совершенно волшебной. На дворе стоял ранний октябрь, и, кажется, тоже светило солнце.
Олег Соболев
Принято думать, что Рой Эйерс создавал музыку для хорошего настроения — feel good music, — подразумевая, что она легкомысленна, в быстрых треках танцевальна, в балладах — предельно расслаблена. Но в его творчестве всегда было двойное дно. Многие композиции в исполнении Эйерса будто намекали на затишье перед бурей. Послушайте великолепную, восьмиминутную версию «You Send Me» Сэма Кука: на первый взгляд, это действительно благость, но грув намекает на внутреннюю драму, а струнные к концу песни переходят в поистине демонические крещендо. Рай так не звучит.
Многие его фанковые вещи — такие, как мощнейший боевик «Freaky Deaky» с альбома «Let’s Do It», — вообще звучат как часть той жесткой реальности, в которой музыканту пришлось работать — окрашенной в сепию атмосферой американских 70-х. Под несколько хаотичную, тревожную ритм-секцию этого трека легко почувствовать себя даже не в сказке, не в «блэксплотейшне» (Эйерс писал музыку для фильмов этого жанра), а действительно на улицах большого города со всеми их опасностями и проблемами.
Да и в той же «Everybody Loves the Sunshine» рефрен вовсе не кажется оптимистичным. Назойливый звук синтезатора ARP, сопровождающий песню, словно мешает музыке оставаться расслабленной. Эйерс часто рассказывал, что написал «Everybody Loves the Sunshine», вспоминая детство в Лос-Анджелесе, когда достаточно было выйти на улицу, чтобы погрузиться в яркий солнечный свет. Но постоянный жар солнца приносит не только радости, как и детство не бывает без тайных, иногда страшных воспоминаний.
В этом кроется, пожалуй, важнейшее достоинство Роя Эйерса: он не был ослепительным показным дураком, продающим образ беспроблемной жизни. Несмотря на то, что его музыка порой звучала «фирменно», даже буржуазно, в ней всегда оставалось место для интерпретации. Это многослойное искусство, которое нельзя свести к простым словам или стилистическим ярлыкам, — оно требует внимательного слушателя, а не фонового использования.
При этом Эйерс всё-таки умел дарить чистое счастье, особенно вживую. Вспоминаю его концерт в московском клубе «Б1 Maximum» в 2008 году. Несмотря на относительно большой зал, это было камерное выступление — без лишних выкрутасов, без долгих погружений в плотный грув. Музыка была аккуратной, плавной и совершенно волшебной. На дворе стоял ранний октябрь, и, кажется, тоже светило солнце.
Олег Соболев
Для рубрики «Джазист слушает» наш автор Илья Белоруков (musicworm) послушал свежие релизы австрийского лейбла Trost и посчитал несколько из них достойными для освещения.
Franz Hautzinger, Ignaz Schick, Sven-Åke Johansson «Rotations +» (2025)
Заслуженный, но не прекращающий удивлять даже в свои 82 года перкуссионист Свен-Оке Йоханссон записал концерт в трио с трубачом Францем Хаутцингером и Игнацем Шиком, использующим для создания музыки виниловый проигрыватель. Хаутцингер и Шик переосмыслили возможности своих инструментов в первое десятилетие нулевых и до сих пор продолжают модифицировать акустический звук, используя различную электронику. Франц и Игнац заняты текстурной игрой и медленным развитием музыки, а Йоханссон оттеняет «гуделки» ритмами, чуткой игрой на тарелках и шуршанием малого барабана. Не забыт и аккордеон Йоханссона, секретный ингредиент, вдруг проступающий в дебрях электроники.
Georg Graewe & Sonic Fiction Orchestra «In Concert, Bochum 2022» (2024)
Большой ансамбль немецкого пианиста Георга Греве насчитывает одиннадцать человек. Как и подобает в подобных случаях, бэндлидер выстраивает для музыкантов рамки композиций, в которых работают музыканты, а сама музыка по большей части импровизационная. Структуры, которые создает Греве, непросты и требуют дисциплины не только при исполнении, но и при прослушивании. Результат оказывается намного ближе к академической музыке, нежели к импровизационной. Георг умудряется сохранить камерный звук при наличии большого количества музыкантов. Звуковая палитра заслуживает особого внимания: кроме привычных инструментов, здесь звучат арфа, фагот, вибрафон и электроника.
Arashi & Takeo Moriyama «Tokuzo» (2024)
Еще один мастодонт фри-джаза в этой подборке — японский саксофонист Акира Саката. 21 февраля ему исполнилось 80 лет, но это никак не повлияло на его мощную игру. В 2002 году он пережил инсульт, но уже через три месяца продолжил играть на альт-саксофоне, хотя и с некоторыми ограничениями. Трио Arashi, в котором также участвуют барабанщик Пол Нильссен-Лав и басист Йохан Бертлинг, уже больше десяти лет, а новый альбом, записанный в 2019 году на концерте с приглашенным барабанщиком Такео Мориямой, стал одной из их лучших записей коллектива. Это классический фри-джаз в том виде, в котором он только и может существовать сегодня, — без зауми и концептуальных идей, без политической подоплеки и назидательности. Остается лишь музыка, наполненная экспрессией и органикой взаимодействий музыкантов.
