Вот ещё несколько фраз, которые мне показались у Николая интересными, и у меня сразу же возникло желание их дополнить.

Раз:
«Что такое оболочка в музыке? Аранжировка - раз, стиль - два, саунд - три, культурный, социальный контекст - четыре. Если научиться слышать музыку за оболочкой, вы с удивлением откроете для себя, что мы уже несколько столетий переписываем одно и то же.»

Два:
«Технологически музыка — это манипуляция ритмом, гармонией и мелодией, а инструменты, которые исполняют эти элементы — оболочка. Гармонический и мелодический языки не меняются веками, просто в зависимости от времени, подстраиваются под современное общество».

Наверное, все-таки следует сделать уточнение – в западной музыке. Потому что существуют глубокие музыкальные традиции вне западного культурного контекста, которые мы знаем намного хуже и, соответственно, обращаемся к ним намного реже. А если обращаемся, то часто делаем это так, что лучше бы не обращались. Не знаю, насколько это важно, но тем не менее.

А так, я со всем согласен, но вот что бы добавил. Слышать музыку за саундом – это очень важно. Интересно находить взаимосвязи, понимать, что скрыто за оболочкой. А вот что за оболочкой? Что нам даст понимание, что Колтрейн что-то заимствовал у Сибелиуса? Ну или, например, Шостакович – у Малера, а Малер – из чешского фольклора? Так ли много в конечном счете это определяет? Не знаю.

Мне кажется, помимо влияний, оболочки, социального и культурного контекста, важен собственно человек. Музыкант, композитор. Личность. В наш технологический век, когда конвейерный подход ко всему создает легко масштабируемые формулы, слышать личность крайне важно. В Паркере – Паркера. В Колтрейне – Колтрейна, в Шостаковиче – Шостаковича. Все остальное, безусловно, важно для понимания, но, на мой взгляд, не первостепенно.

Вот, например. Я очень люблю Джейсона Морана. Самый ли виртуозный он пианист при этом? Да нет. Есть много уважаемых и слышаших людей, у которых к технике Морана есть претензии, и они сохраняются до сих пор, хотя он стал играть гораздо-гораздо лучше. Самый ли оригинальный он композитор? Тоже нет. Заимствует ли он у других? Ещё как, иногда напрямую цитирует. Гений ли он? Конечно, нет. Но Моран – личность. За ним интересно следить, пытаться разгадать причины того или иного его выбора. Его последний альбом вообще практически полностью составлен из чужой музыки, но после прослушивания возникает стойкое ощущение, что записать его мог только Моран. И вообще только Морану могла прийти такая идея – соединить музыкально и контекстуально Джеймса Риза Юропа с Джери Аллен. Это не технология, не упражнение в создании новой оболочки, не встраивание в контекст. Это часть пути отдельно взятого человека – яркого, сильного. И наблюдать за этим интереснее всего.

Или вот, кстати, название моего канала взято с альбома Майлза Дэвиса, который он записал, обслушавшись Штокхаузена, Булеза, Слая и Джими Хендрикса. Можно ли сказать, что он «переписал музыку, которая была уже написана»? Не уверен. Мне кажется, «On The Corner» – это Майлз во весь рост. Помните же его знаменитую фразу: «Music is the space between the notes»? Ее он тоже, кстати, по-моему у кого-то подрезал. И это тоже совершенно неважно. Потому что Майлз – это Майлз.

Ну это же правда. Сколько бы мы «музыку из века в век не переписывали», самые важные ноты никогда не будут сыграны. До тех пор пока в музыке будут появляться личности, они будут хранить эти ноты где-то глубоко внутри себя, и секрет нам не раскроют. А мы будем следить за ними, гадать, постоянно возвращаться в прошлое и искать ответы там, и ничего до конца не находить. Мучаться будем и слушать-слушать-слушать музыку в ожидании свершений и озарений. А если все перевести на технологию и прочие манипуляции с ритмами, будет сплошной «Релакс ФМ» и альбомы с «завихренным постбопом» по пятницам. Этого уже и так навалом. Привет, нейросеть. Пустота между нот уже с нами. И этому надо, на мой взгляд, изо всех сил сопротивляться. Пусть даже ценой заблуждений и ошибок.

