Назвав свой новый альбом «Технически приемлемо», Итан Айверсон, кажется, слукавил. Наверняка этой пластинкой он остался очень доволен.

Здесь есть все слагаемые успеха: остроумная задумка, мастерское исполнение, легкий модернисткий флёр. Айверсон ловко жонглирует формой, постоянно перемещается во времени от бибопа 40-х к мейнстриму (тому, что принято называть «контемпорари-джаз») 00-х, устраивает очередную ревизию великому стандарту «’Round Midnight» и упивается вечным хитом «Killing Me Softly with His Song». Венчает альбом и вовсе трёхчастная соната. Известный своей эрудицией Айверсон, пожалуй, как никто другой, умеет собрать из, казалось бы, разрозненных элементов крепкий сюжет. Модное среди критиков определение «тонкий стилист» Айверсону подходит удивительно точно.

«Technically acceptable» задуман так, чтобы затягивать слушателя в свои сети и не отпускать как можно дольше. Однако, эффект достигается, как ни странно, прямо противоположный. Никакого душевного трепета от прослушивания не появляется. Даже любопытства не возникает. При внешней всеохватности музыка Айверсона на поверку оказывается очень узкопрофильной. Слушать «Technically Acceptable» примерно так же интересно, как читать пояснительную записку к исследовательской работе по изучению свойств бетона. То есть, интересно, конечно, но только если вы глубоко погружены в тему и желаете потешить своё профессиональное самолюбие.

Айверсон поразительным образом запирает свою музыку в клетку собственной интеллектуальности. Его познания в истории джаза становятся шорами, за которыми не виден мир вокруг. «Technically Acceptable» - идеальный альбом кабинетного ученого, годами исследующего поведение третьей волосинки в левой ноздре. Музыка, бесконечно увязшая в мелкотемье, слушать которую может быть интересно только по двух причинам: или вы настоящий узкопрофильный специалист, или хотите показаться умнее, чем есть на самом деле.

#новое

https://jazzist.ru/ethan-iverson-technically-acceptable/ // https://exystence.net/blog/2024/01/20/ethan-iverson-technically-acceptable-2024/

Гитарист Дэйв Страйкер - отличный пример наикрепчайшего суперпрофи. Его альбомы вряд ли для кого-то станут откровением. Едва ли найдутся те, кто будет утверждать, что Страйкер сделал важные музыкальные открытия. Не думаю, что даже в кругах искушённых джазистов его новые альбомы ждут с нетерпением. Скорее, вообще не ждут. Это Страйкера совсем не принижает, как раз наоборот.

Страйкер замечателен тем, что не требует к себе особенного отношения и не настаивает на неизменной слушательской любви. Он просто делает своё дело на самом высоком уровне. Возможно, он и не изобрел новый язык, зато обрел свою собственную интонацию. Его альбомы не обязательны для немедленного прослушивания, зато неизменно хороши. Они не сулят откровений, но вполне способны скрасить вечер, не потребовав ничего взамен. Голос Страйкера может и не громок, но всегда узнаваем.

В конце концов, невозможно, да наверное, и не нужно требовать от музыки обязательного катарсиса. Понапрасну бередить душу не стоит. Когда нет сил на глубокий разговор о самом важном, достаточно и легкой приятельской беседы. Страйкер - в этой роли идеален. От него всегда знаешь, чего ждать. В нем всегда уверен, что не обманет.

Альбом «Groove Street», записанный Страйкером с проверенным годами трио, не добавляет к сказанному о нем ничего нового, но подтверждает все вышесказанное. Пообещал грув - сделал грув. Без лишних концепций и месседжей. Позвал в состав давнего друга Боба Минтцера, и тот пришёл не с пустыми руками, сочинив несколько мелодий, которые из головы теперь не выкинешь.

Возможно, для подлинного счастья «Groove Street» и не хватит, но для хорошего настроения - в самый раз.

#новое

https://youtu.be/s7fOsCQ6UIk?si=UteF_vG3Gik2em_F // https://davestryker.bandcamp.com/album/groove-street

​​Слушаю вечером такую вещь. Это три диска концертных записей Арта Тэйтума и его трио, сделанные в Чикаго в 1953 году и изданные только сейчас. Если вы знаете Арта Тэйтума — то вам ничего объяснять не нужно. Если не знаете, то я поясню: Арт Тэйтум — легендарный слепой джазовый пианист, считающийся одним из лучших в истории музыки. Если не лучшим вообще, то точно самым виртуозным. Про его пальцы, скорость, идеальный слух существуют сотни легенд. Чтобы понять, о чем я говорю, можно послушать «Begin the Beguine» в исполнении Тэйтума. Обещаю, что до вас очень быстро дойдет.