Илья Белоруков
Franz Hautzinger, Ignaz Schick, Sven-Åke Johansson «Rotations +» (2025)
Заслуженный, но не прекращающий удивлять даже в свои 82 года перкуссионист Свен-Оке Йоханссон записал концерт в трио с трубачом Францем Хаутцингером и Игнацем Шиком, использующим для создания музыки виниловый проигрыватель. Хаутцингер и Шик переосмыслили возможности своих инструментов в первое десятилетие нулевых и до сих пор продолжают модифицировать акустический звук, используя различную электронику. Франц и Игнац заняты текстурной игрой и медленным развитием музыки, а Йоханссон оттеняет «гуделки» ритмами, чуткой игрой на тарелках и шуршанием малого барабана. Не забыт и аккордеон Йоханссона, секретный ингредиент, вдруг проступающий в дебрях электроники.
Georg Graewe & Sonic Fiction Orchestra «In Concert, Bochum 2022» (2024)
Большой ансамбль немецкого пианиста Георга Греве насчитывает одиннадцать человек. Как и подобает в подобных случаях, бэндлидер выстраивает для музыкантов рамки композиций, в которых работают музыканты, а сама музыка по большей части импровизационная. Структуры, которые создает Греве, непросты и требуют дисциплины не только при исполнении, но и при прослушивании. Результат оказывается намного ближе к академической музыке, нежели к импровизационной. Георг умудряется сохранить камерный звук при наличии большого количества музыкантов. Звуковая палитра заслуживает особого внимания: кроме привычных инструментов, здесь звучат арфа, фагот, вибрафон и электроника.
Arashi & Takeo Moriyama «Tokuzo» (2024)
Еще один мастодонт фри-джаза в этой подборке — японский саксофонист Акира Саката. 21 февраля ему исполнилось 80 лет, но это никак не повлияло на его мощную игру. В 2002 году он пережил инсульт, но уже через три месяца продолжил играть на альт-саксофоне, хотя и с некоторыми ограничениями. Трио Arashi, в котором также участвуют барабанщик Пол Нильссен-Лав и басист Йохан Бертлинг, уже больше десяти лет, а новый альбом, записанный в 2019 году на концерте с приглашенным барабанщиком Такео Мориямой, стал одной из их лучших записей коллектива. Это классический фри-джаз в том виде, в котором он только и может существовать сегодня, — без зауми и концептуальных идей, без политической подоплеки и назидательности. Остается лишь музыка, наполненная экспрессией и органикой взаимодействий музыкантов.
Илья Белоруков
💿 Neil Swainson «Here for a While» (Cellar Music Group, 2024)
📝****
Возможно, любители джаза не очень хорошо знают канадского басиста Нила Суэйнсона, но наш автор Леонид Аускерн уверен, что джазовым профессионалам это имя говорит о многом. Джазовый ветеран Суэйнсон (род. 1955) начинал свой путь в городе Виктория, в «канадской Калифорнии» — провинции Британская Колумбия. Редкий случай в современном джазе: Суэйнсон — самоучка, освоивший контрабас самостоятельно и достигший с этим инструментом головокружительных высот.
Для записи своего нового альбома Нил собрал секстет из опытных американских и канадских партнеров: тут и известная пианистка Рини Роснес, и тромбонист Стив Дэвис, и канадские духовики Брэд Тёрнер и Келли Джефферсон, и ударник Куинси Дэвис. Сам же Суэйнсон един в трех лицах: как басист, композитор и бэндлидер.
Программа, состоящая из девяти треков, выдержана в духемейнстрим-джаза, музыки, которую Нил играет всю жизнь. К чему бы ему на старости лет изменять своим вкусам? Но уж показать товар лицом в этой органичной для него атмосфереСуэйнсон, по мнению Леонида Аускерна, умеет с блеском.
Читайте полную рецензию на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
📝****
Возможно, любители джаза не очень хорошо знают канадского басиста Нила Суэйнсона, но наш автор Леонид Аускерн уверен, что джазовым профессионалам это имя говорит о многом. Джазовый ветеран Суэйнсон (род. 1955) начинал свой путь в городе Виктория, в «канадской Калифорнии» — провинции Британская Колумбия. Редкий случай в современном джазе: Суэйнсон — самоучка, освоивший контрабас самостоятельно и достигший с этим инструментом головокружительных высот.
Для записи своего нового альбома Нил собрал секстет из опытных американских и канадских партнеров: тут и известная пианистка Рини Роснес, и тромбонист Стив Дэвис, и канадские духовики Брэд Тёрнер и Келли Джефферсон, и ударник Куинси Дэвис. Сам же Суэйнсон един в трех лицах: как басист, композитор и бэндлидер.
Программа, состоящая из девяти треков, выдержана в духемейнстрим-джаза, музыки, которую Нил играет всю жизнь. К чему бы ему на старости лет изменять своим вкусам? Но уж показать товар лицом в этой органичной для него атмосфереСуэйнсон, по мнению Леонида Аускерна, умеет с блеском.
Читайте полную рецензию на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
Джазист
Neil Swainson Sextet «Here for a While» (Cellar Music Group, 2024) | Джазист |
Возможно, любители джаза не очень хорошо знают канадского басиста Нила Суэйнсона, но вот джазовым профессионалам это имя говорит о многом — и в США, и, разумеется, в Канаде, где Суэйнсон пользуется огромным и заслуженным уважением и является четырехкратным…
В очередном выпуске рубрики «Джазист слушает» Илья Белоруков рассказывает о трех релизах лейбла RelativePitch, которые вышли в этом году.
Jacqueline Kerrod & Joe Morris «Morpeth Contemporary 2024»
Перед нами камерная импровизационная музыка. Струнные инструменты Жаклин Керрод и Джо Морриса — арфа и акустическая гитара — прекрасно сочетаются: оба звучат негромко и компактно. В формате дуэта каждый из инструментов можно услышать во всей красе, а с учетом того, что музыканты используют расширенные техники, этих красок огромное множество. Сама же музыка стремится охватить как можно большее число динамических оттенков, от еле слышных щипков струн в тишине до максимально возможной экспрессивной подачи.
