Forwarded from Суета вокруг театра (Margarita Khristenko)
Константин Богомолов объявил планы на сезон 2024/25.
Театр на Бронной
🔸Октябрь. «Калина красная». Режиссер Марина Брусникина
🔸Конец ноября. «Чайка». Режиссер Константин Богомолов.
🔸Премьера по Еврипиду «Ифигения в Авлиде». Режиссер Константин Богомолов. Малая сцена.
Вторая половина сезона;
🔸«Цитадель». Режиссер Константин Богомолов
🔸9 мая. «Дым» (Иван Тургенев). Режиссер Иван Миневцев.
🔸Конец мая. «Событие» (Владимир Набоков). Режиссер Владислав Наставшевс.
🔸Конец сезона. «Ярмарка тщеславия». Режиссер Кирилл Вытоптов.
🔸Премьера Константина Богомолова по романам Достоевского. Работа будет начата в этом сезоне, выпуск скорее всего произойдет в следующем.
🔸Также в следующем сезоне премьеру планирует выпустить Валерий Фокин. Название пока держится в секрете.
Театр «Сцена Мельников» (Театр им.Виктюка)
🔸«Иван Васильевич меняет профессию». Режиссер Александр Пронькин
🔸«Заговор чувств» . Режиссер Константин Богомолов. В ролях Дмитрий Бозин и др.
🔸«Дети солнца». Режиссер Доронина (ученица Андрея Могучего)
🔸Мюзикл «Свинарка и пастух». Режиссер Кирилл Вытоптов
🔸«Летучая мышь». Режиссер Айдар Заббаров
🔸К маю. Проект «А зори здесь тихие». Режиссер Антон Оконешников
🔸К июню. «Отелло». Режиссер Арсений Мещеряков
🔸К концу сезона. «Сирано» (Ростан). Режиссер Константин Богомолов
🔸 «Хозяйка медной горы» по сказкам Бажова (для подростков и взрослых). Режиссер Алина Насибуллина
🔸«Чиполлино» для совсем маленьких зрителей.
🔸В рамках Лаборатории молодой режиссуры в течение сезона состоятся 4 дебюта молодых режиссеров.
▶️28 октября в память о Романе Виктюке будет сыгран спектакль «Отравленная туника».
▶️Спектакль «Служанки» будет «прокатываться» на других площадках. Константин Богомолов: «Нашлись продюсеры, которые получили права на спектакль».
Театр на Бронной
🔸Октябрь. «Калина красная». Режиссер Марина Брусникина
🔸Конец ноября. «Чайка». Режиссер Константин Богомолов.
🔸Премьера по Еврипиду «Ифигения в Авлиде». Режиссер Константин Богомолов. Малая сцена.
Вторая половина сезона;
🔸«Цитадель». Режиссер Константин Богомолов
🔸9 мая. «Дым» (Иван Тургенев). Режиссер Иван Миневцев.
🔸Конец мая. «Событие» (Владимир Набоков). Режиссер Владислав Наставшевс.
🔸Конец сезона. «Ярмарка тщеславия». Режиссер Кирилл Вытоптов.
🔸Премьера Константина Богомолова по романам Достоевского. Работа будет начата в этом сезоне, выпуск скорее всего произойдет в следующем.
🔸Также в следующем сезоне премьеру планирует выпустить Валерий Фокин. Название пока держится в секрете.
Театр «Сцена Мельников» (Театр им.Виктюка)
🔸«Иван Васильевич меняет профессию». Режиссер Александр Пронькин
🔸«Заговор чувств» . Режиссер Константин Богомолов. В ролях Дмитрий Бозин и др.
🔸«Дети солнца». Режиссер Доронина (ученица Андрея Могучего)
🔸Мюзикл «Свинарка и пастух». Режиссер Кирилл Вытоптов
🔸«Летучая мышь». Режиссер Айдар Заббаров
🔸К маю. Проект «А зори здесь тихие». Режиссер Антон Оконешников
🔸К июню. «Отелло». Режиссер Арсений Мещеряков
🔸К концу сезона. «Сирано» (Ростан). Режиссер Константин Богомолов
🔸 «Хозяйка медной горы» по сказкам Бажова (для подростков и взрослых). Режиссер Алина Насибуллина
🔸«Чиполлино» для совсем маленьких зрителей.
🔸В рамках Лаборатории молодой режиссуры в течение сезона состоятся 4 дебюта молодых режиссеров.
▶️28 октября в память о Романе Виктюке будет сыгран спектакль «Отравленная туника».
▶️Спектакль «Служанки» будет «прокатываться» на других площадках. Константин Богомолов: «Нашлись продюсеры, которые получили права на спектакль».
Отзыв Софьи Полуниной о спектакле "Утиная охота" (реж. Аскар Галимов, Театр Вахтангова)
Охота за билетами на "Утиную охоту" в Театре Вахтангова была посноровистей, чем охота на уток. Я несколько раз пыталась купить билет с самого момента открытия продаж, но каждый раз случалась осечка. Пришлось, шаркая ножкой, напроситься на пресс-показ в качестве театрального блогера, коим я старательно притворяюсь последние лет пять))
Сегодняшней публике материал прекрасно известен, равно как и неограниченные актерские возможности великолепного Максима Севриновского, для которого роль Зилова стала как само собой разумеющаяся.
Режиссёр Аскар Галимов до начала спектакля сказал, что он о любви и что посвящает его родителям.
Поэтому в спектакле появляются мать и отец Зилова - они приходят к нему в воспоминаниях или во сне. Собственно, сам спектакль смотрелся как одно длинное сновидение: приглушённый свет, окутывающая героев лёгкая дымка... Но были и танцы, и шутки, и интерактив со зрителями, так что скучно не было совсем. А если учесть, что это фактически первый прогон, то не исключено, что спектакль слегка ужмётся и артисты в нём как следует обживутся. Хотя уже сейчас можно сказать, что актёрский ансамбль сложился.
Каких-то оригинальных режиссёрских ходов я выделить не могу. Но мощной драматургии и сценической мегахаризмы фронтмена было достаточно, чтобы спектакль оказался вполне крепким и живым.
Финал молодой режиссёр решил изменить на хеппи энд, что, возможно, вызовет зрительские споры. Хотя конец спектакля - это не конец жизни. Поставить многоточие всегда проще...
Охота за билетами на "Утиную охоту" в Театре Вахтангова была посноровистей, чем охота на уток. Я несколько раз пыталась купить билет с самого момента открытия продаж, но каждый раз случалась осечка. Пришлось, шаркая ножкой, напроситься на пресс-показ в качестве театрального блогера, коим я старательно притворяюсь последние лет пять))
Сегодняшней публике материал прекрасно известен, равно как и неограниченные актерские возможности великолепного Максима Севриновского, для которого роль Зилова стала как само собой разумеющаяся.
Режиссёр Аскар Галимов до начала спектакля сказал, что он о любви и что посвящает его родителям.
Поэтому в спектакле появляются мать и отец Зилова - они приходят к нему в воспоминаниях или во сне. Собственно, сам спектакль смотрелся как одно длинное сновидение: приглушённый свет, окутывающая героев лёгкая дымка... Но были и танцы, и шутки, и интерактив со зрителями, так что скучно не было совсем. А если учесть, что это фактически первый прогон, то не исключено, что спектакль слегка ужмётся и артисты в нём как следует обживутся. Хотя уже сейчас можно сказать, что актёрский ансамбль сложился.