https://www.tgoop.com/nikolaimmusic/569

Кстати, вот у Майлза-то как раз между нот(г) во всех смыслах был полный порядок, за то и его любим. Но это тема для отдельного разговора.

https://youtu.be/hfaR_lIV87M // https://www.tgoop.com/nikolaimmusic/569

​​Интересный альбом издал «Джазист»: бас-гитарист-виртуоз Антон Давидянц в сопровождении пианиста Евгения Лебедева, барабанщика Игната Кравцова и OpenSound Orchestra играет сюиту из шести частей «Avalanche» композитора Вардана Овсепяна.

Коллеги и друзья из «Джазиста» шепнули по большому секрету, что это пока самый популярный альбом их лейбла по количеству прослушиваний на стриминга. Это не удивительно, учитывая, что «Avalanche» будет интересна сразу многим слушателям, не только любителям джаза. То есть, им тоже, — но еще и многим любителям музыки академической, «инструментальной» (понимаете о чем я? для многих просто существует такое понятие — «инструментальная музыка», то есть мелодичная музыка без вокала, жанр не важен), саундтрековой.

«Avalanche», с одной стороны, звучит очень хитро; а как еще может звучать произведение одновременно для джазового трио и камерного оркестра? С другой — мелодии Овсепяна очень просты, даже немножко по-наглому просты. Они словно носятся по кругу, точнее — вокруг. Вокруг вашей головы и ушей, забегая прямо в память. В них виртуозно вписана по-настоящему джазовая драма — мне в этом отношении местами «Avalanche» напоминает, страшно сказать, ключевые фрагменты «The Survivors Suite» Кита Джарретта, — и крайне виртуозные соло Давидянца, Лебедева и Кравцова. Немного слышно Шостаковича, — особенно в четвертой части, которую немножко можно сравнить со второй и третьей частями Восьмой симфонии Дмитрия Дмитриевича.

Несмотря на тяжесть всех подобных сравнений, я бы, честно говоря, не назвал «Avalanche» прямо гениальной записью. Но она абсолютно точно уникальна. Я не уверен, что когда-либо слышал вот прямо такую музыку. Точно не слышал ни у кого из западных мастеров, потому что ни в тамошнем джазе, ни в тамошней академической среде не найдешь никого, кто сейчас бы такое написал и сыграл. Может быть, есть нечто схожее по формату, по инструментальному составу, по форме, но по материалу, чтобы вот так звучало — точно нет.

Есть что-то в «Avalanche», что манит, заставляет его переслушивать. Произведение Овсепяна могло быть написано только человеком с постсоветским музыкальным образованием, пусть и с не постсоветским музыкантским опытом; уж очень оно по-нашему романтично, игриво, задумчиво, въедливо. Давидянц же играет на бас-гитаре так, как вообще мало кто в мире играет; я предлагаю ценить Давидянца отдельно, а не сравнивать его с кем-то еще.

Короче, хвалю и советую. Послушайте.

Спасибо большое Олегу Соболеву за теплые слова. Хорошо было на премьере. Душевно. А я вдогонку поставлю, как сказал бы сам Антон Давидянц, один из «мувментов»:

https://youtu.be/UT-MiSsw-LU

Алексей Алеев (канал @silly_love_songs – присоединяйтесь) написал для «Джазиста» классный гид по дискографии Сэма Гендела.

Самое замечательное в Генделе – с ним вообще ничего непонятно. Вроде делает вещи, простые как три копейки, а ведь не ухватишь его за бочок. Кто такой Гендел? Как охарактеризовать музыку, которую он записывает? Фиг его знает. Джаз да не джаз. Лоу-фай да не лоу-фай. В музыке Гендела нет ничего, что казалось бы удивительным и невозможным, а поди ее повтори.

Гендел как настоящий самородок действует не по расчету, а по наитию. Возможно, поэтому его музыка так обаятельно неустойчива. В ней нет плана и нет задачи, которую она должна решить. Такой подход сильно сближает Гендела с джазом, хотя он от этого и открещивается. Но любит Гендел джаз, любит, и очень здорово в него врубается.