Так вот, слушаю я чикагские концерты Тэйтума — и у меня две мысли:

1) Тэйтум — не просто уникум или самородок. Он из рода «американских мавериков». Есть такой термин в академической музыке, им обычно принято описывать американских композиторов, которые шли против течения, не вписывались в конкретную традицию, находились вне традиции вообще. Чарльз Айвз, Генри Кауэлл, Джон Кейдж, Гарри Парч, Алан Хованесс, Лу Харрисон, прочие, прочие и прочие. Так вот, Тэйтум — это маверик джаза. Его манеру игры не отнести к какому-либо джазовому стилю. Он слишком дико и слишком лихо импровизировал; совершенно не похоже на остальных джазменов. Исполнял — на момент 1953 года — в основном беспрецендентно старомодный репертуар. В момент соло других музыкантов одновременно аккомпанировал и как будто сам тоже солировал. Его общий подход к музыке сильно больше просто виртуозности. Он крайне оригинально мыслил насчет джаза вообще.

2) Нет людей, которых можно назвать предтечами Тэйтума, и нет тех, кого можно назвать его последователями. Это увтерждение верно еще и потому, что Тэйтум слишком хорошо изучил фортепиано и обладал невероятными для пианиста физическими данными. Его невозможно точно сымитировать, потому что такая задача не решается исключительно усидчивостью и прокачкой мастерства. Тэйтум, его манера игры и его музыка задают нам вопрос о том, где кончается умение и начинается нечто большее. Назовите это «большее» как хотите: удачей, талантом, божественным провидением.

Арт Тэйтум — это бесконечный аргумент в пользу человечности творчества. Он был идеальным носителем загадочной энергии человеческого естества, которую не может заменить ни одна машина.

Не так давно довелось поучаствовать в увлекательной дискуссии. Вернее, дружеском разговоре.

Тему не стоит понимать слишком буквально. Речь шла скорее о том как в современном джазе форма постепенно вытесняет содержание, самопрезентация становится важнее смысла, а легкие формулы успеха отменяют поиск. Впрочем, это касается не только джаза и музыки, а вообще всего.

По-моему, получилось всё довольно живо, без умничанья и напускного уныния. Ворчание, если и присутствовало, то в умеренных дозах.

Спасибо ребятам из «Джаз- Друзей» за приглашение, возможность высказаться и классные вопросы, а другу Олегу Соболеву за соучастие, точность формулировок и общность мнений.

В общем, посмотрите, если будет время, и обязательно подпишитесь на тг-каналы.

https://youtu.be/go_Zi7ec-Pw?si=KLjHIrEOqRaYEY19

Джаз-друзья: https://www.tgoop.com/jazzfriendsbaby

Олег Соболев: https://www.tgoop.com/sobolevmusic000

Во время разговора вскользь упомянул дуэт Domi & JD Beck, за что в комментах получил упрёк, зачем я так резко высказываюсь о молодёжи.

Коммент был хороший: дискуссионный и аргументированный. Поэтому я призадумался и попытался сформулировать, что в Domi & JD Beck меня смущает.

По гамбургскому счёту только одно: расхождение между навыком и мастерством. Навык у музыкантов, и правда, сумасшедший. Но навык - понятие обезличенное. Это масштабируемая сущность. Огромное количество инста-виртуозов, королей 30-секундного формата, не дадут соврать. Но чтобы превратить навык в настоящую музыку нужно нечто большее: опыт, вкус, чувство музыки, понимание как органично вписать навык в ткань композиции. В таком случае навык перерастает в мастерство или как минимум авторские наработки.

На мой взгляд, у Domi & JD Beck с этим как раз проблемы. Их навык пока не превратился в настоящую музыку. Именно поэтому их творчество зажато в трех-четырёхминутые ролики на Youtube, а самым популярным видео по-прежнему остаётся кавер на Madvillainy.

