"Роза", Томас Аншуц
1907 г. Холст, масло, 147,3 х 111,4 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Фонд Маргариты и Фрэнка А. Косгроув-младших)
Американский художник, соучредитель школы Дарби Thomas Pollock Anshut (1851–1912) известен своими портретами и жанровыми сценами.
После Гражданской войны в США началась эпоха, которую Марк Твен назвал «позолоченным веком» — эпоха Дж. П. Моргана, Джона Д. Рокфеллера и баронов-разбойников. А там, где появляется новое богатство, наверняка найдется множество художников, нанятых для увековечения памяти его владельцев. В течение десятилетий после 1870 года американская портретная живопись достигла элегантности, которая могла соперничать с элегантностью британской портретной живописи XVIII века. и расточительность, которую предыдущие поколения считали неприличной.
Картина "Роза" - одна из серии впечатляющих изображений Ребекки Х. Уэлен, дочери попечителя Пенсильванской академии изящных искусств, где преподавал Аншуц. Свободная и красивая женщина с цветком — распространенная тема в американской живописи конца девятнадцатого века. Портрет, написанный Томасом Аншуцем, отражает современное определение собственно сферы женщины: досуг, красота и эстетика, а также гармониния домашней среды.
«Роза» отражает одновременное признание Аншуцем академической строгости и психологических исследований Икинса и живописной свободы Джона Сингера Сарджента. Изображая молодую женщину созерцательной, но в то же время интеллектуально и эмоционально активной, Аншуц также предвосхищает более приземленных женщин, нарисованных членами Школы Ашкана и другими реалистами двадцатого века.
1907 г. Холст, масло, 147,3 х 111,4 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Фонд Маргариты и Фрэнка А. Косгроув-младших)
Американский художник, соучредитель школы Дарби Thomas Pollock Anshut (1851–1912) известен своими портретами и жанровыми сценами.
После Гражданской войны в США началась эпоха, которую Марк Твен назвал «позолоченным веком» — эпоха Дж. П. Моргана, Джона Д. Рокфеллера и баронов-разбойников. А там, где появляется новое богатство, наверняка найдется множество художников, нанятых для увековечения памяти его владельцев. В течение десятилетий после 1870 года американская портретная живопись достигла элегантности, которая могла соперничать с элегантностью британской портретной живописи XVIII века. и расточительность, которую предыдущие поколения считали неприличной.
Картина "Роза" - одна из серии впечатляющих изображений Ребекки Х. Уэлен, дочери попечителя Пенсильванской академии изящных искусств, где преподавал Аншуц. Свободная и красивая женщина с цветком — распространенная тема в американской живописи конца девятнадцатого века. Портрет, написанный Томасом Аншуцем, отражает современное определение собственно сферы женщины: досуг, красота и эстетика, а также гармониния домашней среды.
«Роза» отражает одновременное признание Аншуцем академической строгости и психологических исследований Икинса и живописной свободы Джона Сингера Сарджента. Изображая молодую женщину созерцательной, но в то же время интеллектуально и эмоционально активной, Аншуц также предвосхищает более приземленных женщин, нарисованных членами Школы Ашкана и другими реалистами двадцатого века.
"Синяя и зеленая музыка", Джорджия О'Киф
1921 г. Холст, масло, 58,4 х 48,3 см. Чикагский институт искусств (Коллекция Альфреда Стиглица)
Искусство Georgia O'Keeffe (1887–1986) обращается к детерминантам, к тем вещам или событиям, которые заставили ее, спровоцировали ее творить. Эти потребности обязывали ее заниматься искусством, поскольку она пыталась изобразить ощущения, идеи и ситуации, которые для нее не могли быть выражены иначе.
Ее искусство редко представляет собой строгое повествование, но позволяет нам вспомнить то, что она видела, пережила или почувствовала, образы, основанные на подлинности. Она сознательно лелеяла свои воспоминания о событиях, давая им новую жизнь как искусство.