Я тут почитал несколько интервью, где Гендел последовательно уходит от любых конкретных вопросов о своем творческом методе, и понял что на самом деле Гендел – фанат Майлза Дэвиса. «А это вообще важно?», «А вы-то сами что слышите в моей музыке?», «Не, это точно не джаз», «Да называете как хотите» – все его ответы на назойливые докапывания журналистов хочется зачитывать вслух с характерной майлзовской хрипотцой.

Гендел никогда не объявлял о своей любви к Майлзу прямо, но один раз все-таки проговорился, что ему очень нравится подход Дэвиса периода 50-х, когда он вместе с первым квинтетом записывал альбомы почти без подготовки. «Пришли и состряпали» – так когда-то обмолвился сам Майлз об альбоме «Cookin’» 1957 года выпуска. Кажется, Гендел принял эту фразу как руководство к действию.

Поэтому когда я увидел, что новый альбом Гендела называется ни много ни мало «COOKUP» («Cookin’», привееет) и узнал, что в запись включена студийная болтовня, я окончательно понял: Гендел – наш человек. Его музыка, конечно, никакой не джаз, но сила ее в том, что Гендел джаз понимает и любит, и ещё Майлза почитает как батю. «COOKUP» – лучшее тому доказательство, а говорить Гендел может все что угодно.

#новое

https://jazzist.ru/sam-gendel-short-guide/

Bill Laurance and Michael League // «Where Wish You Were» // ACT, 2022

Альбом «Where Wish You Were» Майкла Лига и Билла Лоуренса, лидеров сверхуспешной фьюжн-группы Snarky Puppy, – прекрасен.

Знаете, самое удивительное, что я вообще не должен был его услышать. Дело в том, что я не самый большой фанат Snarky Puppy. Если бы я был профессиональным музыкантом, конечно, бы у них учился. Это продукт высшего класса. Но как джазовому беллетристу мне не хватает нот, которые не сыграны. Нечем вдохновиться. Сольное же творчество Лоуренса и Лига мне всегда казалось чересчур «чизи». Короче, не мое.

Поэтому, когда я увидел, что альбом вышел, проскроллил ленту вниз. А потом мне написали два человека, чьему мнению я бесконечно доверяю. Оба тоже не фанаты Snarky Puppy, а один из них и вовсе продукцию выпустившего альбом лейбла ACT, как правило, не замечает. И вот они пишут: альбом – звездец, звук – полный звездец, давай, Саня, слушай скорее, ин дер гроссен фамилие нихт клювен клац-клац. То есть, получается, сами тыцкнули наобум по ссылке, и захватило.

Понимаете, да? Этот альбом в первую очередь прекрасен тем, что он – не «продукт». Целевой аудитории у него нет, он ни для кого не предназначен. А, значит, может впечатлить любого совершенно нипочему. Просто так. Я потом для проверки вбил название альбома в поисковик, и на четвертом месте в выдаче обнаружил написанную Леонидом Аускерном рецензию на «Джазисте». Аккурат после «Бэндкемпа» и двух ссылок на сайт ACT. Обычно так не бывает. Это говорит о том, что альбом индустрии и медиа не нужен. Рецензии на него в англоязычных медиа вышло плюс-минус две с общей тональностью: «Это, конечно, не Snurky Puppy, но давайте дадим альбому шанс». Ну давайте.

Мы постоянно говорим о свободе в музыке, но при этом совершенно разучились ее чему-либо всерьёз противопоставлять. Наоборот, твердим как заведенные коучинговые мантры: найди свободу и стань успешным, выйди из зоны комфорта и открой золотую жилу, сделай новое и найди миллион поклонников, обрети спокойствие через ключ к порталу новых идей. Ага-ага: как бы и рыбку съесть и на велосипеде покататься. Но на самом деле свобода – это риск. Это отказ от привилегий, от чужого внимания, от похвалы, наконец. «Where Wish You Were» – как раз такой случай. Лоуренс и Лиг реализовали творческий порыв и сделали, что хотели. Записали альбом, у которого не будет ни «Грэмми», ни коммерческого успеха, ни внимания критиков. С этой точки зрения зацепиться вообще не за что: Лиг даже на уде играет так, что модный ярлык «ориентальный» никак не прикрепишь. Свободная, красивая музыка, которая вообще ни на что непохожа. Ни Лоуренс, ни Лиг никогда ничего подобного не записывали, и может, никогда больше не запишут. Давайте дадим себе шанс «Where Wish You Were» как следует послушать.