Laura Cocks «FATHM»
Не так часто можно встретить в импровизационной музыке флейту. Еще реже попадаются пластинки, записанные на флейте соло. Тем ценнее вклад американки Лоры Кокс, которая не побоялась бросить такой вызов прежде всего самой себе. Лора — выходец из академической музыки, она работает в TAK Ensemble и записала сольный диск с пьесами современных композиторов для флейты и электроники. На альбоме «FATHM» Лора выражает собственные мысли и с энтузиазмом пробует разные приемы игры на инструменте. Она не боится уйти от скупого академизма в выразительные пассажи или работу со звукоизвлечением, и за счет этого музыка насыщена событиями в каждом из девяти треков.
Denley Gorfinkel Farrar «Vents»
Тему флейты развивает и альбом, записанный австралийским трио Denley Gorfinkel Farrar. За флейту отвечает Джим Денли, которого ценители современной импровизационной музыки знают как одного из самых креативных альт-саксофонистов последних лет тридцати. Флейте он, однако, уделяет не меньше внимания. Партнеры Денли по трио — это Питер Фаррар и Дейл Горфинкел. Фаррар — тоже саксофонист, но здесь использует разные объекты, а Горфинкел соорудил airdrums — гибрид духового и перкуссионного инструментов. Играют они текстурную импровизацию, где всё внимание уделено тембрам и их неспешному изучению, а взаимодействия выстроены слоями. Распознать в этой ситуации флейту не так-то просто.
Jacqueline Kerrod & Joe Morris «Morpeth Contemporary 2024»
Перед нами камерная импровизационная музыка. Струнные инструменты Жаклин Керрод и Джо Морриса — арфа и акустическая гитара — прекрасно сочетаются: оба звучат негромко и компактно. В формате дуэта каждый из инструментов можно услышать во всей красе, а с учетом того, что музыканты используют расширенные техники, этих красок огромное множество. Сама же музыка стремится охватить как можно большее число динамических оттенков, от еле слышных щипков струн в тишине до максимально возможной экспрессивной подачи.
Laura Cocks «FATHM»
Не так часто можно встретить в импровизационной музыке флейту. Еще реже попадаются пластинки, записанные на флейте соло. Тем ценнее вклад американки Лоры Кокс, которая не побоялась бросить такой вызов прежде всего самой себе. Лора — выходец из академической музыки, она работает в TAK Ensemble и записала сольный диск с пьесами современных композиторов для флейты и электроники. На альбоме «FATHM» Лора выражает собственные мысли и с энтузиазмом пробует разные приемы игры на инструменте. Она не боится уйти от скупого академизма в выразительные пассажи или работу со звукоизвлечением, и за счет этого музыка насыщена событиями в каждом из девяти треков.
Denley Gorfinkel Farrar «Vents»
Тему флейты развивает и альбом, записанный австралийским трио Denley Gorfinkel Farrar. За флейту отвечает Джим Денли, которого ценители современной импровизационной музыки знают как одного из самых креативных альт-саксофонистов последних лет тридцати. Флейте он, однако, уделяет не меньше внимания. Партнеры Денли по трио — это Питер Фаррар и Дейл Горфинкел. Фаррар — тоже саксофонист, но здесь использует разные объекты, а Горфинкел соорудил airdrums — гибрид духового и перкуссионного инструментов. Играют они текстурную импровизацию, где всё внимание уделено тембрам и их неспешному изучению, а взаимодействия выстроены слоями. Распознать в этой ситуации флейту не так-то просто.
20 марта на лейбле Jazzist выходит дебютный альбом «Rivers» московской группы Flying Fish.
Музыка Flying Fish — это академическая выверенность и джазовая свобода, Восток и Запад, старое и новое. По словам группы, каждая композиция на альбоме — река со своим собственным характером, а вместе они питают океан. Участники Flying Fish ценят разнообразие и эклектику, неожиданные сближения и гармонию противоречий. Именно это они и постарались выразить в своей дебютной работе.
20 марта альбом будет доступен на всех стриминговых платформах, и уже сейчас вы можете сохранить его заранее.
В тот же день в КЦ «ДОМ» состоится презентация альбома. Не пропустите!
Музыка Flying Fish — это академическая выверенность и джазовая свобода, Восток и Запад, старое и новое. По словам группы, каждая композиция на альбоме — река со своим собственным характером, а вместе они питают океан. Участники Flying Fish ценят разнообразие и эклектику, неожиданные сближения и гармонию противоречий. Именно это они и постарались выразить в своей дебютной работе.
20 марта альбом будет доступен на всех стриминговых платформах, и уже сейчас вы можете сохранить его заранее.
В тот же день в КЦ «ДОМ» состоится презентация альбома. Не пропустите!
Вчера 70-летний юбилей отметил басист, клавишник, композитор и художник Алекс Ростоцкий.
Несколько запоздало присоединяемся к поздравлениям, а заодно предлагаем перечитать интервью Ростоцкого на «Джазисте». Разговор получился вдумчивым, неторопливым и, несмотря на то, что прошло уже больше трех лет, не утратил своей актуальности.
Несколько запоздало присоединяемся к поздравлениям, а заодно предлагаем перечитать интервью Ростоцкого на «Джазисте». Разговор получился вдумчивым, неторопливым и, несмотря на то, что прошло уже больше трех лет, не утратил своей актуальности.