Каких-то оригинальных режиссёрских ходов я выделить не могу. Но мощной драматургии и сценической мегахаризмы фронтмена было достаточно, чтобы спектакль оказался вполне крепким и живым.
Финал молодой режиссёр решил изменить на хеппи энд, что, возможно, вызовет зрительские споры. Хотя конец спектакля - это не конец жизни. Поставить многоточие всегда проще...
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
#утинаяохота#севриновский#косырев#театрвахтангова
Отзыв театрального блогера Елены Мамонтовой на спектакль «Утиная охота», режиссер Аскар Галимов, Театр имени Евгения Вахтангова
«Утиную охоту» считают опасной пьесой. И правильно делают. Простыми словами и понятными мотивами не расшифруешь ни одного поступка ее главного героя. Еще «Утиной охоте» приписывают такую метафору: это дорогой рояль, ключ от которого утерян.
Ключом к пьесе для каждого режиссера и является трактовка главной роли. «Правильно» или «не правильно» здесь не существует. Отправная точка: что происходит с главным героем.
Общее у многих успешных постановок, пожалуй, одно: режиссер вместе с художником создает внебытовое пространство. Здесь, в спектакле Вахтанговского театра — это старая церковь («я хочу с тобой венчаться в планетарии» - ну да, церкви оборудовали под планетарии, чаще под склады). Пространство не обжито, голо, враждебно. Никаких признаков кафе или человеческого жилья не предусмотрено. Зато ничто не мешает погружаться в некую «сонливость» воспоминаний о том, как развивались события в жизни героя, почему он остался один, за что ему друзья прислали похоронный венок, решит ли он ехать на утиную охоту?
Череда воспоминаний звучит в воображении Зилова сначала сумрачно, ведь он представляет, а что бы было, если бы он, действительно, умер? Но уже через сцену эти воспоминания разыгрываются ярко, затейливо, превращая драму в комедию.
Дальше я погружу вас в историю первой постановки и «невозможность» Вампилова. Тем, кто читает меня, чтобы понять, идти или не идти на спектакль «Утиная охота» в Театр имени Евгения Вахтангова, рекомендую сразу: идти обязательно. Взгляд молодого тридцатилетнего режиссера Аскара Галимова, не ведавшего нашей жизни в «совке», сложил блестящую всеми радугами картину жизни, подобную «Стилягам», только в пределах Иркутска. Режиссер наполнил ее пониманием и любовью, и вместе с исполнителем заглавной роли гениальным Максимом Севриновским они продемонстрировали все возможности симпатизировать Зилову: способность на истинную страсть и неспособность вынести заурядность жизни, шутовство и легкость, манкость и остроумие. Сцены его красивых манипуляций равномерно соотносят иронию действительности со сценами душевных метаний. Актеры создали вполне узнаваемые и очень яркие образы, вся постановка сделана в традициях русского психологического театра.
Небезосновательно Зилова считают автобиографическим героем. И в то же время это образ обобщенный, передающий нерв очередной эпохи лишних людей. «Заколдованная» пьеса. Вампилов при жизни её не увидел на сцене — не разрешали. Чтобы ее поставить, надо было «биться». Первая постановка случилась в Литве в 1976 году, в Рижском театре русской драмы. «Утиную охоту» поставил режиссер Аркадий Кац. Тогда же спектакль привезли в Омск, премьерный полузакрытый показ был вне гастрольной афиши. Зал был переполнен и наэлектризован. Зрители после спектакля не спешили расходиться, дожидались актёров и режиссера, чтобы рассказать, как сильно их задела правда о человеке. Зилова играл Владимир Сигов, через два года после премьеры он тоже погиб — не менее дико и глупо, чем Вампилов.
Через 11 лет, в 1987 году, в год пятидесятилетия Александра Вампилова, в министерство культуры РСФСР к начальнику отдела театров пришел главный режиссер Иркутского ТЮЗа Вячеслав Кокорин и сказал ему, что в честь юбилея Вампилова надо бы не пароходик какой-нибудь на Байкале его именем назвать, а театр, потому что Вампилов этого достоин. Начальник рассвирепел: « С Вампиловым открыли шлюз бытовщины в советской драматургии! И вы хотите, чтобы его именем назвали театр!» И тогда иркутскому режиссеру вызвался помогать Михаил Швыдкой, он работал заместителем редактора журнала «Театр»: «Организуйте письмо иркутской общественности».
«Утиную охоту» считают опасной пьесой. И правильно делают. Простыми словами и понятными мотивами не расшифруешь ни одного поступка ее главного героя. Еще «Утиной охоте» приписывают такую метафору: это дорогой рояль, ключ от которого утерян.
Ключом к пьесе для каждого режиссера и является трактовка главной роли. «Правильно» или «не правильно» здесь не существует. Отправная точка: что происходит с главным героем.
Общее у многих успешных постановок, пожалуй, одно: режиссер вместе с художником создает внебытовое пространство. Здесь, в спектакле Вахтанговского театра — это старая церковь («я хочу с тобой венчаться в планетарии» - ну да, церкви оборудовали под планетарии, чаще под склады). Пространство не обжито, голо, враждебно. Никаких признаков кафе или человеческого жилья не предусмотрено. Зато ничто не мешает погружаться в некую «сонливость» воспоминаний о том, как развивались события в жизни героя, почему он остался один, за что ему друзья прислали похоронный венок, решит ли он ехать на утиную охоту?
Череда воспоминаний звучит в воображении Зилова сначала сумрачно, ведь он представляет, а что бы было, если бы он, действительно, умер? Но уже через сцену эти воспоминания разыгрываются ярко, затейливо, превращая драму в комедию.
Дальше я погружу вас в историю первой постановки и «невозможность» Вампилова. Тем, кто читает меня, чтобы понять, идти или не идти на спектакль «Утиная охота» в Театр имени Евгения Вахтангова, рекомендую сразу: идти обязательно. Взгляд молодого тридцатилетнего режиссера Аскара Галимова, не ведавшего нашей жизни в «совке», сложил блестящую всеми радугами картину жизни, подобную «Стилягам», только в пределах Иркутска. Режиссер наполнил ее пониманием и любовью, и вместе с исполнителем заглавной роли гениальным Максимом Севриновским они продемонстрировали все возможности симпатизировать Зилову: способность на истинную страсть и неспособность вынести заурядность жизни, шутовство и легкость, манкость и остроумие. Сцены его красивых манипуляций равномерно соотносят иронию действительности со сценами душевных метаний. Актеры создали вполне узнаваемые и очень яркие образы, вся постановка сделана в традициях русского психологического театра.
Небезосновательно Зилова считают автобиографическим героем. И в то же время это образ обобщенный, передающий нерв очередной эпохи лишних людей. «Заколдованная» пьеса. Вампилов при жизни её не увидел на сцене — не разрешали. Чтобы ее поставить, надо было «биться». Первая постановка случилась в Литве в 1976 году, в Рижском театре русской драмы. «Утиную охоту» поставил режиссер Аркадий Кац. Тогда же спектакль привезли в Омск, премьерный полузакрытый показ был вне гастрольной афиши. Зал был переполнен и наэлектризован. Зрители после спектакля не спешили расходиться, дожидались актёров и режиссера, чтобы рассказать, как сильно их задела правда о человеке. Зилова играл Владимир Сигов, через два года после премьеры он тоже погиб — не менее дико и глупо, чем Вампилов.