О'Киф сделала из цветка, при всей его хрупкости, постоянный образ, не подверженный сезону, увяданию и увяданию. Увеличенная и реконструированная маслом на холсте или пастелью на бумаге, он является средством чистого выражения, а не примером ботанической иллюстрации. В ее искусстве мимолетные эффекты природных явлений или личных эмоций становятся символами, постоянными ориентирами...
Картина "Синяя и зеленая музыка" относится к самым ранним работам О'Кифф, которые уже можно назвать зрелымиа. В основ это были это абстракции. Открытые, утомительные, но захватывающие произведения периода ее художественных открытий нашли точку фокуса к началу 1920-х годов. Теперь ее наблюдения за пейзажами, цветами и другими природными формами стали изобретательно двойственными. Они стали одновременно абстрактными и фигуративными, элементы сливались так, что на равнинах играли цветные полосы, вода поднималась по сифонному следу, ботанические детали наводили на мысль об анатомии человека.
1921 г. Холст, масло, 58,4 х 48,3 см. Чикагский институт искусств (Коллекция Альфреда Стиглица)
Искусство Georgia O'Keeffe (1887–1986) обращается к детерминантам, к тем вещам или событиям, которые заставили ее, спровоцировали ее творить. Эти потребности обязывали ее заниматься искусством, поскольку она пыталась изобразить ощущения, идеи и ситуации, которые для нее не могли быть выражены иначе.
Ее искусство редко представляет собой строгое повествование, но позволяет нам вспомнить то, что она видела, пережила или почувствовала, образы, основанные на подлинности. Она сознательно лелеяла свои воспоминания о событиях, давая им новую жизнь как искусство.
О'Киф сделала из цветка, при всей его хрупкости, постоянный образ, не подверженный сезону, увяданию и увяданию. Увеличенная и реконструированная маслом на холсте или пастелью на бумаге, он является средством чистого выражения, а не примером ботанической иллюстрации. В ее искусстве мимолетные эффекты природных явлений или личных эмоций становятся символами, постоянными ориентирами...
Картина "Синяя и зеленая музыка" относится к самым ранним работам О'Кифф, которые уже можно назвать зрелымиа. В основ это были это абстракции. Открытые, утомительные, но захватывающие произведения периода ее художественных открытий нашли точку фокуса к началу 1920-х годов. Теперь ее наблюдения за пейзажами, цветами и другими природными формами стали изобретательно двойственными. Они стали одновременно абстрактными и фигуративными, элементы сливались так, что на равнинах играли цветные полосы, вода поднималась по сифонному следу, ботанические детали наводили на мысль об анатомии человека.
"Мои люди", Исаак Фридлендер
1942 г. Гравюра по дереву на кремовой бумаге, 48 х 35,5 см. Чикагский институт искусств (Коллекция Джойс Тернер Хилкевич)
Isaac Friedlander (1890–1968) родился в Митау, Латвия. В шестнадцать лет его арестовали и приговорили к смертной казни вместе с несколькими его одноклассниками за протесты против обязательного ношения униформы и комендантского часа по выходным. Его одноклассников расстреляли, а Фридлендеру приговор заменили пожизненным заключением. К счастью, сделанные им портреты тюремных надзирателей и их детей привлекли внимание местного функционера, который поспособствовал его освобождению.
Мать Фридлендера, опасаясь нового противостояния сына с властями, продала свои драгоценности и отправила его в Италию. Там, в Римской академии, он изучал живопись и гравюру — единственное формальное художественное образование, которое он когда-либо получал.
После свержения царского режима Фридлендер на деньги, подаренные ему Максимом Горьким, с которым он подружился, вернулся на недолговечную свободу в свою родную Латвию, где преподавал искусство на протяжении 1920-х годов. Затем, в 1929 году, при поддержке своего двоюродного брата Джозефа Хиршхорна, он начал свою долгую и разочаровывающую одиссею в качестве иммигранта, направлявшегося в Америку.
Когда он, наконец, прибыл в Соединенные Штаты, Фридлендер обнаружил вместо страны испытаний и возможностей страну, оказавшуюся в тисках Великой депрессии. Человеческие страдания, безработица и отчаяние были повсюду, куда бы он ни посмотрел. Однако для него лишения и человеческая борьба с ними были единственным известным ему образом жизни.