Собственно, и их нестандартный визуальный образ нужен не для того, чтобы провоцировать, а для того чтобы сделать видео, простите, более залипательными. Попробуйте провести эксперимент: включите Domi & JD Beck, но не смотрите при этом на них самих, а только слушайте, и засеките на какой минуте вам это занятие наскучит.

При этом, лично никакой неприязни у меня к дуэту нет. Более того, было бы интересно наблюдать во что может переродиться приобретённый в столь юном возрасте исключительный арсенал навыков и умений. Только боюсь, индустрии такой трек развития в целом не интересен, зато джазовые каверы на хип-хоп будут заходить на ура всегда и везде. Тут уже не даст соврать группа BADBADNOTGOOD.

https://youtu.be/oYKwotHRdHo?si=ZThlP2d3IqfjudDp

К слову, послушал тут недавно две новые EP группы BadBadNotGood. Называются "Mid Spiral: Chaos" и "Mid Spiral: Growth". Ну что сказать, скука. Посредственная, одноразовая музыка от инструменталистов средней руки. Действительно, даже интересно, знали бы мы вообще хоть что-нибудь о BBNG, не говоря уже всем том хайпе, который вокруг них в одно время случился, если бы не случившаяся вовремя парочка джаз-каверов на хип-хоп.

https://www.youtube.com/watch?v=atBp0-W9o68

На контрасте сразу же о том, что нравится. Новый альбом саксофонистки Николь Гловер - преотличный. Тот самый "современный джаз", но не на продажу. У Гловер есть и мастерство, и собственный подчерк, где модернизм уживается с пониманием традиции, но главное, чувство музыки. В составе многоопытный вибрафонист Стив Нельсон, чья карьера началась еще в начале 80-х, и молодые басист Тайрон Аллен и Кейвон Гордон. Рекомендую взять на заметку.

#новое

https://www.youtube.com/watch?v=lWss5CrBfek // https://album.link/t/341997881

Любимая композиция с пластинки - «Open or Close». Гловер отталкивается от риффа Орнетта Коулмана и затем виртуозно развивает тему. Ее фразы звучат лаконично, но в них есть и поиск, и вызов. Слушаю на повторе.

#новое

https://youtu.be/RZpydkez0_g?si=o8eyG5afevJ9iAMA

Geoffrey Keezer // «Live At Birdland» // MarKeez, 2024

Джеффри Кизер – пианист высшего уровня. Он по-настоящему виртуозен и изобретателен. В его игре находится место и отточенному мастерству, и искрометному юмору, и искреннему чувству.

Уроженец городка О-Клэр, штат Висконсин, Кизер – классический работяга с Мидуэста. Он невероятно работоспособен, в отдельные моменты – фанатичен. Это отчетливо слышно в его манере, в бесконечном стремлении к совершенству.

Одно из проявлений трудолюбия Кизера – его музыкальная эрудиция. Сам он называет себя «губкой», способной впитать и переработать практически любой материал. Это профессиональное качество Кизера в разное время по достоинству оценивали легенды: его звали в составы и Арт Блэйки, и Арт Фармер, и Джим Холл.

С годами востребованность в качестве сайдмена стала фундаментом карьеры Кизера. Тем не менее, он не только талантливый интерпретатор, но и сам способен создавать подлинную красоту. В подтверждение тому – почти два десятка сольных альбомов, среди которых нет места халтуре.

В музыкантской среде Кизера ценят и уважают. Его репутация – безупречна. Относительная неизвестность широкой публике этому не противоречит, скорее наоборот. Кажется, Кизеру отношения с предметом важнее погони за аудиторией. Возможно, поэтому он ни разу не сотрудничал с крупными лейблами и PR-агентствами. Последние годы он и вовсе выпускается самостоятельно. Благодаря этому Кизер во многом обретает свободу выбора.

Новый альбом «Live At Birdland» - подарок для ценителей. В основе сюжета – музыка Чика Кории и Уэйна Шортера. Выбор небанален: например, три из четырех композиций Шортера взяты из так до сих пор и непонятых альбомов «Phantom Navigator» и «Joy Ryder». Впрочем, едва ли это случайность: и Кизер, и еще один участник трио, басист Джон Паттитуччи, успели поработать в составах «позднего» Шортера. Паттитуччи к тому же не одно десятилетие был участником акустических и «электрических» составов Кории.