Через 11 лет, в 1987 году, в год пятидесятилетия Александра Вампилова, в министерство культуры РСФСР к начальнику отдела театров пришел главный режиссер Иркутского ТЮЗа Вячеслав Кокорин и сказал ему, что в честь юбилея Вампилова надо бы не пароходик какой-нибудь на Байкале его именем назвать, а театр, потому что Вампилов этого достоин. Начальник рассвирепел: « С Вампиловым открыли шлюз бытовщины в советской драматургии! И вы хотите, чтобы его именем назвали театр!» И тогда иркутскому режиссеру вызвался помогать Михаил Швыдкой, он работал заместителем редактора журнала «Театр»: «Организуйте письмо иркутской общественности».
Письмо вначале не заладилось: иркутские писатели отказались его подписывать. Но как раз в это время состоялся съезд, на котором ВТО было преобразовано в СТД, председателем СТД выбрали Михаила Александровича Ульянова. Когда Кокорин рассказал ему о беседе с чиновником министерства, Михаил Александрович сказал: «У вас ведь Виталий Венгер — председатель иркутского отделения СТД? Пусть подготовит письмо». Венгер это сделал, письмо подписали актеры, работники театров. И летом пришла телеграмма: театру присвоено имя Вампилова.
Я понимаю, почему начальники интуитивно отодвигали драматургию Вампилова, писали о нем гадости. Введено было даже слово «зиловщина», искали прототипов Зилова.
Что есть живой человек? Тот, кто не делает ошибок, не увлекается, не рефлексирует, кто ясен и понятен? Человек, который не позволяет себе жить спонтанно, не нарушает норм морали? Да, я думаю, «Утиная охота» самоисповедальна.
Но еще я думаю.., нет, я уверена, что каждый актер имеет право по-своему сыграть Зилова.
То, что получилось в Вахтанговском театре, это очень молодой опыт, но очень горячий, пытливый, бесстрашный. Опыт современного молодого человека. В нем не отозвалась эпоха запретов, не отразились наши знания, неотработанные обиды и потери. Наша тяжесть воспоминаний о лжи и «молчальниках».
Так нужно ли сейчас мерить этим мерилом, и что же делать тем, кто не жил в «совке», не помнит и не хочет помнить о нем? А что делать нам? «Кто дал нам злое право отравлять людей тяжелым видом наших личных язв»?
Уверена, так думать и жить сейчас непродуктивно.
Я понимаю, почему начальники интуитивно отодвигали драматургию Вампилова, писали о нем гадости. Введено было даже слово «зиловщина», искали прототипов Зилова.
Что есть живой человек? Тот, кто не делает ошибок, не увлекается, не рефлексирует, кто ясен и понятен? Человек, который не позволяет себе жить спонтанно, не нарушает норм морали? Да, я думаю, «Утиная охота» самоисповедальна.
Но еще я думаю.., нет, я уверена, что каждый актер имеет право по-своему сыграть Зилова.
То, что получилось в Вахтанговском театре, это очень молодой опыт, но очень горячий, пытливый, бесстрашный. Опыт современного молодого человека. В нем не отозвалась эпоха запретов, не отразились наши знания, неотработанные обиды и потери. Наша тяжесть воспоминаний о лжи и «молчальниках».
Так нужно ли сейчас мерить этим мерилом, и что же делать тем, кто не жил в «совке», не помнит и не хочет помнить о нем? А что делать нам? «Кто дал нам злое право отравлять людей тяжелым видом наших личных язв»?
Уверена, так думать и жить сейчас непродуктивно.
Forwarded from Teatralka_narkomanka (Nina Tsukerman)
«Багдадский вор и черная магия» (реж. Е. Перегудов, Маяковка)
Говорят, что художника надо судить по законам, им же над собой созданным - я постараюсь, поэтому в этом случае не буду искать того, чего всегда ищу в театре - смыслов. Перегудов явно поставил спекакль, рассчитанный исключительно на семейное развлечение - он так и позиционируется как меропрятие, куда можно прийти с детьми и вместе с ними получить удовольствие (почему, правда, ценз стоит 12+, я не очень поняла - уже плохо помню себя в том возрасте, да и я была более насмотренным ребенком чем в среднем, но я бы вела на это детей помладше).
Как говорит Костолевский (он играет рассказчика - вернее, его голос за кадром), что больше всего на свете он любит рассказывать истории - вот они и рассказывают восточную сказку, где есть и любовная линия, и волшебство. Но главное тут вряд ли история (не особо она внятная и увлекательная), а, скорее, - театральность, шоу, которое они придумали. Фактически, это мюзикл (не знала, что в Маяковке такая поющая труппа). В программке жанр обозначен как «рок-версия восточной сказки». В том, что это рок я бы не была столь уверена: музыка, хоть и, видимо, зажигательная местами, похоже больше на попсу - с легкими для азартного подпевания музыкальными темами для каждого персонажа, которые очень уж примитивно в конце соединяются в единое попурри-пляску.
Конечно, как приличествует этому жанру, в спектакле много пластики (не самой замысловатой) и много театральных фокусов - с «богатыми» (читай, - восточными) костюмами, с заигрыванием с залом (может детям и понравится, что есть шанс получить сладкую вату со сцены и что можно покидать из конца в конец зала кубики), со сменяющимися декорациями (то драгоценности, то ковры, то подносы с фруктами на рынке).
Понимаю, что я - совсем не целевая аудитория такого театра, хотя наверняка она какая-то будет - несколько помладше и немного более наивная (готовая улыбаться от не самого сложно устроенного развлекательного действа).
Говорят, что художника надо судить по законам, им же над собой созданным - я постараюсь, поэтому в этом случае не буду искать того, чего всегда ищу в театре - смыслов. Перегудов явно поставил спекакль, рассчитанный исключительно на семейное развлечение - он так и позиционируется как меропрятие, куда можно прийти с детьми и вместе с ними получить удовольствие (почему, правда, ценз стоит 12+, я не очень поняла - уже плохо помню себя в том возрасте, да и я была более насмотренным ребенком чем в среднем, но я бы вела на это детей помладше).
Как говорит Костолевский (он играет рассказчика - вернее, его голос за кадром), что больше всего на свете он любит рассказывать истории - вот они и рассказывают восточную сказку, где есть и любовная линия, и волшебство. Но главное тут вряд ли история (не особо она внятная и увлекательная), а, скорее, - театральность, шоу, которое они придумали. Фактически, это мюзикл (не знала, что в Маяковке такая поющая труппа). В программке жанр обозначен как «рок-версия восточной сказки». В том, что это рок я бы не была столь уверена: музыка, хоть и, видимо, зажигательная местами, похоже больше на попсу - с легкими для азартного подпевания музыкальными темами для каждого персонажа, которые очень уж примитивно в конце соединяются в единое попурри-пляску.
Конечно, как приличествует этому жанру, в спектакле много пластики (не самой замысловатой) и много театральных фокусов - с «богатыми» (читай, - восточными) костюмами, с заигрыванием с залом (может детям и понравится, что есть шанс получить сладкую вату со сцены и что можно покидать из конца в конец зала кубики), со сменяющимися декорациями (то драгоценности, то ковры, то подносы с фруктами на рынке).