Действительно, его искусство прочно укоренилось в образах человеческих страданий и борьбы человека с невзгодами. Поэтому было вполне естественно, что его искусство в те годы депрессии сосредоточилось на жизни и страданиях угнетенных, которых он встречал бродящими по улицам Нью-Йорка.
В годы войны 1940-х годов он был глубоко обеспокоен сообщениями о страданиях и преследованиях своего народа по всей Европе, где доминировали нацисты. Почувствовав в юности на собственном опыте всю глубину бесчеловечности человека по отношению к своим собратьям, он теперь создал свои душераздирающие и сильные отпечатки Холокоста. Гравюра "Мои люди" является ярким выражением этой человеческой трагедии.
1942 г. Гравюра по дереву на кремовой бумаге, 48 х 35,5 см. Чикагский институт искусств (Коллекция Джойс Тернер Хилкевич)
Isaac Friedlander (1890–1968) родился в Митау, Латвия. В шестнадцать лет его арестовали и приговорили к смертной казни вместе с несколькими его одноклассниками за протесты против обязательного ношения униформы и комендантского часа по выходным. Его одноклассников расстреляли, а Фридлендеру приговор заменили пожизненным заключением. К счастью, сделанные им портреты тюремных надзирателей и их детей привлекли внимание местного функционера, который поспособствовал его освобождению.
Мать Фридлендера, опасаясь нового противостояния сына с властями, продала свои драгоценности и отправила его в Италию. Там, в Римской академии, он изучал живопись и гравюру — единственное формальное художественное образование, которое он когда-либо получал.
После свержения царского режима Фридлендер на деньги, подаренные ему Максимом Горьким, с которым он подружился, вернулся на недолговечную свободу в свою родную Латвию, где преподавал искусство на протяжении 1920-х годов. Затем, в 1929 году, при поддержке своего двоюродного брата Джозефа Хиршхорна, он начал свою долгую и разочаровывающую одиссею в качестве иммигранта, направлявшегося в Америку.
Когда он, наконец, прибыл в Соединенные Штаты, Фридлендер обнаружил вместо страны испытаний и возможностей страну, оказавшуюся в тисках Великой депрессии. Человеческие страдания, безработица и отчаяние были повсюду, куда бы он ни посмотрел. Однако для него лишения и человеческая борьба с ними были единственным известным ему образом жизни.
Действительно, его искусство прочно укоренилось в образах человеческих страданий и борьбы человека с невзгодами. Поэтому было вполне естественно, что его искусство в те годы депрессии сосредоточилось на жизни и страданиях угнетенных, которых он встречал бродящими по улицам Нью-Йорка.
В годы войны 1940-х годов он был глубоко обеспокоен сообщениями о страданиях и преследованиях своего народа по всей Европе, где доминировали нацисты. Почувствовав в юности на собственном опыте всю глубину бесчеловечности человека по отношению к своим собратьям, он теперь создал свои душераздирающие и сильные отпечатки Холокоста. Гравюра "Мои люди" является ярким выражением этой человеческой трагедии.
"Вишневые деревья Кумои", Хироси Ёсида
1920 г.
Цветная гравюра на бумаге, 29,4 х 45,1 см. Художественный музей Толедо (Огайо) (подарок Х.Д. Беннета)
Японский художник и гравер Хироси Ёсида (1876–1950) считается одним из ярких представителей стиля шин-ханга. Особенно известен своими пейзажными гравюрами.
Гравюра Хироси Ёсиды «Вишневые деревья Кумои» - сказочный образ туманной красоты. Она основана на одноименной акварели художника, написанной в 1904 году. На ней изображены две женщины (моделями были дочери художника Каваи Синто), рассматривающие в лунном свете знаменитые вишневые деревья на горе Ёсино.
1920 г.
Цветная гравюра на бумаге, 29,4 х 45,1 см. Художественный музей Толедо (Огайо) (подарок Х.Д. Беннета)
Японский художник и гравер Хироси Ёсида (1876–1950) считается одним из ярких представителей стиля шин-ханга. Особенно известен своими пейзажными гравюрами.