#новое

https://youtu.be/uz51tlgwJqA // https://actrecords.bandcamp.com/album/where-you-wish-you-were // https://jazzist.ru/bill-laurance-michael-league-where-you-wish-you-were/

​​В личке спросили про интервью Рика Беато с Китом Джарреттом. Интересная тема, есть что по ней сказать.

Сначала про Джарретта. Если вы вдруг все пропустили (я когда-то об этом писал): Кит Джарретт, один из величайших пианистов двадцатого века, в 2017 году перенес инсульт. Оказался в доме престарелых. Его левая рука полностью перестала работать. Не было речи о выступлениях и тем более записи альбомов. Выходили издания старых концертов Джарретта, но сам Джарретт не объявлялся и не появлялся. Как вдруг — вот, объявился, появился, говорит, играет.

Поскольку Рик Беато — человек заметный, популярный ютюбер (у него 3,4 миллиона подписчиков), то многим показалось, что он сделал первое интервью с Джарреттом после инсульта. На самом деле нет: в августе прошлого года свой разговор с пианистом опубликовал Нейт Чайнен в NPR, да и в мартовском номере DownBeat этого года имеется интервью с Джарреттом авторства Майкла Джексона.

Почему эти факты важны? Потому что, очевидно, у Джарретта есть желание все еще разговаривать с журналистами, рассказывать им о своей жизни и о своем искусстве, через них транслировать миру свои мысли и ощущения. Беато — не один такой. Другое дело, что Беато снял Джарретта на видео, в его домашней студии, показав по ходу, скажем так, несколько интимные моменты жизни (как Джарретт разговаривает, как он играет, как он слушает свои старые записи; это все тяжелые вещи). Нужно ли это было?

Мне кажется, что не нам отвечать на такой вопрос. Если Джарретт хочет, чтобы его так увидели, если он дал свое добро на публикацию интервью (а я думаю, оно было завизировано; иначе нас уже бы ждала встречная реакция самого Джарретта или его менеджмента), — то я не вижу проблемы. Вообще, сам пианист часто не разделял личное и публичное. В его дискографии и то можно легко найти альбомы, которые напрямую вдохновлены обстоятельствами личной жизни, иногда тяжелыми: «The Melody At Night, With You» (болезнь), «Spirits» (депрессия, творческий кризис), и так далее. Музыка для Джарретта — это жизнь, жизнь — это музыка, жизнь — это он сам в музыке.

Да и Рик Беато, надо отдать ему должное, сделал крайне аккуратный ролик. Короткий, с большим уважением к фигуре Джарретта. Стоит вспомнить, что это не первый раз, когда ютюбер общается с пожилыми музыкантами, прекратившими исполнительскую деятельность и очевидно находящимися не в лучшем состоянии здоровья. Конечно, с Гэри Бертоном, тьфу-тьфу-тьфу, все совсем не так очевидно нехорошо, как с Джарреттом, но сделать с ним интервью тоже было, не сомневаюсь, сложной задачей в этическом и моральном плане.

Стоит ли это интервью смотреть? На этот вопрос тоже должен каждый ответить сам. В конце концов, Беато в своем почти десятиминутном интро в видео более-менее объясняет, что сейчас увидит зритель. Вот ссылка, решайте сами.

Методики джазового образования

Регулярно получаю вопрос о том какие книги почитать по теории, практике, исполнительству и искусству транскрипции. Я все-таки получил праведное западное образование, с самыми передовыми методиками обучения. Здесь всё понятно — Беркли, все дела. Но вот какая штука интересная.

Не задавали себе вопрос о том, почему классические методики по джазовой импровизации начали появляться в конце 80-х, а Колтрейн, Гиллеспи и Майлс играли свои шедевры в 40-х, 50-х и 60-х? А как они научились играть? Даже риал буков ведь не было! Откуда такой уровень мастерства?