Понимаю, что я - совсем не целевая аудитория такого театра, хотя наверняка она какая-то будет - несколько помладше и немного более наивная (готовая улыбаться от не самого сложно устроенного развлекательного действа).
Forwarded from Суета вокруг театра (Margarita Khristenko)
⚡️Пространство внутри готовит сюрприз, но если внимательно изучить их сайт, то можно сложить пазл 😁
Итак, недостающими "детальками" октябрьской афиши станут "Три сестры", показ которых состоится
28, 29 октября и 30 октября целых два раза в 19.00 и 21.00.
В роли Ирины 28 и 30 октября - Светлана Иванова, 29 октября - Ольга Лерман.
Билеты поступят в продажу сегодня, 1 октября, в 18.00. Охотимся тут
Итак, недостающими "детальками" октябрьской афиши станут "Три сестры", показ которых состоится
28, 29 октября и 30 октября целых два раза в 19.00 и 21.00.
В роли Ирины 28 и 30 октября - Светлана Иванова, 29 октября - Ольга Лерман.
Билеты поступят в продажу сегодня, 1 октября, в 18.00. Охотимся тут
Forwarded from Влад Васюхин (Vlad / Влад)
Alterlit | Альтернативная литература
Влад Васюхин: Таинственный пациент
Герой Дмитрия Уросова обозначен в программке спектакля одной буквой. Буквой Б. А можно было бы написать: Он. В общем, Уросов играет того, по образу и подобию которого созданы все мы. Он — Бог.
Forwarded from Слово Славы (Slava)
РОЗЕНКРАНЦ И ГИЛЬДЕНСТЕРН — ИДИОТЫ
//ОТЗЫВ НА ПРОГОН СПЕКТАКЛЯ «Тауматафакатангихангакоауауотаматеатурипукакапикимаунгахоронукупокаифенуакитанатаху», ПРОСТРАНСТВО «ВНУТРИ» //
Сейчас переписывают классику чуть больше, чем все, у кого есть руки. А вот спин-оффы случаются реже. Автор пьесы и спектакля со сложносочинённым названием Алексей Френкель не стал изобретать велосипед. Точкой отсчёта взял роман Достоевского «Идиот», приложил трафарет Стоппарда «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» и дописал диалоги Мышкина с Рогожиным над трупом Настасьи Филипповны.
Два героя едут в поезде. Откуда, куда, когда, сколько времени — абсурдистская модель не предполагает никакого ответа. И вот они мусолят по кругу гэги из ВК про носок, который сложно найти, легко потерять и невозможно забыть, отдельные фразы из Достоевского, меняются крестами и по сути — ролями.
Движок истории — выбрасывание ножа, который вновь появляется. Это действие повторяется считанное количество раз, как подбрасывание монетки в «Розенкранц и Гильденстерн мертвы».
Периодически драматург откапывает и обратно закапывает стюардессу по имени Настасья, чтобы хоть как-то оживить историю. Но что мертво — не может умереть.
При отличных исходных данных (артисты, задумка, текстовки) на третьем круге спектакль начинает буксовать и утомлять. Хочется какого-то поворота, убийства в экспрессе. Но путешествие в поезде как концепция лимба яркого финала не предполагает. Едем-едем-едем в далёкие края, везём с собою труп и больше… ничего.
Утешительный аттракцион для всех, кого взволновало трудное для чтения название, — артисты скажут название этого холма из 83 букв много-много раз! Красавцы.
ПС. Обнаружил, что у спекта много составов. Все мои комплименты запишите на счёт Романа Фролкина, Олега Тополянского и Даши Бондаренко.
ПС2. Фотки не делал, поклонов не было. Так что вот.
|| СЛОВО СЛАВЫ ||
//ОТЗЫВ НА ПРОГОН СПЕКТАКЛЯ «Тауматафакатангихангакоауауотаматеатурипукакапикимаунгахоронукупокаифенуакитанатаху», ПРОСТРАНСТВО «ВНУТРИ» //
Сейчас переписывают классику чуть больше, чем все, у кого есть руки. А вот спин-оффы случаются реже. Автор пьесы и спектакля со сложносочинённым названием Алексей Френкель не стал изобретать велосипед. Точкой отсчёта взял роман Достоевского «Идиот», приложил трафарет Стоппарда «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» и дописал диалоги Мышкина с Рогожиным над трупом Настасьи Филипповны.
Два героя едут в поезде. Откуда, куда, когда, сколько времени — абсурдистская модель не предполагает никакого ответа. И вот они мусолят по кругу гэги из ВК про носок, который сложно найти, легко потерять и невозможно забыть, отдельные фразы из Достоевского, меняются крестами и по сути — ролями.
Движок истории — выбрасывание ножа, который вновь появляется. Это действие повторяется считанное количество раз, как подбрасывание монетки в «Розенкранц и Гильденстерн мертвы».
Периодически драматург откапывает и обратно закапывает стюардессу по имени Настасья, чтобы хоть как-то оживить историю. Но что мертво — не может умереть.
При отличных исходных данных (артисты, задумка, текстовки) на третьем круге спектакль начинает буксовать и утомлять. Хочется какого-то поворота, убийства в экспрессе. Но путешествие в поезде как концепция лимба яркого финала не предполагает. Едем-едем-едем в далёкие края, везём с собою труп и больше… ничего.
Утешительный аттракцион для всех, кого взволновало трудное для чтения название, — артисты скажут название этого холма из 83 букв много-много раз! Красавцы.
ПС. Обнаружил, что у спекта много составов. Все мои комплименты запишите на счёт Романа Фролкина, Олега Тополянского и Даши Бондаренко.
ПС2. Фотки не делал, поклонов не было. Так что вот.
|| СЛОВО СЛАВЫ ||
Forwarded from Влад Васюхин (Vlad / Влад)
#добрый_зритель
14 СПЕКТАКЛЕЙ ЗА ТРИ НЕДЕЛИ
Из того, что посмотрел в столичных театрах наступившей осенью, вернувшись из отпуска, и о чем написал или еще напишу более подробно для Альтерлит.ру и телеграфно (формат такой) для Известий.ру, и лаконично в фейсбуке, порекомендую тем, кто доверяет моему мнению, вкусу, непредвзятости...
👉 СМОТРЕТЬ:
«Медовый месяц в «Кукольном доме», МТЮЗ,
«Самоубийца» в МХТ им. Чехова,
«Я не убивала своего мужа», Театр Наций,
«Апогей» в Театре Пушкина,
«Боже мой!», Театр «Шалом».
👉 50/50 И НИЖЕ
Любопытно, но весьма на любителя, не для всех (если что, я предупредил):
«Чеховъ. Вишневый садъ. Нет слов!», СТИ,
«Усадьба Ланиных» в РАМТе,
«Флешбек 2002», МХТ им. Чехова,
«Сильва», Театр Ермоловой,
«Желтая стрела», Театр на Таганке,
«Багдадский вор и черная магия», Театр Маяковского,
«Утиная охота», Театр Вахтангова,
«Человек, который ждёт», театр «Кашемир»,
«Тау...» (и еще 81 буква в названии), Пространство «Внутри».
В каждом спектакле при желании можно отыскать какие-то достоинства: новый или осовремененный старый материал, изобретательную режиссуру, костюмы, декорации, свет, музыку, тонкие актерские работы... Что-то хорошее да найдешь. А можно сидеть с холодным носом. И уйти даже во время действия. И тоже извлечь пользу. Не зря же незабвенная Татьяна Москвина говорила о «пользе плохого шоколада».