Чувствуется, что Кизер и Патиттуччи знакомы с материалом не понаслышке. При поддержке барабанщика Кларенса Пенна к прочтению оригинала они подходят смело, но в то же время без вольностей. Это тонкая и умная работа. Главное в ней – интонация. Это не утверждение, а поиск, не единственно правильное решение, а лишь одно из множеств.

Альбом развивается как дружеская беседа, где мысль льется неторопливой рекой. Композиции перетекают из одной в другую настолько органично, что соблазна вмешаться и прервать «разговор» не возникает ни разу. Это редкое чувство гораздо ценнее того, что описывается расхожим штампом «слушать на одном дыхании».

https://youtu.be/4cqrQzaLM6s?si=2VhqNF_FsEctsB6H // https://album.link/ru/i/1763403494

#новое

Если же вам вдруг захочется ненапряжного слушания в пятницу вечером, смело включайте новый альбом Дэна Сигела. Старая гвардия смус-джаза - Сигелу в этом году стукнуло семьдесят - не подводит.

https://youtu.be/w1OdlRaMVEA?si=ZdUG1QOzVSqOyNa5 // https://album.link/ru/i/1749921143

#новое

Даже не знаю, что смешнее (см. ссылку ниже): обложка, музыка или рецензия.

Второе предложение в тексте звучит как плохой анекдот: «Не может быть в мире людей, которые одновременно поддерживают Трампа (в оригинале MAGA - Make America Great Again, но это неважно) и любят джаз».

Если вы думаете, что я сейчас о политике, то нет, я как раз о джазе. Этот частный случай, когда даровитые музыканты - и саксофонист Джефф Ледерер, и трубач Керк Кнаффке и барабанщик Мэтт Уилсон к ним, безусловно, относятся - занимаются ерундой, отражает общую для джаза проблему. Дело в том, что музыка звучащая на альбоме абсолютно музейная. К реальности она никакого отношения не имеет.

Когда к такой пыльной, будто из бабушкиного сундука, музыке лепятся повесточные месседжи, ничего кроме чувства глубоко хохота это вызвать не может. Самый же хохот в том, что всё это сопровождается таким надуванием щёк и пафосом, как будто действительно что-то значит.

На самом деле это уже не игра в бисер, и даже не игра в игру в бисер, а натуральное бисерометание.

https://www.allaboutjazz.com/guilty-jeff-lederer-little-i-music

#новое

Иногда во время прослушивания, как сейчас принято говорить, контемпорари-джаза вдруг начинает казаться, будто музыка оказывается в тисках мастерства и концепции человека ее создающего и никак не может вырваться на свободу. Вот ровно такое ощущение у меня осталось от хорошего в общем-то альбома очень хорошего пианиста Мики Томаса.

https://youtu.be/dhg9UxPFNNM?si=7-XSBGIWM_EmwTzw // https://album.link/ru/i/1748780040

#новое

Музыка, которую сегодня принято называть современным-, контемпорари-джазом или мейнстримом, как правило, устроена сложно. Чтобы исполнять ее, помимо фундаментального образования требуются годы постоянной шлифовки мастерства. Мерой всех вещей становится техническая безупречность.

В этом моменте сразу возникает серьезное противоречие, связанное с отказом от взаимодействия с реальностью. Постижение сложного языка становится самоцелью. Виртуозность превращается в бесконечный тупик. Навык становится непреодолимым барьером на пути к подлинному откровению.

Изъяснение с большинством на языке, никак не совпадающим с окружающей действительностью, обретает форму самозащиты и обнажает ключевую проблему многих современных джазовых музыкантов. Кажется, ее можно сформулировать как отказ от диалога со слушателем. Собственно, в музыке именующей себя «контемпорари-джазом» нет даже стремления этот диалог начать.

Попытки же сделать джаз понятней, как правило, приводят к поиску быстрых решений и стремлению сразу же выдать ответ, не услышав при этом вопроса. Возможно, это происходит потому, что джаз со временем из живого языка превратился в формулу, которую можно делать сложнее, или наоборот, упрощать, но сути это не поменяет.

В формулах, оторванных от реальности нет истины, а значит, нет жизни.