Гравюра Хироси Ёсиды «Вишневые деревья Кумои» - сказочный образ туманной красоты. Она основана на одноименной акварели художника, написанной в 1904 году. На ней изображены две женщины (моделями были дочери художника Каваи Синто), рассматривающие в лунном свете знаменитые вишневые деревья на горе Ёсино.
"Дом Смерти (Дом Лазаря)", Уильям Блейк
Ок. 1795 г. Монотипия с цветной печатью, выполненная пером и акварелью, 48,5 х 61 см.Галерея Тейт Британия, Лондон
William Blake (1757–1827) - английский поэт, художник, философ.Трудно сказать, кем был Блейк «в первую голову» — художником или поэтом. Он не получил признания при жизни, критики считали Блейка почти безумным, но со времени его смерти становилось всё яснее: гениальный иллюстратор Данте, Мильтона и Библии был одновременно и гениальным поэтом-романтиком.
Источником сюжета для картины "Дом Смерти (второе название "Дом Лазаря")" является «Потерянный рай» Мильтона, книга XI, в которой архангел Михаил дает Адаму представление о том, какие страдания его проступок обрушит на его потомство. Бородатый мужчина с безумными глазами, парящий над несчастными прокаженными, — олицетворение Смерти. Строки 477–93 гласят:
... Сразу место
Перед глазами его предстало грустное, шумное, темное;
Похоже, это был лазарет; где были заложены
Число всех заболевших; все болезни
От ужасных спазмов или мучительных пыток,
От сердечной агонии, всех лихорадочных видов,
Судороги, эпилепсии, жестокие катары,
Кишечные камни и язвы, колики,
Демоническое исступление, стонущая тоска,
И лунное безумие, тоскливая атрофия,
Маразм и разрушительная моровая язва,
Водянки, астма и мучительные насморки.
Ужасно было метание, глубокие стоны; Отчаяние
Ухаживал за самыми занятыми больными с кушетки на кушетку;
И над ними торжествует Смерть, его дротик
Встряхнул, но отложил удар, хотя часто вызывал
С клятвами как главным благом и последней надеждой.
Ок. 1795 г. Монотипия с цветной печатью, выполненная пером и акварелью, 48,5 х 61 см.Галерея Тейт Британия, Лондон
William Blake (1757–1827) - английский поэт, художник, философ.Трудно сказать, кем был Блейк «в первую голову» — художником или поэтом. Он не получил признания при жизни, критики считали Блейка почти безумным, но со времени его смерти становилось всё яснее: гениальный иллюстратор Данте, Мильтона и Библии был одновременно и гениальным поэтом-романтиком.
Источником сюжета для картины "Дом Смерти (второе название "Дом Лазаря")" является «Потерянный рай» Мильтона, книга XI, в которой архангел Михаил дает Адаму представление о том, какие страдания его проступок обрушит на его потомство. Бородатый мужчина с безумными глазами, парящий над несчастными прокаженными, — олицетворение Смерти. Строки 477–93 гласят:
... Сразу место
Перед глазами его предстало грустное, шумное, темное;
Похоже, это был лазарет; где были заложены
Число всех заболевших; все болезни
От ужасных спазмов или мучительных пыток,
От сердечной агонии, всех лихорадочных видов,
Судороги, эпилепсии, жестокие катары,
Кишечные камни и язвы, колики,
Демоническое исступление, стонущая тоска,
И лунное безумие, тоскливая атрофия,
Маразм и разрушительная моровая язва,
Водянки, астма и мучительные насморки.
Ужасно было метание, глубокие стоны; Отчаяние
Ухаживал за самыми занятыми больными с кушетки на кушетку;
И над ними торжествует Смерть, его дротик
Встряхнул, но отложил удар, хотя часто вызывал
С клятвами как главным благом и последней надеждой.
«Дух прерий», Сидни Лонг
1914 г. Холст, масло. Национальная галерея Австралии и музей Канберры
Sydney Long (1871-1955) – австралийский художник-символист. Его произведения отличаются изяществом и сентиментальностью образов.