И чтобы ответить на этот вопрос, нужно понимать для кого и для чего пишутся методики. Беркли, будучи родоначальником популярного джазового образования, во-время поставили перед собой задачу систематизировать джазовую игру. А для кого её систематизировать, если мастера и без этого играют гениально? Правильно — для масс. Любая методика по искусству джазовой импровизации нужна для того, чтобы низкий исполнительский уровень довести до среднего и объяснить сложные вещи таким языком, которые будут понимать все. Сложность джаза в том, что тонкость этого искусства объяснить невозможно. Чтобы глубоко понять о чём эта музыка, нужно общаться со взрослым чёрным населением Америки, с Кубинцами, Африканцами, уловить сложности социальных конфликтов золотого века джаза. Об этом ни одна методика не расскажет.

Поэтому ответ всем интересующимся — книжки это клёво. И Марка Левайна стоит почитать, и Джорджа Рассела, и Барри Ниттлса. Но джаз — это из уст в уста, из комнаты в комнату, из записи в запись. И чтобы со среднего уровня игры подняться на достойный, книжек по гармонии будет недостаточно. Чтобы играть джаз на высоком уровне нужно учить историю сахарных плантаций, Карибского кризиса, сухого закона и урагана «Катрина». В этих историях и гармония, и взаимодействие и искусство импровизации описываются на том уровне, на который не поднимается ни одна система музыкального образования в мире.

​​Проснулся утром и увидел, что умер Ахмад Джамал. Сразу написал текст, а «Джазист» опубликовал.

Джамал — великий пианист, великий инноватор (пусть и не совсем очевидный), которого, скорей всего, как минимум очень уважали ваши любимые джазовые музыканты. Постарался кратко рассказать, в чем значение и величие этого человека.

Джамал будто бы почерпнул из западной академической камерной музыки подход к каждому инструменту как уникальному источнику общей музыкальной картины. На записях трио пианиста, да и вообще на любых записях Джамала, каждый музыкант не просто аккомпанирует, не просто выстраивает музыкальный каркас для солистов, а ощутимо является частью одного большого общего музыкального замысла.

Будете слушать сегодня Джамала — начинайте с этих трех альбомов:

1. «The Awakening» (Impulse!, 1970) — классика, самая известная сечас запись Джамала. Дает очень хорошее представление о подходе Джамала как музыканта и о том, как он видел звучание своего трио. Тут немного относительно классического репертуара, есть вещи Хэнкока и Жобима, — поэтому обычному слушателю, я думаю, будет немного проще воспринимать этот альбом чем те, где Джамал со своими музыкантами в основном исполняет старые стандарты. К тому же звучит «The Awakening» просто идеально — Алексей Алеев про это писал в своем канале, даже неоднокртано, — и чувствуется качество даже на стримингах.

Apple Music /Spotify / Youtube / Яндекс.Музыка

2. «Ahmad Jamal Trio Volume IV» (Argo, 1958) — на мой взгляд это самый сильный концертный альбом первого трио Джамала, с Израэлом Кросби и Ирвингом Фурнье, хотя многие предпочитают другие. Но мне больше нравится материал, больше нравится звук (он не идеален, но в нем есть резкость), больше нравятся сами исполнения. Чуток здесь больше, чем везде, ориентации на спокойные соло Джамала, поменьше виртуозности. Хорошая пластинка, чтобы въехать в ранее творчество мастера.

Apple Music / Spotify / Яндекс. Музыка

3. «Ahamad Jamal '73» (20th Century, 1973) — моя любимая запись Джамала, одновременно и довольно показательная для него, и довольно нетипичная. У него в дискографии есть несколько альбомов, где он и его музыканты играют в сопровождении либо струнного, либо классического оркестра, — вот это одна из них. Но здесь Джамал играет на электрофортепиано, не на акустичском инструменете, и репертуар у него на этом диске крайне не типичный: «Superstition» Стиви Уандера, «The World Is a Ghetto» группы War, произведения совершенно неизвестных афро-американских композиторов. Красота безумная, и очень мощно исполненная. Немного в сторону фьюжна, немного в сторону фанка, — но не совсем фьюжн и фанк и тем более не easy listening. Что-то глубже, ярче, с глубоким басом, голосами, какой-то общей атмосферой нервной благости. Многим критикам не нравится, но лично я к этому диску возвращаюсь довольно часто. Ну и обложка потрясающая.