✍ Итого: 14 спектаклей с 12 сентября по 6 октября (плюс в отпуске — 6 спектаклей в Сухумской Русдраме).
На какие-то премьеры не смог пойти, на какие-то не захотел, на одну не аккредитовала обиженная (?!) пресс-служба (ну и ладно, куплю билет — это тот случай, когда их много).
14 СПЕКТАКЛЕЙ ЗА ТРИ НЕДЕЛИ
Из того, что посмотрел в столичных театрах наступившей осенью, вернувшись из отпуска, и о чем написал или еще напишу более подробно для Альтерлит.ру и телеграфно (формат такой) для Известий.ру, и лаконично в фейсбуке, порекомендую тем, кто доверяет моему мнению, вкусу, непредвзятости...
👉 СМОТРЕТЬ:
«Медовый месяц в «Кукольном доме», МТЮЗ,
«Самоубийца» в МХТ им. Чехова,
«Я не убивала своего мужа», Театр Наций,
«Апогей» в Театре Пушкина,
«Боже мой!», Театр «Шалом».
👉 50/50 И НИЖЕ
Любопытно, но весьма на любителя, не для всех (если что, я предупредил):
«Чеховъ. Вишневый садъ. Нет слов!», СТИ,
«Усадьба Ланиных» в РАМТе,
«Флешбек 2002», МХТ им. Чехова,
«Сильва», Театр Ермоловой,
«Желтая стрела», Театр на Таганке,
«Багдадский вор и черная магия», Театр Маяковского,
«Утиная охота», Театр Вахтангова,
«Человек, который ждёт», театр «Кашемир»,
«Тау...» (и еще 81 буква в названии), Пространство «Внутри».
В каждом спектакле при желании можно отыскать какие-то достоинства: новый или осовремененный старый материал, изобретательную режиссуру, костюмы, декорации, свет, музыку, тонкие актерские работы... Что-то хорошее да найдешь. А можно сидеть с холодным носом. И уйти даже во время действия. И тоже извлечь пользу. Не зря же незабвенная Татьяна Москвина говорила о «пользе плохого шоколада».
✍ Итого: 14 спектаклей с 12 сентября по 6 октября (плюс в отпуске — 6 спектаклей в Сухумской Русдраме).
На какие-то премьеры не смог пойти, на какие-то не захотел, на одну не аккредитовала обиженная (?!) пресс-служба (ну и ладно, куплю билет — это тот случай, когда их много).
Отзыв театрального блогера Елены Мамонтовой на спектакль "Антигравитация", авторский проект Нины Чусовой.
Спектакль впечатляет. И самое главное — в какой-то момент зрители начинают воспринимать артистов, действующих в реальном времени и в реальном пространстве, как нереальных: перед ними человек, с легкостью преодолевший силу гравитации и теперь свободно парящий, летящий, кружащийся в воздухе или идущий по воде.
«Вау-эффект» - говорим мы для простоты объяснения. А на самом деле это мощная энергия удивления, смысл существования которой мы упускаем. Смысл знают и ценят ученые, изобретатели и … фантасты.
Сочинение худрука постановки Нины Чусовой и режиссера, солиста Цирка дю Солей Андрея Кольцова невероятно современно и своевременно. Сейчас, как никогда, важно предвидеть и предугадывать будущее. И давать людям эту бесценную энергию удивления, которая возбуждает воображение и рождает неожиданный потенциал для открытий и изобретений.
В основе сюжета лежит повесть Ричарда Баха «Чайка по имени Джонатан Ливингстон», философская глубина которой потрясает каждого подростка, если он ее прочитал.
Синтетический жанр позволил авторам соединить хореографию, акробатику, пантомиму (великолепный Андрей Кислицин), передовые высокие технологии. Артисты работают на медиа-экране площадью в 100 кв. метров, который наклонен под углом 45 градусов. Визуально это выглядит, как будто персонажи ходят по вертикальной стене. Взаимодействие артистов с видео-экраном создает поразительные оптические иллюзии.
Смело предсказываю: антигравитация и телепортация — то, что нам предстоит изучить и свободно пользоваться в жизни (дай Бог нам здоровья и долголетия).
К примеру: Алексей Толстой написал «Гиперболоид инженера Гарина» в 1927 году и предсказал силу лазерного луча, в 2020 году успешно провели испытания лазера мощностью в 150 киловатт.
Язык метафор, музыки и пластики тела возбудил ярчайший интерес у самых смелых: а как это делается? Им повезло после спектакля побывать за кулисами «Антигравитации».
Нина Чусова, огромное спасибо за смелость, открытость и радость жизни.
Овации после спектакля передают атмосферу этого необыкновенного шоу.
Спектакль впечатляет. И самое главное — в какой-то момент зрители начинают воспринимать артистов, действующих в реальном времени и в реальном пространстве, как нереальных: перед ними человек, с легкостью преодолевший силу гравитации и теперь свободно парящий, летящий, кружащийся в воздухе или идущий по воде.
«Вау-эффект» - говорим мы для простоты объяснения. А на самом деле это мощная энергия удивления, смысл существования которой мы упускаем. Смысл знают и ценят ученые, изобретатели и … фантасты.
Сочинение худрука постановки Нины Чусовой и режиссера, солиста Цирка дю Солей Андрея Кольцова невероятно современно и своевременно. Сейчас, как никогда, важно предвидеть и предугадывать будущее. И давать людям эту бесценную энергию удивления, которая возбуждает воображение и рождает неожиданный потенциал для открытий и изобретений.
В основе сюжета лежит повесть Ричарда Баха «Чайка по имени Джонатан Ливингстон», философская глубина которой потрясает каждого подростка, если он ее прочитал.
Синтетический жанр позволил авторам соединить хореографию, акробатику, пантомиму (великолепный Андрей Кислицин), передовые высокие технологии. Артисты работают на медиа-экране площадью в 100 кв. метров, который наклонен под углом 45 градусов. Визуально это выглядит, как будто персонажи ходят по вертикальной стене. Взаимодействие артистов с видео-экраном создает поразительные оптические иллюзии.
Смело предсказываю: антигравитация и телепортация — то, что нам предстоит изучить и свободно пользоваться в жизни (дай Бог нам здоровья и долголетия).
К примеру: Алексей Толстой написал «Гиперболоид инженера Гарина» в 1927 году и предсказал силу лазерного луча, в 2020 году успешно провели испытания лазера мощностью в 150 киловатт.
Язык метафор, музыки и пластики тела возбудил ярчайший интерес у самых смелых: а как это делается? Им повезло после спектакля побывать за кулисами «Антигравитации».
Нина Чусова, огромное спасибо за смелость, открытость и радость жизни.
Овации после спектакля передают атмосферу этого необыкновенного шоу.
Forwarded from Слово Славы (Slava)
//ОТЗЫВ НА ПРЕМЬЕРНЫЙ ПОКАЗ СПЕКТАКЛЯ “ЭЛЕМЕНТАРНО, ХАДСОН”, БРОДВЕЙ МОСКВА //
Худрук постановки – Евгений Писарев, свет – Александр Сиваев, в главной роли – Вера Шпак, по фонам, но очень ярко – Сергей Мелконян, но больше всего меня поразила… цена за два “мерзавчика” просекко – 3800! Шучу, конечно… Меня просто порвало!