Джазист
Алекс Ростоцкий: «Моя работа отзывается в людях любой национальности» | Джазист | Интервью
Фото Владимира Куприянова Музыкант и художник Алекс Ростоцкий выпустил новый альбом «Рогожский фрейлехс» — его предыдущая студийная работа вышла аж восемь лет назад. Воспользовавшись поводом, «Джазист» поговорил с Ростоцким о том, чем была вызвана такая пауза…
26 марта, 1 и 2 апреля в столичном Центре исполнительских искусств состоится очередной VOLKOV ManiFEST — детище петербургского музыканта Владимира Волкова. Эклектичная программа фестиваля будет посвящена Чику Кориа и джазу, «Форели» Шуберта и «Картинкам с выставки» Мусоргского.
Участниками VOLKOV ManiFEST в этот раз станут звезды российской импровизационной и академической музыки: Аркадий Шилклопер, Алиса Тен, Вячеслав Гайворонский, Руст Позюмский, Андрей Кондаков, оркестр «Дивертисмент» и многие другие.
Подробности читайте на сайте «Джазиста».
Участниками VOLKOV ManiFEST в этот раз станут звезды российской импровизационной и академической музыки: Аркадий Шилклопер, Алиса Тен, Вячеслав Гайворонский, Руст Позюмский, Андрей Кондаков, оркестр «Дивертисмент» и многие другие.
Подробности читайте на сайте «Джазиста».
💿 Alexey Kruglov «Transfiguration 100. Duos» (SoLyd Records, 2025)
📝****
Свой сотый (!) релиз саксофонист Алексей Круглов сделалпоистине монументальным. Это тройной (!) альбом, состоящий из дуэтов со многими выдающимися музыкантами: в записи участвовали Вячеслав Ганелин, Владимир Волков, Владимир Мартынов, Саинхо Намчылак, Аркадий Шилклопер и другие. Выбор партнера задает тон пьесе: с Сергеем Старостиным Круглов двигается в фольклорном направлении, с Алексеем Борисовым уходит в шумовой импров, с Анной Чекасиной выдает мощный вокальный фри-джаз и так далее. Значительная часть материала посвящена поэтическим опытам Алексея: из композиций с его декламациями стихов собственного сочинения можно собрать отдельный полноформатный альбом. Некоторые коллаборации идут в достаточно неожиданных направлениях: скажем, синтезаторы Ганелина обретают тут практически «твинпиксовский» дух. Круглов в полном соответствии с названием альбома демонстрирует свои способности к перевоплощению — и делает это убедительно. А вот эклектичность материала можно считатьи достоинством, и недостатком релиза: не каждый слушатель полюбит его целиком, но каждый найдет в нем что-то для себя.
Леонид Кравченко
Слушать альбом
📝****
Свой сотый (!) релиз саксофонист Алексей Круглов сделалпоистине монументальным. Это тройной (!) альбом, состоящий из дуэтов со многими выдающимися музыкантами: в записи участвовали Вячеслав Ганелин, Владимир Волков, Владимир Мартынов, Саинхо Намчылак, Аркадий Шилклопер и другие. Выбор партнера задает тон пьесе: с Сергеем Старостиным Круглов двигается в фольклорном направлении, с Алексеем Борисовым уходит в шумовой импров, с Анной Чекасиной выдает мощный вокальный фри-джаз и так далее. Значительная часть материала посвящена поэтическим опытам Алексея: из композиций с его декламациями стихов собственного сочинения можно собрать отдельный полноформатный альбом. Некоторые коллаборации идут в достаточно неожиданных направлениях: скажем, синтезаторы Ганелина обретают тут практически «твинпиксовский» дух. Круглов в полном соответствии с названием альбома демонстрирует свои способности к перевоплощению — и делает это убедительно. А вот эклектичность материала можно считатьи достоинством, и недостатком релиза: не каждый слушатель полюбит его целиком, но каждый найдет в нем что-то для себя.
Леонид Кравченко
Слушать альбом
band.link
Alexey Kruglov - Transfiguration 100. Duos | BandLink
Listen, download or stream Transfiguration 100. Duos now!
💿 Laura Agnusdei «Flowers Are Blooming in Antarctica» (Maple Death Records, 2025)
📝****
Третий студийный альбом итальянской саксофонистки Лауры Агнусдеи — работа с мощным концептуальным фундаментом. Запись «исследует взаимоотношения человека с природой, экологические конфликты и мир нечеловеческих существ», а вдохновением послужили книга «Ways of Being» Джеймса Брайдла, фантастическая энциклопедия «CodexSeraphinianus» Луиджи Серафини и творчество Джеймса Балларда. Но как бы композитор ни пыталась загнать себя в угол концептуализмом, альбом, по мнению нашего автора Олега Соболева, скорее подталкивает к интуитивному погружению, чем требует аналитического разбора.
Ориентиры Агнусдеи как архитектора звучания ясны. С одной стороны — Джон Хасселл, пионер «музыки четвертого мира», сочетавшей шаманский фольклор, эмбиент и абстрактный джаз. С другой — спиричуэл-джаз, но не стремительный и экзальтированный, как у Мюриэль Гроссман или Камаси Вашингтона, а мягкий, медитативный, детализированный.
Агнусдеи не просто заимствует чужие идеи — она развивает их, находя собственный путь. Ее ансамбль не стремится к виртуозности, но работает точно и выверенно. Электроника и спецэффекты органично вплетены в звучание — они не перегружают, не отвлекают, а тонко подчеркивают фактуру композиций. Ну а главное, считает Олег, — драматургия: «Flowers Are Blooming in Antarctica» воспринимается как короткий экспериментальный рассказ с четко выстроенной аркой.