Картина «Дух прерий», выполненная в декоративном стиле, представляет собой миф о сотворении природы Австралии, сочиненный самим художником. Она принесла автору настоящий успех и международное признание.
В приглушённых коричнево-розовых тонах, словно сквозь романтическую дымку, вдалеке проступают эвкалиптовые деревья. По поляне движется обнажённая черноволосая девушка — лесная нимфа. Она играет на маленькой свирели, и за ней, танцуя, следуют птицы — изящные австралийские журавли.
Картина «Дух прерий» является не только олицетворением мифологического языка Австралии, но и символизирует всё самобытное изобразительное искусство страны.
1914 г. Холст, масло. Национальная галерея Австралии и музей Канберры
Sydney Long (1871-1955) – австралийский художник-символист. Его произведения отличаются изяществом и сентиментальностью образов.
Картина «Дух прерий», выполненная в декоративном стиле, представляет собой миф о сотворении природы Австралии, сочиненный самим художником. Она принесла автору настоящий успех и международное признание.
В приглушённых коричнево-розовых тонах, словно сквозь романтическую дымку, вдалеке проступают эвкалиптовые деревья. По поляне движется обнажённая черноволосая девушка — лесная нимфа. Она играет на маленькой свирели, и за ней, танцуя, следуют птицы — изящные австралийские журавли.
Картина «Дух прерий» является не только олицетворением мифологического языка Австралии, но и символизирует всё самобытное изобразительное искусство страны.
Константин Маковский (русский, 1839-1915) Русалки (1885)
Бумага, гуашь, перо и тушь, 44 х 30,5 см.
Частная коллекция
В 1879 году на седьмой выставке передвижников Константин Маковский выставил свою картину "Русалки" (ныне находится в собрании Государственного русского музея, Санкт-Петербург). Картина была написана в Качановке, имении украинского помещика В.В. Тарновского, где художник и его семья проводили каждое лето до 1888 года. Настоящее исследование является одной из великолепных вариаций художника на тему "Русалок", популярного сюжета, который он изображал множество раз.
Бумага, гуашь, перо и тушь, 44 х 30,5 см.
Частная коллекция
В 1879 году на седьмой выставке передвижников Константин Маковский выставил свою картину "Русалки" (ныне находится в собрании Государственного русского музея, Санкт-Петербург). Картина была написана в Качановке, имении украинского помещика В.В. Тарновского, где художник и его семья проводили каждое лето до 1888 года. Настоящее исследование является одной из великолепных вариаций художника на тему "Русалок", популярного сюжета, который он изображал множество раз.
«Возьмите вашего сына, сэр», Форд Мэдокс Браун
1851-1857гг. Холст, масло. Галерея Тейт, Лондон
Одно из самых загадочных полотен эпохи прерафаэлитов так и осталось незаконченным. Первоначально Форд Мэдокс Браун планировал создать портрет своей будущей супруги Эммы Хилл. но спустя несколько лет совершенно изменил композицию, взяв за основу традиционное изображение Мадонны с младенцем Христом. Но какой же замысел художник скрыл в своем произведении?
На полотне изображена женщина, держащая в руках младенца. Она не то показывает его, не то протягивает крохотное обнаженное детское тело в направлении зрителя, словно вовлекая его в действие, делая его соучастником сцены, что придавало полотну оттенок скандальности. Исследователи считаю, что главной темой картины является судьба внебрачных детей. Тем более что в то время, когда художник начинал работать над картиной, их отношения с Эммой еще не были узаконены, а дочь Кэтрин родилась вне брака.
Однако на это полотно можно посмотреть и под другим углом. Браун очень хотел сына, и не исключено, что рождение двух сыновей в ходе работы над картиной повлияло на замысел произведения. В нем явно просматривается религиозная тема. Круглое зеркало позади головы женщины, в котором отражается силуэт мужчины, образует вокруг нее подобие нимба, символизируя святость материнства и придавая женщине сходство с Мадонной.