Вообще, мюзиклы – не мой любимый жанр. Я их, скорее, принимаю. В гомеопатических дозах. Лёгкие, весёлые, понятные, мозг включать не нужно. Если у вас есть, можете вообще оставить дома на зарядке.
Но вот что приятно, на этот раз компания “Бродвей Москва”, специализирующаяся на мюзиклах, выдала не кальку с западного шоу, а с нуля собрала своё, родное, про Британию. Получилось весело, дорого, хотя я уже готовился вынести в заглавие шутку из спектакля: “Это болото, а не Бродвей”. в любом случае, первые 15 минут нужно перетерпеть.
Историю про Шерлока и собаку Баскервилей здесь рассказали, выдвинув вперёд фигуру экономки миссис Хадсон. Вера Шпак во всех нарядах мира, конечно, меньше всего была похожа на домработницу, но тут и доктор Мариарти – тот ещё Челентано. Антигерой, кстати, понравился мне ещё до того, как я разглядел в нём Сергея Мелконяна. Такой он вертлявый, эпизодический, яркий! В общем, на поклонах был приятно удивлён, что это он.
Словил себя на мысли, что Олег Савцов в образе Шерлока неприятно похож на Манучарова. Теперь живите с этим.
В целом, получился не мюзикл в его классическом варианте, а, скорее, спектакль с музыкальными вставками. И вот они местами привязчивые. Что-то там “по щекам небритым” и в рифму – “лондон из зе капитАл, оф грейт британ” в исполнении бомж-бэнда «Рыжая борода» потом ещё долго придётся вытряхивать из головы.
Хорошая тема – сводить маму в театр. Правда, может, я не прав. Громче всех смеялся какой-то парень в правом углу. Слышь, парень, если ты меня читаешь, знай: ты нас всех раздражал! И смех у тебя дурацкий.
|| СЛОВО СЛАВЫ ||
Forwarded from Teatralka_narkomanka (Nina Tsukerman)
«Тауматафакатангихангако…» (реж. А. Френкель, Пространство Внутри)
В Пространстве Внутри вышел спектакль точно с самым длинным и непроизносимым названием (хотя актеры героически это делают) - «Тауматафакатангихангако…» (целиком этот набор букв я не буду воспроизводить, тем более, что, какое отношение этот якобы новозеландский остров, на котором юноша играл на флейте на рассвете своей возлюбленной, я не особо поняла - постмодернистская шутка так и осталась шуткой).
Спектакль поставил и, конечно же, написал пьесу Алексей Френкель (он - автор текста нашумевшего в Москве "Где ты был так долго, чувак?»). За этим эстетским названием скрываются вариации на тему «Идиота» Достоевского - Френкель дописал диалог между Мышкиным и Рогожиным, состоявшийся уже после убийства Настасьи Филипповны.
Дело происходит в вагоне купе, который "следует, куда следует" - это зацикленное во времени пространство, из которого никак невозможно выбраться (герои все ждут остановки, но ее, видимо, уже не будет). Начинается спектакль с того, что они пытаются выбросить в окно ножик (тот самый, которым была убита Натасья Филипповна) - только вот он пародоксальным образом тут же возвращается в противоположное окно. От орудия убийства так легко не избавишься - я не в буквальном смысле, не про улику, а про то, что эта вещь будет вечно напоминать о случившемся.
Ощущение зациклинности создается и за счет текста: посреди этого и без того абсурдного диалога герои вдруг обмениваются сюртуками (в романе они менялись нательными крестами) и ролями - и диалог начинается заново. Из этого круга им уже никогда не выбраться.
А между фазами этого «сна» к ним приходит убитая Настасья Филипповна - «ее похоронили, вот она к нам и приходит» (отдельная, весьма ироничная сцена, кода Мышкин и Рогожин придумывают эпитафию для ее могилы - «красота спасет мир», «чем болше ты вглядываешься в бездну, тем быстрее пиздец», «меня трудно найти, легко потерять, но невозможно забыть»). Настасья не только к ним приходит как напоминание о случившемся, но и вступает в диалог с Достоевским, полемизируя с ним, правильо ли он ее описал. Этот диалог - единственное, что прерывает хоть ненадолго непрекращающуюся цикличность.
Текст Френкеля - это ироничное сочетание цитат из Достоевского, прямых аллюзий на него, современных фраз (тут и песня Наутилиуса Помпилиуса «Я пытался уйти от любви», и Наталии Медведевой и т. д.), и ироничных комментариев про русскую литературу («У русских писателй вегда так - судьбы рушатся, а герои чай пьют», «Что может понимать в Достоевском человек, запрещающий мини-юбки?»). Все это ирончино и делает процесс приятным, но финал выглядит мало внятным, потому что форма в очередной раз победила содержание.
В Пространстве Внутри вышел спектакль точно с самым длинным и непроизносимым названием (хотя актеры героически это делают) - «Тауматафакатангихангако…» (целиком этот набор букв я не буду воспроизводить, тем более, что, какое отношение этот якобы новозеландский остров, на котором юноша играл на флейте на рассвете своей возлюбленной, я не особо поняла - постмодернистская шутка так и осталась шуткой).
Спектакль поставил и, конечно же, написал пьесу Алексей Френкель (он - автор текста нашумевшего в Москве "Где ты был так долго, чувак?»). За этим эстетским названием скрываются вариации на тему «Идиота» Достоевского - Френкель дописал диалог между Мышкиным и Рогожиным, состоявшийся уже после убийства Настасьи Филипповны.
Дело происходит в вагоне купе, который "следует, куда следует" - это зацикленное во времени пространство, из которого никак невозможно выбраться (герои все ждут остановки, но ее, видимо, уже не будет). Начинается спектакль с того, что они пытаются выбросить в окно ножик (тот самый, которым была убита Натасья Филипповна) - только вот он пародоксальным образом тут же возвращается в противоположное окно. От орудия убийства так легко не избавишься - я не в буквальном смысле, не про улику, а про то, что эта вещь будет вечно напоминать о случившемся.
Ощущение зациклинности создается и за счет текста: посреди этого и без того абсурдного диалога герои вдруг обмениваются сюртуками (в романе они менялись нательными крестами) и ролями - и диалог начинается заново. Из этого круга им уже никогда не выбраться.
А между фазами этого «сна» к ним приходит убитая Настасья Филипповна - «ее похоронили, вот она к нам и приходит» (отдельная, весьма ироничная сцена, кода Мышкин и Рогожин придумывают эпитафию для ее могилы - «красота спасет мир», «чем болше ты вглядываешься в бездну, тем быстрее пиздец», «меня трудно найти, легко потерять, но невозможно забыть»). Настасья не только к ним приходит как напоминание о случившемся, но и вступает в диалог с Достоевским, полемизируя с ним, правильо ли он ее описал. Этот диалог - единственное, что прерывает хоть ненадолго непрекращающуюся цикличность.
Текст Френкеля - это ироничное сочетание цитат из Достоевского, прямых аллюзий на него, современных фраз (тут и песня Наутилиуса Помпилиуса «Я пытался уйти от любви», и Наталии Медведевой и т. д.), и ироничных комментариев про русскую литературу («У русских писателй вегда так - судьбы рушатся, а герои чай пьют», «Что может понимать в Достоевском человек, запрещающий мини-юбки?»). Все это ирончино и делает процесс приятным, но финал выглядит мало внятным, потому что форма в очередной раз победила содержание.