Полный текст читайте на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
📝****
Третий студийный альбом итальянской саксофонистки Лауры Агнусдеи — работа с мощным концептуальным фундаментом. Запись «исследует взаимоотношения человека с природой, экологические конфликты и мир нечеловеческих существ», а вдохновением послужили книга «Ways of Being» Джеймса Брайдла, фантастическая энциклопедия «CodexSeraphinianus» Луиджи Серафини и творчество Джеймса Балларда. Но как бы композитор ни пыталась загнать себя в угол концептуализмом, альбом, по мнению нашего автора Олега Соболева, скорее подталкивает к интуитивному погружению, чем требует аналитического разбора.
Ориентиры Агнусдеи как архитектора звучания ясны. С одной стороны — Джон Хасселл, пионер «музыки четвертого мира», сочетавшей шаманский фольклор, эмбиент и абстрактный джаз. С другой — спиричуэл-джаз, но не стремительный и экзальтированный, как у Мюриэль Гроссман или Камаси Вашингтона, а мягкий, медитативный, детализированный.
Агнусдеи не просто заимствует чужие идеи — она развивает их, находя собственный путь. Ее ансамбль не стремится к виртуозности, но работает точно и выверенно. Электроника и спецэффекты органично вплетены в звучание — они не перегружают, не отвлекают, а тонко подчеркивают фактуру композиций. Ну а главное, считает Олег, — драматургия: «Flowers Are Blooming in Antarctica» воспринимается как короткий экспериментальный рассказ с четко выстроенной аркой.
Полный текст читайте на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
Джазист
Laura Agnusdei «Flowers Are Blooming in Antarctica» (Maple Death Records, 2025) | Джазист | Рецензии
Третий студийный альбом итальянской саксофонистки Лауры Агнусдеи — работа с мощным концептуальным фундаментом. Запись «исследует взаимоотношения человека с природой, экологические конфликты и мир нечеловеческих существ», а вдохновением для нее послужили книга…
На лейбле Jazzist новый релиз — дебютный альбом «Rivers» московской группы Flying Fish!
Каталог лейбла, в котором уже два с лишним десятка работ, — это почти без исключений джаз в его разных ипостасях, от консервативных до новаторских. Но Юрий Льноградский справедливо замечает, что той музыки, которую играют Flying Fish, в нем до этого практически не было.
Группа представляет на этом альбоме, например, болгарский и молдавский народные танцы, алжирский канун, индийский коннакол или бузуки, инструмент с греческими корнями, — и это далеко не всё. Добавьте сюда нацеленность на современные аранжировки, никак не повторяющие канонических форматов той или иной народной музыки. Добавьте безладовый электрический бас, современные ударные, трубу, саксофоны. Добавьте (как говорится, внезапно) древнюю европейскую виолу да гамба, которая имеет куда больше отношения к салонному аристократическому мышлению, чем к той или иной национальной музыкальной школе. Что на выходе? World music плюс современные аранжировки, не ограниченные узкой стилистикой.
Читайте полный текст Юрия Льноградского на нашем сайте и слушайте «Rivers» на всех главных стриминговых платформах.
Презентация альбома состоится сегодня в КЦ «ДОМ». Билеты еще остались!
Каталог лейбла, в котором уже два с лишним десятка работ, — это почти без исключений джаз в его разных ипостасях, от консервативных до новаторских. Но Юрий Льноградский справедливо замечает, что той музыки, которую играют Flying Fish, в нем до этого практически не было.
Группа представляет на этом альбоме, например, болгарский и молдавский народные танцы, алжирский канун, индийский коннакол или бузуки, инструмент с греческими корнями, — и это далеко не всё. Добавьте сюда нацеленность на современные аранжировки, никак не повторяющие канонических форматов той или иной народной музыки. Добавьте безладовый электрический бас, современные ударные, трубу, саксофоны. Добавьте (как говорится, внезапно) древнюю европейскую виолу да гамба, которая имеет куда больше отношения к салонному аристократическому мышлению, чем к той или иной национальной музыкальной школе. Что на выходе? World music плюс современные аранжировки, не ограниченные узкой стилистикой.
Читайте полный текст Юрия Льноградского на нашем сайте и слушайте «Rivers» на всех главных стриминговых платформах.
Презентация альбома состоится сегодня в КЦ «ДОМ». Билеты еще остались!
💿 «Бром» «Чёрная голова» (Addicted Label / Лапшичная, 2025)
📝****
Наш постоянный автор Юрий Виноградов (@classic_mechanics) делится впечатлениями от нового альбома группы «Бром». Юрий отмечает интересные и небанальные ритмы, музыкальный полет, динамику, интенсивность, запилы на саксофоне, четкие барабанные ритмы, упругие бас-гитарные партии и экзальтированную электронику.
«Бром» — опытные музыкальные экспериментаторы. Чтобы очистить свою музыку от границ и ожиданий, они называют ее no jazz —«ноу-джаз». Ее непросто описать с помощью общих понятий, если не прибегать к совсем неопределенным вроде «авангарда», «панк-джаза» и «экспериментальной музыки». Эту музыку сложно назвать и каким-то гибридом, хотя в ней есть элементы нойз-рока, мат-рока и свободной импровизации.
По мнению Юрия Виноградова, «Бром» продолжает расширять границы того, что мы называем джазовой музыкой, и если вы готовы к экспериментам, то этот альбом станет приятным и захватывающим опытом.
Подробности — на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
📝****
Наш постоянный автор Юрий Виноградов (@classic_mechanics) делится впечатлениями от нового альбома группы «Бром». Юрий отмечает интересные и небанальные ритмы, музыкальный полет, динамику, интенсивность, запилы на саксофоне, четкие барабанные ритмы, упругие бас-гитарные партии и экзальтированную электронику.