Художник не раз переписывал картину и менял ее композицию. О первоначальном размере полотна может свидетельствовать подпись, сделанная ниже и правее фигуры младенца. Моделью для женщины послужила Эмма, а ребенку на ее руках Браун предал сходство со своим сыном Артуром. Возможно, что именно его смерть в 1857 году стала причиной того, что художник так и не завершил картину.
1851-1857гг. Холст, масло. Галерея Тейт, Лондон
Одно из самых загадочных полотен эпохи прерафаэлитов так и осталось незаконченным. Первоначально Форд Мэдокс Браун планировал создать портрет своей будущей супруги Эммы Хилл. но спустя несколько лет совершенно изменил композицию, взяв за основу традиционное изображение Мадонны с младенцем Христом. Но какой же замысел художник скрыл в своем произведении?
На полотне изображена женщина, держащая в руках младенца. Она не то показывает его, не то протягивает крохотное обнаженное детское тело в направлении зрителя, словно вовлекая его в действие, делая его соучастником сцены, что придавало полотну оттенок скандальности. Исследователи считаю, что главной темой картины является судьба внебрачных детей. Тем более что в то время, когда художник начинал работать над картиной, их отношения с Эммой еще не были узаконены, а дочь Кэтрин родилась вне брака.
Однако на это полотно можно посмотреть и под другим углом. Браун очень хотел сына, и не исключено, что рождение двух сыновей в ходе работы над картиной повлияло на замысел произведения. В нем явно просматривается религиозная тема. Круглое зеркало позади головы женщины, в котором отражается силуэт мужчины, образует вокруг нее подобие нимба, символизируя святость материнства и придавая женщине сходство с Мадонной.
Художник не раз переписывал картину и менял ее композицию. О первоначальном размере полотна может свидетельствовать подпись, сделанная ниже и правее фигуры младенца. Моделью для женщины послужила Эмма, а ребенку на ее руках Браун предал сходство со своим сыном Артуром. Возможно, что именно его смерть в 1857 году стала причиной того, что художник так и не завершил картину.
«Новый год», Владимир Александрович Акиншин
2023 год. Холст, масло. Размер: 90х70 см.
На картине московского художника запечатлен момент из жизни семьи, где любят новогодний праздник и с любовью к нему каждый год готовятся. Котов и кошек всегда привлекают яркие, украшенные гирляндами и игрушками новогодние елки и нет для них нет более святой цели, чем уронить ее на пол. Возможно, герой этой картины также задумал что-то недоброе, хотя будет атака или нет, нам неведомо.
2023 год. Холст, масло. Размер: 90х70 см.
На картине московского художника запечатлен момент из жизни семьи, где любят новогодний праздник и с любовью к нему каждый год готовятся. Котов и кошек всегда привлекают яркие, украшенные гирляндами и игрушками новогодние елки и нет для них нет более святой цели, чем уронить ее на пол. Возможно, герой этой картины также задумал что-то недоброе, хотя будет атака или нет, нам неведомо.
«Моя леди Зеленые рукава», Данте Габриэль Россетти
1863г. Дерево, масло. Размер: 33 × 27,3 см. Художественный музей Фогга, Кембридж
Натурщицей для картины My Lady Greensleeves сталасупруга одного из ассистентов Россетти В. Дж. Ньюстаб. Художник начал работать над произведением ещё в 1854 году, когда создал первый карандашный эскиз. Ещё один набросок был сделан в 1855 году; моделью для обоих эскизов стала Эллен Смит.
Название картины взято из английской фольклорной баллады, известной с XVI века. На обратной стороны содержится стихотворение, написанное Россетти, оригинал которого хранится в архивах Музея Фогга.
Картина оставалась у Россетти до декабря 1863 года, тогда её купил Джордж Рэй. В 1943 году картина была выкуплена для собрания Музея Фогга
1863г. Дерево, масло. Размер: 33 × 27,3 см. Художественный музей Фогга, Кембридж
Натурщицей для картины My Lady Greensleeves сталасупруга одного из ассистентов Россетти В. Дж. Ньюстаб. Художник начал работать над произведением ещё в 1854 году, когда создал первый карандашный эскиз. Ещё один набросок был сделан в 1855 году; моделью для обоих эскизов стала Эллен Смит.