Forwarded from Суета вокруг театра (Margarita Khristenko)
«Усадьба Ланиных». Режиссер Алексей Бородин. РАМТ
Алексей Бородин в моем представлении – режиссер и человек с огромным чувством такта, чуткий и деликатный. Без провокаций, которых некоторые зрители жаждут. Вот и «Усадьба Ланиных» получилась тихой, нежной и сдержанной, несмотря на полыхающие там любовные страсти. Максим Обрезков (в 2022 не стало главного художника театра Станислава Бенедектива – постоянного соавтора спектаклей Бородина) выстроил на сцене грандиозную усадьбу, фасад которой с точностью повторяет фасад РАМТа. Смотришь на него и понимаешь, что не Александр Петрович Ланин, а сам Алексей Владимирович Бородин и есть хозяин этой усадьбы. Возможно поэтому, спектакль с самого начала воспринимался мной в большой степени как личная история – и для театра, и для самого Алексея Бородина, который обладает даром слышать время, ощущать его дыхание. Если в «Леопольдштадте» все семейные трагедии происходят на фоне мировых катаклизмов, то в «Ланиных» на грядущие события (Первая мировая война) почти ничто не указывает. Разве что смутное предчувствие неотвратимости беды вызывает пока еще жизнерадостная, в белых, цвета цветущего сада, одеждах, молодежь из 1911 года, на глазах которой очень скоро будет рушиться мир, а они невольно станут участниками этих событий. И мы можем предположить, как сложатся их судьбы…
Но пока перед нами протекает обычная усадебная жизнь, где чаепития с самоваром, пикники, футбол, туры вальса, ловля лещей. Назревает дуэль, создаются и распадаются браки, а герои любят до безумия, до попыток самоубийства, до готовности бежать без оглядки с любимым, потому что «жизнь дана раз и никому нельзя её отдавать», нужно жить ради самой жизни. Любой выбор впоследствии может оказаться ошибочным, но те минуты восторга, который человек испытывает сейчас, останутся с ним навсегда. Счастье так же священно, как и горе…
Пространство наполнено рассеянным светом, тут же кустики сирени (ивы, вербы), засохшие после зимы, но уже с крошечными, кажущимися такими хрупкими, почками. Где-то, скрытая от глаз, стоит мраморная статуя Венеры – «устроительницы величайших кавардаков»… Вот уж она постаралась устроить им любовных перипетий! Всем сердцем переживает за этих счастливых и несчастных обитателей дома Александр Петрович Ланин (Андрей Бажин), образец родительской заботы и любви. Восхищается молодыми гостями усадьбы («эх, племя молодое, незнакомое»), которые со своей стороны приветливо тянутся к «дедушке». Образ молодежи получился тут очень выразительным. Они то с легкостью кружатся в вальсе, то бегут кататься на лодках или играть в футбол. Такое ощущение, что для воплощения этого образа на сцене собралась вся молодая часть труппы. И именно с этим связан самый пронзительный для меня момент в спектакле: когда хозяин усадьбы Александр Петрович произносит: «жаль, ведь, уходить-то. Смотри, вот все славные дети»… Мне кажется, я понимаю, почему Алексей Бородин выбрал именно эту всеми забытую, уличенную в подражательстве Чехову, пьесу Бориса Зайцева.
Отдельно стоит сказать, что чудесные вальсы к «Усадьбе Ланиных» написал Александр Девятьяров. Это важно, потому что Александр – артист РАМТа. Он, как никто другой, умеет почувствовать интонацию, которую Алексей Бородин хотел бы придать спектаклю. Передать ощущение полноты жизни внутри большого дома, которым является для артистов театр. Ну и просто потому, что талантливый человек, а Александр Девятьяров талантливый актер, талантлив во всем!
Алексей Бородин в моем представлении – режиссер и человек с огромным чувством такта, чуткий и деликатный. Без провокаций, которых некоторые зрители жаждут. Вот и «Усадьба Ланиных» получилась тихой, нежной и сдержанной, несмотря на полыхающие там любовные страсти. Максим Обрезков (в 2022 не стало главного художника театра Станислава Бенедектива – постоянного соавтора спектаклей Бородина) выстроил на сцене грандиозную усадьбу, фасад которой с точностью повторяет фасад РАМТа. Смотришь на него и понимаешь, что не Александр Петрович Ланин, а сам Алексей Владимирович Бородин и есть хозяин этой усадьбы. Возможно поэтому, спектакль с самого начала воспринимался мной в большой степени как личная история – и для театра, и для самого Алексея Бородина, который обладает даром слышать время, ощущать его дыхание. Если в «Леопольдштадте» все семейные трагедии происходят на фоне мировых катаклизмов, то в «Ланиных» на грядущие события (Первая мировая война) почти ничто не указывает. Разве что смутное предчувствие неотвратимости беды вызывает пока еще жизнерадостная, в белых, цвета цветущего сада, одеждах, молодежь из 1911 года, на глазах которой очень скоро будет рушиться мир, а они невольно станут участниками этих событий. И мы можем предположить, как сложатся их судьбы…
Но пока перед нами протекает обычная усадебная жизнь, где чаепития с самоваром, пикники, футбол, туры вальса, ловля лещей. Назревает дуэль, создаются и распадаются браки, а герои любят до безумия, до попыток самоубийства, до готовности бежать без оглядки с любимым, потому что «жизнь дана раз и никому нельзя её отдавать», нужно жить ради самой жизни. Любой выбор впоследствии может оказаться ошибочным, но те минуты восторга, который человек испытывает сейчас, останутся с ним навсегда. Счастье так же священно, как и горе…
Пространство наполнено рассеянным светом, тут же кустики сирени (ивы, вербы), засохшие после зимы, но уже с крошечными, кажущимися такими хрупкими, почками. Где-то, скрытая от глаз, стоит мраморная статуя Венеры – «устроительницы величайших кавардаков»… Вот уж она постаралась устроить им любовных перипетий! Всем сердцем переживает за этих счастливых и несчастных обитателей дома Александр Петрович Ланин (Андрей Бажин), образец родительской заботы и любви. Восхищается молодыми гостями усадьбы («эх, племя молодое, незнакомое»), которые со своей стороны приветливо тянутся к «дедушке». Образ молодежи получился тут очень выразительным. Они то с легкостью кружатся в вальсе, то бегут кататься на лодках или играть в футбол. Такое ощущение, что для воплощения этого образа на сцене собралась вся молодая часть труппы. И именно с этим связан самый пронзительный для меня момент в спектакле: когда хозяин усадьбы Александр Петрович произносит: «жаль, ведь, уходить-то. Смотри, вот все славные дети»… Мне кажется, я понимаю, почему Алексей Бородин выбрал именно эту всеми забытую, уличенную в подражательстве Чехову, пьесу Бориса Зайцева.
Отдельно стоит сказать, что чудесные вальсы к «Усадьбе Ланиных» написал Александр Девятьяров. Это важно, потому что Александр – артист РАМТа. Он, как никто другой, умеет почувствовать интонацию, которую Алексей Бородин хотел бы придать спектаклю. Передать ощущение полноты жизни внутри большого дома, которым является для артистов театр. Ну и просто потому, что талантливый человек, а Александр Девятьяров талантливый актер, талантлив во всем!