«Бром» — опытные музыкальные экспериментаторы. Чтобы очистить свою музыку от границ и ожиданий, они называют ее no jazz —«ноу-джаз». Ее непросто описать с помощью общих понятий, если не прибегать к совсем неопределенным вроде «авангарда», «панк-джаза» и «экспериментальной музыки». Эту музыку сложно назвать и каким-то гибридом, хотя в ней есть элементы нойз-рока, мат-рока и свободной импровизации.
По мнению Юрия Виноградова, «Бром» продолжает расширять границы того, что мы называем джазовой музыкой, и если вы готовы к экспериментам, то этот альбом станет приятным и захватывающим опытом.
Подробности — на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
💿 St. Petersburg Improvisers Orchestra «Session Lxxx» (Artes Mirabiles, 2025)
📝****
Санкт-Петербургский оркестр импровизации — первый в России проект такого рода, созданный на базе Галереи Экспериментального Звука (ныне — Музей Звука) и объединяющий музыкантов-импровизаторов разных поколений. Уже более десяти лет оркестр собирается на концертные сессии, каждая из которых получает свой порядковый номер. На втором альбоме коллектива запечатлена восьмидесятая сессия, которая состоялась в 2018 году в зале Яани Кирик.
Оркестр в тот раз состоял из инструментальной, электронной и вокальных групп (в общей сложности почти три десятка музыкантов), которыми поочередно дирижировали Дмитрий Шубин, Марк Коммери Николай Рубанов. От такого оркестра можно ожидать громкого и шумного материала, но на деле оказывается нечто противоположное: порой запись балансирует на грани слышимости, и даже в самых интенсивных моментах музыка остается тихой и вдумчивой.
Вам не раз придется напрягать слух, различая тонкие звуковые нюансы, — вероятно, на характер материала значительно повлияла церковная обстановка и акустика. Слушать эту работу стоит либо в наушниках, либо на большой саунд-системе. Чуткие уши найдут в ней немало приятных моментов.
Леонид Кравченко
Слушать альбом
📝****
Санкт-Петербургский оркестр импровизации — первый в России проект такого рода, созданный на базе Галереи Экспериментального Звука (ныне — Музей Звука) и объединяющий музыкантов-импровизаторов разных поколений. Уже более десяти лет оркестр собирается на концертные сессии, каждая из которых получает свой порядковый номер. На втором альбоме коллектива запечатлена восьмидесятая сессия, которая состоялась в 2018 году в зале Яани Кирик.
Оркестр в тот раз состоял из инструментальной, электронной и вокальных групп (в общей сложности почти три десятка музыкантов), которыми поочередно дирижировали Дмитрий Шубин, Марк Коммери Николай Рубанов. От такого оркестра можно ожидать громкого и шумного материала, но на деле оказывается нечто противоположное: порой запись балансирует на грани слышимости, и даже в самых интенсивных моментах музыка остается тихой и вдумчивой.
Вам не раз придется напрягать слух, различая тонкие звуковые нюансы, — вероятно, на характер материала значительно повлияла церковная обстановка и акустика. Слушать эту работу стоит либо в наушниках, либо на большой саунд-системе. Чуткие уши найдут в ней немало приятных моментов.
Леонид Кравченко
Слушать альбом
Сегодня в новом выпуске рубрики «Мнение» наш постоянный автор, музыкант и композитор Юрий Виноградов размышляет о движущей силе любви и интереса к джазу.
Джаз часто называют сложным или элитарным. Действительно, для наслаждения джазом требуется если не минимальная музыкальная «квалификация», то хотя бы определенная склонность или слуховой опыт. Конечно, возможна чистая и непосредственная влюбленность в такую музыку, но всё же получение удовольствия от музыки, скажем, Сан Ра или Сесила Тейлора предполагает некоторую наслушанность. С другой стороны, джаз — открытая музыка, которая всегда доступна для исследования, и «сложность джаза» — всего лишь вопрос привычки. Чтобы наслаждаться «So What» Майлза Дэвиса, не нужна специальная подготовка.
Необязательно любить что-то, чтобы живо интересоваться этим. Интерес позволяет расширить собственные горизонты, увеличить свой мир, поселить в нем новые феномены, и этот процесс сам по себе может быть наслаждением. Интерес к джазу не требует безоговорочной любви — достаточно любопытства.
Джазом можно интересоваться как уникальным, непростым и насыщенным музыкальным миром, культурным и историческим феноменом, источником влияний на поп-культуру, гуманитарную науку или другие жанры музыки. Джаз возник на плодородной почве, поэтому интересно изучать его как реакцию музыкального сознания события и обстоятельства XX и XXI веков. Как рэгтайм и новоорлеанский джаз превратились во фри-джаз и хард-боп? Как джаз влияет на современную популярную музыку, в частности хип-хоп (Роберт Гласпер) или электронику (Flying Lotus)?
Джазом можно восхищаться как уникальным примером живой музыкальной речи, где так важна импровизация. Джаз говорит не заученно. Он, как лакмусовая бумажка, проявляет окрас текущего мгновения. Это уникальный опыт, с которым сложно соприкоснуться в других жанрах и формах музыки.
Можно не любить музыку Дюка Эллингтона, но зацепиться за импровизации Кита Джарретта. Или увлекаться бибопом, но скучать от фьюжна. Интерес может быть выборочным, но базовые вопросы для любого исследователя — что происходит в этой музыке и почему другие люди способны ее любить. Поиск ответов на эти вопросы — «путешествие» к другим людям, к чужой субъективности. Двигаясь к незнакомому нам искусству, мы движемся к людям.