Youtube

Вообще стоит прожить жизнь так, чтобы как Эдди Хендерсон на девятом десятке на полном скаку рассекать на красном «Феррари», сохранять силы для ежедневных упражнений, накопить опыт, чтобы не делать лишних движений, стать мудрым, чтобы не гордиться своим мастерством. Наконец, достичь такого могучего междунотия, чтобы каждый новый альбом оказывался мастерписом. Что бы это ни значило. Это я все к тому, что «Witness to History» - мой самый любимый джазовый в самом джазовом смысле альбом этого года.

#новое

https://eddiehenderson.bandcamp.com/album/witness-to-history?t=2 //
https://youtu.be/MxLvLEM8KEk?si=EX-cmovyMGNnIfaC // https://lnk.to/n2D1mVrR

Ещё вдогонку рекомендую почитать двухлетней давности интервью Хендерсона «Даунбиту». Его надо растаскивать на цитаты. Мой любимый момент, когда Хендерсон вспоминает совет Майлза, который тот дал ему в начале карьеры. Как-то после концерта с Артом Блейки жутко довольный собой Хендерсон подошёл к Майлзу и спросил мнение о своей игре. На что Майлз ответил примерно следующее (вот тут надо обязательно представлять характерную майлзовскую хрипотцу в голосе): «Чувак ты, конечно, очень крут, но почему бы тебе не прекратить играть на трубе и начать уже играть музыку?». То-то. Воистину Майлз Дэвис - джазовый Алекс Фергюсон.

https://downbeat.com/news/detail/eddie-henderson-maturity-standards/www.lizziethejazzsinger.com%C2%A0/www.lizziethejazzsinger.com%C2%A0

Лежу я тут в ночи, значит, никого не трогаю. Листаю, не поверите, ленту интернет-издания Smooth Jazz Daily. Ну интересно же, в конце концов, что там нового вышло у Дэйва Коза. И как там поживает Брайан Калбертсон.

В общем, листаю, и, бац, вижу фамилию Николаса Пэйтона. Да-да, того самого. Оказывается, он тут незаметно нафигарил смус-джазовый альбом. Вернее, переделал свои старые композиции под смус. Поиграл, так сказать, с оболочкой. «The Drip» пластиночка называется. Какой же, ексель-моксель, это кайф. Вроде ничего такого, а слушать невозможно оторваться. Стиль. Кач. Грув. И, простите, вайб.

Теперь о составе. Очень коротко, не раскрывая всех карт. Но как вам, к примеру, парный выход Майкла Фрэнкса и Патрис Рашен в «Visible Light»? Я как будто в конец 80-х вернулся. Ай да Пэйтон, ай да гэнгста сан!

#новое

https://paytone.bandcamp.com/track/visible-light

Олег Соболев прислал на днях композицию Эберхарда Вебера «No Motion Picture» с пометкой, что это лучший басовый рифф в истории. И ведь не поспоришь. А вообще альбом «The Colours Of Chloe» - это не только подлинное искусство, но и подлинное новаторство. Смелые определения, да, но в этом случае совершенно не боишься ошибиться и бросить громкие слова на ветер. В.э конце концов из «The Colours Of Chloe» сделан Пэт Мэтини, а это о чем-то да говорит.

https://youtu.be/pKJFoaGriDc?si=qMLOASq_VermII3R // https://music.yandex.ru/album/4818485?utm_medium=copy_link

Lage Lund // «Most Perculiar» // Criss Cross, 2023

Из нового.

Лаге Лунд, конечно, уникум. Вроде бы норвежец, значит, должен играть «северный джаз». А он - нет. Считает себя наследником американской традиции. И в общем-то таковым и является, играя преимущественно straight-ahead в современным прочтении. Кумиры Лунда, насколько мне известно, Пэт Мартино и Джим Холл.