Forwarded from Teatralka_narkomanka (Nina Tsukerman)
«Пиковая дама» (реж. Д. Азаров, Таганка)
225 лет - не самая круглая дата, тем не менее, Таганка решила отпраздновать юбилей Пушкина премьерой Азарова (это уже его четвертая работа в этом театре - надо сказать, что его режиссерский почерк очень органично вписывается в эстетику нынешней Таганки, какой она стала при Апексимовой) «Пиковой дамой».
Ольга Никкифорова, автор инсценировки, и без того ироничный пушкинский текст дополнила легкими по интонации комментариями, шуточками так, что диалоги игроков выглядят так, как будто произнесены сегодня - обычные офисные работники собрались отдохнуть, поиграть, распить спиртное из пластиковых стаканчиков. При этом прозаический текст «Пиковой дамы» соединен здесь с пушкинскими же стихами, которые не просто органично смотрятся вместе, но и строят главный контраст спектакля - между реальностью и фантасмагорией. И непонятно, где проходит грань между обыденным светским развлечением и бегством от реальности, уходом в свои фантазии в прекрасный вымышленный мир - «благоразмие - удел скучных и серых».
Пиковую даму и графиню играет Апексимова: то она - в утрированном образе старухи (в инвалидном кресле, с деребезжащим голосом, в седом как у ведьмы огромном парике, закрывающим ее лицо), то - она импозантная красотка, развлекающая игроков пением (тоже на стихи Пушкина, конечно - романтическая «Буря мглою небо кроет» здесь, правда, стилизована больше под нуар). Первый образ - реальный, второе - то ли в мечтах, то ли как воспоминание о былом. Старая графиня ностальгически слушает Пиаф «Non, je ne regrette rien» («Нет, я ни о чем не жалею») - это единственный способ, которым Лиза может прервать нравоучения. И здесь очень изящно вставлен текст из «Каменного гостя»: нравочуения графини - это монолог Дон Карлоса, обращенный к Лауре («Ты молода и будешь молода // еще лет пять иль шесть … // И седина в косе твоей мелкнет, // И будут называть тебя старухой»). Хотя Лиза тут, скорее, не на Лауру похожа, а на Татьяну из «Онегина» - не даром она читает то самое знаменитое ее письмо. Лиза и Пиковая дама здесь запараллелены - в конце они одеты в одно и то же платье. Когда-то графиня была такой же Лизой, живущей активной молодой яркой жизнью.
Не менее важным персонажем здесь стал Томский. Начиналось все с шутки за карточным столом в компании друзей (эта история - в череде шуток про богатыря из «Руслана и Людмилы» и пр., что опять же очень изящно и иронично соединено), а в конце Томский и сам увлекается, входит во вкус, когда вдруг начинает говорить шекспировскими словами - «У совести моей сто языков … // И я во всех рассказах их - злодей»), а ему бросают очень точное замечание - «ты доволен осознанием своего превосходства».
Безумие нарастает, карты как чертики (Азаров «оживил» этих персонажей - тройку, семерку, туза) крутятся вокруг сошедшего с ума Германа, провоцируя его и развлекая, а в реальности мужчины продолжают спокойно отдыхать, играя в карты (с чего начинался спектакль, тем он и заканчивается). Единственный странный персонаж (вернее, странный в этом пространстве, а так-то - как раз самый современный и обычный) - мужчина в куртке с туристическим рюкзаком (в программке он обозначен как Юродивый, что тоже ирончино в пушкинском контексте), который молча ходит и наблюдает за происходящими странностями вокруг. Реальность и разум все-таки у кого-то остаются, несмотря на всеобщую попытки разнообразить свою жизнь.
225 лет - не самая круглая дата, тем не менее, Таганка решила отпраздновать юбилей Пушкина премьерой Азарова (это уже его четвертая работа в этом театре - надо сказать, что его режиссерский почерк очень органично вписывается в эстетику нынешней Таганки, какой она стала при Апексимовой) «Пиковой дамой».
Ольга Никкифорова, автор инсценировки, и без того ироничный пушкинский текст дополнила легкими по интонации комментариями, шуточками так, что диалоги игроков выглядят так, как будто произнесены сегодня - обычные офисные работники собрались отдохнуть, поиграть, распить спиртное из пластиковых стаканчиков. При этом прозаический текст «Пиковой дамы» соединен здесь с пушкинскими же стихами, которые не просто органично смотрятся вместе, но и строят главный контраст спектакля - между реальностью и фантасмагорией. И непонятно, где проходит грань между обыденным светским развлечением и бегством от реальности, уходом в свои фантазии в прекрасный вымышленный мир - «благоразмие - удел скучных и серых».
Пиковую даму и графиню играет Апексимова: то она - в утрированном образе старухи (в инвалидном кресле, с деребезжащим голосом, в седом как у ведьмы огромном парике, закрывающим ее лицо), то - она импозантная красотка, развлекающая игроков пением (тоже на стихи Пушкина, конечно - романтическая «Буря мглою небо кроет» здесь, правда, стилизована больше под нуар). Первый образ - реальный, второе - то ли в мечтах, то ли как воспоминание о былом. Старая графиня ностальгически слушает Пиаф «Non, je ne regrette rien» («Нет, я ни о чем не жалею») - это единственный способ, которым Лиза может прервать нравоучения. И здесь очень изящно вставлен текст из «Каменного гостя»: нравочуения графини - это монолог Дон Карлоса, обращенный к Лауре («Ты молода и будешь молода // еще лет пять иль шесть … // И седина в косе твоей мелкнет, // И будут называть тебя старухой»). Хотя Лиза тут, скорее, не на Лауру похожа, а на Татьяну из «Онегина» - не даром она читает то самое знаменитое ее письмо. Лиза и Пиковая дама здесь запараллелены - в конце они одеты в одно и то же платье. Когда-то графиня была такой же Лизой, живущей активной молодой яркой жизнью.
Не менее важным персонажем здесь стал Томский. Начиналось все с шутки за карточным столом в компании друзей (эта история - в череде шуток про богатыря из «Руслана и Людмилы» и пр., что опять же очень изящно и иронично соединено), а в конце Томский и сам увлекается, входит во вкус, когда вдруг начинает говорить шекспировскими словами - «У совести моей сто языков … // И я во всех рассказах их - злодей»), а ему бросают очень точное замечание - «ты доволен осознанием своего превосходства».
Безумие нарастает, карты как чертики (Азаров «оживил» этих персонажей - тройку, семерку, туза) крутятся вокруг сошедшего с ума Германа, провоцируя его и развлекая, а в реальности мужчины продолжают спокойно отдыхать, играя в карты (с чего начинался спектакль, тем он и заканчивается). Единственный странный персонаж (вернее, странный в этом пространстве, а так-то - как раз самый современный и обычный) - мужчина в куртке с туристическим рюкзаком (в программке он обозначен как Юродивый, что тоже ирончино в пушкинском контексте), который молча ходит и наблюдает за происходящими странностями вокруг. Реальность и разум все-таки у кого-то остаются, несмотря на всеобщую попытки разнообразить свою жизнь.
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Сегодня в Ленкоме состоится премьера спектакля Антона Яковлева "Гамлет". А вот небольшое интервью с исполнителем заглавной роли Антоном Шагиным с дневного пресс-показа.
#ленком
#гамлет #антоняковлев
#антоншагин #премьера
#ленком
#гамлет #антоняковлев
#антоншагин #премьера