Джаз часто называют сложным или элитарным. Действительно, для наслаждения джазом требуется если не минимальная музыкальная «квалификация», то хотя бы определенная склонность или слуховой опыт. Конечно, возможна чистая и непосредственная влюбленность в такую музыку, но всё же получение удовольствия от музыки, скажем, Сан Ра или Сесила Тейлора предполагает некоторую наслушанность. С другой стороны, джаз — открытая музыка, которая всегда доступна для исследования, и «сложность джаза» — всего лишь вопрос привычки. Чтобы наслаждаться «So What» Майлза Дэвиса, не нужна специальная подготовка.
Необязательно любить что-то, чтобы живо интересоваться этим. Интерес позволяет расширить собственные горизонты, увеличить свой мир, поселить в нем новые феномены, и этот процесс сам по себе может быть наслаждением. Интерес к джазу не требует безоговорочной любви — достаточно любопытства.
Джазом можно интересоваться как уникальным, непростым и насыщенным музыкальным миром, культурным и историческим феноменом, источником влияний на поп-культуру, гуманитарную науку или другие жанры музыки. Джаз возник на плодородной почве, поэтому интересно изучать его как реакцию музыкального сознания события и обстоятельства XX и XXI веков. Как рэгтайм и новоорлеанский джаз превратились во фри-джаз и хард-боп? Как джаз влияет на современную популярную музыку, в частности хип-хоп (Роберт Гласпер) или электронику (Flying Lotus)?
Джазом можно восхищаться как уникальным примером живой музыкальной речи, где так важна импровизация. Джаз говорит не заученно. Он, как лакмусовая бумажка, проявляет окрас текущего мгновения. Это уникальный опыт, с которым сложно соприкоснуться в других жанрах и формах музыки.
Можно не любить музыку Дюка Эллингтона, но зацепиться за импровизации Кита Джарретта. Или увлекаться бибопом, но скучать от фьюжна. Интерес может быть выборочным, но базовые вопросы для любого исследователя — что происходит в этой музыке и почему другие люди способны ее любить. Поиск ответов на эти вопросы — «путешествие» к другим людям, к чужой субъективности. Двигаясь к незнакомому нам искусству, мы движемся к людям.
Сегодня в авторской рубрике «Ориентиры» Олег Соболев рассказывает об альбоме барабанщика Скотта Амендолы «Believe» и объясняет, почему эта музыка и спустя 20 лет не утратила своей актуальности.
💿 Scott Amendola Band «Believe» (Cryptogramophone, 2005)
Барабанщик Скотт Амендола прежде всего известен как сайдмен в группах Нельса Кляйна и Чарли Хантера —двух совершенно разных гитаристов, объединенных, однако, приверженностью к жанру, который можно описать как американа. Эта музыка питается множеством традиций Нового Света, легко перетекая из раннего блюза в южную готику, из фанка промышленных городков в ритмы латиноамериканских диаспор.
Неудивительно, что и сольные работы Амендолы тяготеют к подобной стилистике. Проблема лишь в том, что о них почти никто не знает. Вот, например, слышали ли вы о диске «Believe»? А между тем он совершенно прекрасен. Такой альбом ставишь, чтобы один раз «прогнать» ради интереса, руководствуясь хронической меломанией, и через несколько дней обнаруживаешь, что слушаешь его примерно постоянно.
Состав участников — с ума сойти. Кляйн при деле, а вторым гитаристом значится Джефф Паркер — теперь заслуженный ветеран чикагской сцены, не нуждающийся в представлениях, а тогда в первую очередь участник Tortoise. На басу — ныне покойный Джон Шиффлетт, музыкант тоже не самый известный, но по-своему культовый, одинаково тонко чувствовавший как сложную, так и простую музыку. На скрипке — Дженни Шейнман, еще одна певица американы, соратница Билла Фризелла, сама по себе крайне интересный композитор и инструменталист.
Собери этих людей вместе, дай им полную свободу — и они, возможно, на интуитивном уровне создадут великолепную музыку. Но Амендола (а это, кстати, свойственно многим барабанщикам) — прирожденный мелодист. Он непросто дает своей группе пространство творить, а направляет ее изящными мелодиями и разрешая их точными композиционными решениями. Достаточно послушать вторую вещь на альбоме, «Oladipo», чтобы понять, о чем речь: трек начинается с куплетов в духе классического афробита, но внезапно разрастается до почти симфонического размаха в припеве. Придумать такой ход — дорогого стоит.
Можно сказать, Амендола удивляет своим сочинительским чутьем. Он умеет превратить на первый взгляд простой, даже слегка слащавый блюз в эпос («Buffalo Bird Woman») или прокладывает под тонкими латиноамериканскими ритмами незаметную, но настойчивую мелодию безумной красоты («Valentine»). Его композиции полны неожиданных поворотов, игры с формой, сюжета, который то стремительно развивается, то неожиданно останавливается. Именно поэтому ему был необходим такой многогранный басист, как Шиффлетт, — этой музыке нужна опора.
Но главные звезды здесь — всё-таки три солирующих голоса: Кляйн, Паркер и Шейнман. Все трое играют в пение: Кляйн удерживается от авангардных экспериментов, но вспоминает про то, что он фанат Тома Верлена и группы Television; Паркер не углубляется в длинноты, а выдает филигранные лаконичные блюзовые соло; Шейнман придает музыке балладную широту. Их партии звучат так, будто были тщательно вписаны в композиции Амендолы в ходе долгих репетиций, и в то же время остаются живыми, спонтанными, искренними.