​Bill Charlap Trio // «And Then Again (Live)» // Blue Note, 2024

Главное искушение музыканта, работающего с традицией, захотеть присвоить её себе. Начать смотреть в прошлое с позиции триумфатора, который гораздо лучше всё знает и понимает. Пытаться встраивать исполняемую музыку в контекст победившего настоящего.

Другой путь - стать частью традиции. Отчасти раствориться в ней. Не принимать музыку прошлого как должное. Принять, что она больше тебя самого. Кажется, пианисту Биллу Шарлапу это удаётся. Возможно, поэтому его записи, сделанные в одной и той же стилистике, каждый раз слушаются свежо. Не превращаются в утомительную рутину.

«And Then Again» - это ещё и игра с внимательным слушателем. Выбрав в качестве заглавной композиции не самую известную и необычно экспрессивную вещь Кенни Бэррона, Шарлап показывает, что может удивить даже самых взыскательных поклонников.

С другой стороны, он названием «And Then Again» как бы невзначай подмигивает скептикам. И вот опять: двадцатый, кажется, альбом в том же составе за почти три десятка лет. И вот опять: не знающие сносу вечнозеленые стандарты от «All The Things You Are» до «Darn That Dream». И вот опять: тот самый пыльный подвал в Гринвич Виллидж, где великих концертов было записано, не счесть. И вот опять: фортепианное трио как единое целое, в котором однофамильцы Вашингтоны играют так, словно издеваются над штампом про «телепатические связи», переводя их практически в разряд имманентных.

И вот опять: выдающиеся музыканты показывают, что при должном обращении можно избавить тот самый джазовый джаз от клише и заставить-таки выглянуть из музея на улицу. Главное, не подменять прошлое настоящим.

https://exystence.net/blog/2024/08/17/bill-charlap-trio-and-then-again-2024/ // https://music.apple.com/us/album/and-then-again-live/1750814631

#новое

Далеко не ко всем альбомам начала нулевых хочется возвращаться. Некоторые из них, казавшиеся когда-то модными и актуальными, сейчас не могут вызвать ничего, кроме чувства неловкости.

К счастью, бывают исключения. Не так давно бостонский фанк-бэнд Lettuce перевыпустил концертный альбом «Live in Tokyo», и это тот случай, когда старый друг действительно оказывается лучше новых двух.

Прошедшие с момента записи годы пластинку совсем не состарили. Наоборот, как и прежде, хочется отложить дела и пуститься в пляс. Грув на 12 из 10 не оставляет ни единого шанса действовать по-другому.

«Live in Tokyo» - уже классика. Ещё не вечная, но уже вневременная.

https://youtu.be/i1h-jAPk1Ek?si=OVzlv8o8b2c3LaO9 // https://album.link/ru/i/1760749823

Из интервью выдающегося пианиста Григория Соколова:

«Познание мира, мне кажется, идет двумя путями: через знание и незнание. Это одно и то же, в сущности. Ответ меня обычно интересует меньше, чем вопрос, потому что я знаю, что полным он никогда не будет. Если вы стремитесь дать точный и ясный ответ, то вы или уйдете от центра проблемы, или коснетесь ее части, но никогда ответ не будет таким же полным, как вопрос. Потому что мысль изреченная уже есть ложь, то есть мы удаляемся от центра, начинаем огрублять. И чем больше в вопросе духа, тем меньше возможности ответа».

Мы живем в эпоху ответов. Это главная примета нашего времени, и в то же самое время, главная проблема. Мы склонны думать, что поиск уже не нужен, потому что всё уже найдено, и это очень большое заблуждение.

У современной музыки вообще, и джаза в частности, вопросов тоже почти не осталось. Только наспех составленные ответы и концепции вместо подлинной мысли. Только сыгранные ноты: чем больше, тем лучше. Даже порой искусное оформление не спасает новую музыку от главного изъяна - в ней совершенно нечего искать. Возможно, поэтому срок жизни её умещается в одну неделю: от пятницы до пятницы.

Peter Bernstein // «Better Angels» // Smoke Sessions, 2024

В какой-то степени это безрисковый альбом. Питер Бёрнстин опирается на старых друзей и старших товарищей. Играет ровно то, что от него и ожидаешь услышать. В то же время едва ли можно упрекнуть Бёрнстина в монотонных самоповторах. Скорее, он предпочитает двигаться поступательно и избегать резких стилистических поворотов.