Впрочем, новейший альбом же Лунда «Most Peculiar» вызывает гораздо больше ассоциаций с музыкой датчанина Якоба Бро. Причём раннего периода начала нулевых, когда Бро сотрудничал с лейблом Loveland. Противоречий с приверженностью американской традиции тут нет, но ветвь другая - моушновская. Возможно, это связано с тем, что играющий в составе с Лундом барабанщик Тайшон Сори очевидно усиленно занимается переосмыслением методов Пола Моушна, и это очень сильно отражается на его игре, и на звучании «Most Perculiar» в том числе.

Речь здесь идет даже не столько о технической стороне вопроса - свободное обращение со временем, отход от привычных для straight-ahead ритмических структур - а об ощущении от музыки. Мне кажется, более свободного и искренне звучащего альбома в исполнении Лунда я ещё не слышал. Если попробовать охарактеризовать «Most Perculiar» одним словом, то это, наверное, будет «душевный». Ну и прекрасно же.

#новое

https://youtu.be/L3dekBGrADk?si=ySQixymc6lGRykQv // https://music.apple.com/ru/album/most-peculiar/1713674689

Братья Марсалис на фестивале в Монтрё, июль 1982 года. Снимок Дани Жиньо.

YouTube подсунул видео с участием барабанщика Юссефа Дайеса. Играют на какой-то там горе. Ну что сказать. Вид красивый, факт.

А я вот о чем подумал. Года четыре назад я бы от такого проперся. Как перся от всего английского джаза. А сейчас смотрю - и вообще монопенисуально. Чел скоммуниздил грув у великих предков, чутка переупаковал и продал на рынок. Теперь играет музон, как принято говорить, в модных локациях и получает пятизвездочные рецензии.

Я не осуждаю и не навязываю. Делюсь своими субъективными ощущениями. Просто, чем дальше, тем больше я понимаю, что весь этот новомодный «английский джаз» - вообще не про музыку. Тусовка, хайп, наверное, какие-никакие бабки. Иначе откуда у людей столько старания быть заметными. А сути - нет. Одна блестючая упаковка. Джаз для модных, типа, в ещё большем объеме. Сникерс ХХL. Пустышка.

(кому нравится английский джаз в целом и Юссеф Дайес в частности, не обижайтесь, пожалуйста; это я не к вам, а просто ворчу себе под нос)

https://youtu.be/BnEgnrUCXPY?si=EVJy6yNYEy3Q55QU

Весь этот британский джаз с лёгкостью меняю на старый-добрый грув Дэррила Джонса. Настоящая рвака. Помимо Джонса весь состав - мощнейший. Играют сфокусированно и без лукавства. Мастерство - высшее. Гордыни - ноль. Некоторые вещи хочется переслушивать по нескольку раз. Даром, что «кавера» шпарят. Билл Эванс в шикарной форме. Нильс Дан Локи - тоже, незаметная датская легенда. В общем, рекомендую.

#новое

https://youtu.be/h3z-MhZ6PBY?si=VOFPopfCnnBWTXBG // https://music.yandex.ru/album/26883057?utm_medium=copy_link

В осенне-зимний период Джефф Лорбер просто необходим. Избавит от хандры, поднимет настроение, укрепит иммунитет. Новый, уже тридцатый (!), альбом «The Drop» вызывает смешение восторженных чувств. Снова и как всегда. При том, что озарений в музыке Лорбера в общем-то нет. Восхищение вызывает его профессионализм. Лорбер к нему, на мой взгляд, относится очень правильно. Не кичится, не использует для утверждения собственного превосходства, а приносит людям радость. Не утомляет мастерством. Музыка Лорбера устроена идеально. В ней попросту нет слабых мест. Вместе с тем она очень понятна и осязаема. Но не скучна. Потому что сделана с душой и любовью. От чистого сердца. Послушаешь, и хочется жить дальше с улыбкой. Какой же сегодня чудесный пасмурный день, а?

#новое

https://youtu.be/HltPbmDSdCo?si=EniFzlQa3md_56-n // https://music.apple.com/us/album/the-drop/1707591304?l=ru