Яркий, мелодичный, игривый, мастерский альбом. Забытая жемчужина американского джаза нулевых. Пожалуй, ему не хватает лишь одного —хорошей обложки.
Олег Соболев
Слушать альбом
💿 Scott Amendola Band «Believe» (Cryptogramophone, 2005)
Барабанщик Скотт Амендола прежде всего известен как сайдмен в группах Нельса Кляйна и Чарли Хантера —двух совершенно разных гитаристов, объединенных, однако, приверженностью к жанру, который можно описать как американа. Эта музыка питается множеством традиций Нового Света, легко перетекая из раннего блюза в южную готику, из фанка промышленных городков в ритмы латиноамериканских диаспор.
Неудивительно, что и сольные работы Амендолы тяготеют к подобной стилистике. Проблема лишь в том, что о них почти никто не знает. Вот, например, слышали ли вы о диске «Believe»? А между тем он совершенно прекрасен. Такой альбом ставишь, чтобы один раз «прогнать» ради интереса, руководствуясь хронической меломанией, и через несколько дней обнаруживаешь, что слушаешь его примерно постоянно.
Состав участников — с ума сойти. Кляйн при деле, а вторым гитаристом значится Джефф Паркер — теперь заслуженный ветеран чикагской сцены, не нуждающийся в представлениях, а тогда в первую очередь участник Tortoise. На басу — ныне покойный Джон Шиффлетт, музыкант тоже не самый известный, но по-своему культовый, одинаково тонко чувствовавший как сложную, так и простую музыку. На скрипке — Дженни Шейнман, еще одна певица американы, соратница Билла Фризелла, сама по себе крайне интересный композитор и инструменталист.
Собери этих людей вместе, дай им полную свободу — и они, возможно, на интуитивном уровне создадут великолепную музыку. Но Амендола (а это, кстати, свойственно многим барабанщикам) — прирожденный мелодист. Он непросто дает своей группе пространство творить, а направляет ее изящными мелодиями и разрешая их точными композиционными решениями. Достаточно послушать вторую вещь на альбоме, «Oladipo», чтобы понять, о чем речь: трек начинается с куплетов в духе классического афробита, но внезапно разрастается до почти симфонического размаха в припеве. Придумать такой ход — дорогого стоит.
Можно сказать, Амендола удивляет своим сочинительским чутьем. Он умеет превратить на первый взгляд простой, даже слегка слащавый блюз в эпос («Buffalo Bird Woman») или прокладывает под тонкими латиноамериканскими ритмами незаметную, но настойчивую мелодию безумной красоты («Valentine»). Его композиции полны неожиданных поворотов, игры с формой, сюжета, который то стремительно развивается, то неожиданно останавливается. Именно поэтому ему был необходим такой многогранный басист, как Шиффлетт, — этой музыке нужна опора.
Но главные звезды здесь — всё-таки три солирующих голоса: Кляйн, Паркер и Шейнман. Все трое играют в пение: Кляйн удерживается от авангардных экспериментов, но вспоминает про то, что он фанат Тома Верлена и группы Television; Паркер не углубляется в длинноты, а выдает филигранные лаконичные блюзовые соло; Шейнман придает музыке балладную широту. Их партии звучат так, будто были тщательно вписаны в композиции Амендолы в ходе долгих репетиций, и в то же время остаются живыми, спонтанными, искренними.
Яркий, мелодичный, игривый, мастерский альбом. Забытая жемчужина американского джаза нулевых. Пожалуй, ему не хватает лишь одного —хорошей обложки.
Олег Соболев
Слушать альбом
Cymande «Renascence» (BMG, 2025)
📝***
Послушав новый альбом группы Cymande, наш автор Илья Рассказов не нашел в нем ни сюрпризов, ни откровений.
Открывающая альбом композиция «Chasing an Empty Dream» — вполне актуальный афрофанк, хотя партия струнных кажется здесь инородным телом. Лучшим и самым джазовым номером оказывается «Coltrane» — полное первоклассного грува посвящение Джону Колтрейну. Вполне убедительны обе композиции с гостевым вокалом — идеальная поп-баллада «Only One Way» с участием молодой британской соул-дивы Селест и грувовая пьеса «How We Roll», украшенная афро-речитативом от легенды британского хип-хопа Jazzie B, основателя Soul II Soul. Удачей можно считать и «Sweeden» — инструментальный фанковый позитив с отменным саксофонным соло.
В остальном же альбом ценен тем, что он может отправить нас слушать (или переслушивать) три пластинки, которые группа выпустила еще в 70-е и за которые ей можно простить даже творческие неудачи.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
Слушать альбом
📝***
Послушав новый альбом группы Cymande, наш автор Илья Рассказов не нашел в нем ни сюрпризов, ни откровений.
Открывающая альбом композиция «Chasing an Empty Dream» — вполне актуальный афрофанк, хотя партия струнных кажется здесь инородным телом. Лучшим и самым джазовым номером оказывается «Coltrane» — полное первоклассного грува посвящение Джону Колтрейну. Вполне убедительны обе композиции с гостевым вокалом — идеальная поп-баллада «Only One Way» с участием молодой британской соул-дивы Селест и грувовая пьеса «How We Roll», украшенная афро-речитативом от легенды британского хип-хопа Jazzie B, основателя Soul II Soul. Удачей можно считать и «Sweeden» — инструментальный фанковый позитив с отменным саксофонным соло.
В остальном же альбом ценен тем, что он может отправить нас слушать (или переслушивать) три пластинки, которые группа выпустила еще в 70-е и за которые ей можно простить даже творческие неудачи.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
Слушать альбом