Свой голос Бёрнстин обрел, постоянно шлифуя мастерство, и попутно избавляясь от навешанных на него в начале карьеры ярлыков. Такой путь потребовал от него и времени, и терпения, зато вместо мимолетного громкого успеха привёл к гораздо более устойчивым результатам.

Альбомы Бёрнстина уже давно ассоциируются со словами «элегантность» и «высшее мастерство». Поэтому «Better Angels» не требует дополнительных пояснений и рекомендаций. Его приглушённая красота, возможно, и не вызовет бурных эмоций, зато способна скрасить осенний вечер. Бывают дни, когда большего и не требуется.

#новое

https://youtu.be/xmJggOQDDRE?si=Ca68ppaZcPPfvaLh // https://lnk.to/thql8wJgAJ

Трио Стива Кьюна — Watch What Happens! (MPS, 1968)

В начале длинной недели несколько раз переслушал этот диск Стива Кьюна — мощнейшего пианиста, о котором на русском, кажется, написан всего один текст.

У Кьюна была (он еще жив, но на пенсии) довольно длинная карьера, в течение которой он, конечно же, много раз трансформировал свой стиль и перерабатывал музыку. Известен он прежде всего своими альбомами классической эпохи ECM 1970-х, на которых звучит музыка вполне «исэмовская», но Watch What Happens! — совершенно другая вещь и другой случай, пусть и играет Кьюн здесь с Палле Даниэлссоном и Йоном Кристенсеном, будущей фирменной скандинавской ритм-секцией ECM.

Композиция самого Кьюна тут только одна — короткий этюд Silver; все остальное — Легран, Бакарак, отдельные джазовые стандарты и вещь Карлы Блей на закуску. Музыка — романтическая и ритмичная, в определенной степени совершенная, но с постоянными отклонениями от нормы. Солирует практически и только сам Кьюн, и его игра особенно поражает. В ней есть размах и контроль, место большим жестам и легкому разговору. Звучит она, на самом деле, очень похоже на то, как Кит Джарретт в дальнейшем играл со своим «европейским» квартетом (он рассказывал об этом на своей лекции). Учитывая состав, вполне возможно, что сам Джарретт этот диск изучил; а, может быть, это просто совпадение.

В любом случае, очень спокойная музыка, полная выдумки и легкой страсти. Слушать можно на стримингах, хоть на Ютюбе, а вот — Tom Jones, моя любимая вещь с пластинки. Длинное-предлинное соло Кьюна вызывает ассоциации с усиливающимися потоками ветра, ловящими тебя на длинной и широкой улице, с которой не сойти в переулки, потому что нет времени и ты куда-то торопишься.

Ben Wolfe // «The Understated» // Resident Arts Records, 2024

Контрабасист Бен Волф хорош своей аскетичностью. Как исполнитель он не стремится удивить слушателя, выставляя свою искусность напоказ. Как композитор Волф точно знает что хочет сказать, и что еще важнее, чего говорить не хочет. Отсекая лишнее, он оставляет главное. На новом альбоме «The Understated» принцип Волфа наглядно демонстрирует композиция с характерным названием «Occam's Razor».

На исхоженном вдоль и поперек поле джазового мейнстрима записи Волфа узнаваемы и способны оставить слушателя в приятном нетерпении: так когда же уже новый альбом?

Настоящая старая школа.

#новое

https://youtu.be/xFBr6esoYSA?si=PE3pQ6I9CUKxXti9 // https://album.link/ru/i/1750424742

В своём очерке об ушедшем недавно великом саксофонисте Бенни Голсоне, Итан Айверсон упоминает прекрасный, но не попавший в ногу со временем альбом «Free» и сокрушается: мол, как жаль, что в те времена старое и новое не могли существовать в согласии. И тут же добавляет, что от всей души осуждает проклятый капитализм. Вернее, его почившую в бозе версию, когда не только потребителям, но и хозяевам индустрии приходилось делать выбор.

Теперь в победившем ужасное прошлое прекрасном настоящем проблемы выбора больше не существует. Бесконечное предложение призвано бесконечно удовлетворять бесконечный спрос.

К вящему удовольствию Айверсона между Бенни Голсоном и Орнеттом Коулманом больше не нужно ставить союз «или». Одна беда: на бесконечной полке их обоих поместили ровно в то место, до которого больше никому нет дела.