Название картины взято из английской фольклорной баллады, известной с XVI века. На обратной стороны содержится стихотворение, написанное Россетти, оригинал которого хранится в архивах Музея Фогга.
Картина оставалась у Россетти до декабря 1863 года, тогда её купил Джордж Рэй. В 1943 году картина была выкуплена для собрания Музея Фогга
Forwarded from Поздравления и открытки | Pozzdrav
Желаю в Новый год вернуться в сказку
И в чудеса поверить, есть они!
Снять груз забот, усталости снять маску,
Зажечь скорей бенгальские огни.
Пусть под удары, что звучат в двенадцать,
Мечты, что глубоко живут в душе,
Начнут вдруг неожиданно сбываться,
Почувствовать себя на кураже.
Чтоб отпустили хлопоты, заботы,
Чтоб праздником пропитан был весь дом.
Почувствовать себя судьбы пилотом,
Чтоб отдыхать за праздничным столом.
Пусть Новый год в свой белый, чистый листик
Напишет план: Любовь, уют, успех
И счастье необъятное для жизни!
Пусть льется беззаботный, звонкий смех.
Пусть этот план по пунктикам исполнит.
И лишь с добром в дом поскорей войдёт.
Сердца любовью искренней наполнит.
Пусть чудо в Новой год произойдёт.
@pozzdrav
#новыйгод
И в чудеса поверить, есть они!
Снять груз забот, усталости снять маску,
Зажечь скорей бенгальские огни.
Пусть под удары, что звучат в двенадцать,
Мечты, что глубоко живут в душе,
Начнут вдруг неожиданно сбываться,
Почувствовать себя на кураже.
Чтоб отпустили хлопоты, заботы,
Чтоб праздником пропитан был весь дом.
Почувствовать себя судьбы пилотом,
Чтоб отдыхать за праздничным столом.
Пусть Новый год в свой белый, чистый листик
Напишет план: Любовь, уют, успех
И счастье необъятное для жизни!
Пусть льется беззаботный, звонкий смех.
Пусть этот план по пунктикам исполнит.
И лишь с добром в дом поскорей войдёт.
Сердца любовью искренней наполнит.
Пусть чудо в Новой год произойдёт.
@pozzdrav
#новыйгод
«Голубой огонек» Гелий Михайлович Коржев
1976 год. Оргалит, масло. Размер: 50×57 см. Частная коллекция
В конце 1980-х и и в начале 1990-х в живописи Гелия Коржева неожиданно произошел переход от «сурового стиля» к монструозному. Во время перестройки художник начинает создавать совершенно нетипичные для своего прошлого метода картины. Его героями стали жутковатые на вид монстры — это бывшие люди, которых Коржев назвал Тюрликами.
Гелий Михайлович не давал пояснений, что изображено на картине «Голубой огонек», но выглядит она как высмеивание того, что происходило с искусством в то время. Примечательно, что на этих созданиях весьма роскошные и чистые одежды, а левый монстр вообще сидит без штанов.
1976 год. Оргалит, масло. Размер: 50×57 см. Частная коллекция
В конце 1980-х и и в начале 1990-х в живописи Гелия Коржева неожиданно произошел переход от «сурового стиля» к монструозному. Во время перестройки художник начинает создавать совершенно нетипичные для своего прошлого метода картины. Его героями стали жутковатые на вид монстры — это бывшие люди, которых Коржев назвал Тюрликами.
Гелий Михайлович не давал пояснений, что изображено на картине «Голубой огонек», но выглядит она как высмеивание того, что происходило с искусством в то время. Примечательно, что на этих созданиях весьма роскошные и чистые одежды, а левый монстр вообще сидит без штанов.
«Маргарита на шабаше», Паскаль Адольф Жан Даньян-Бувре
1911 год. Холст, масло; 165,4×125,3 см. Муниципальный музей Коньяка, Франция
Картина, вдохновленная легендой о Фаусте, кому-то покажется излишне театральной, но выглядит она очень эффектно. В ней есть сила, потому она приковывает внимание.
История Фауста общепризнанно считается шедевром Гёте и величайшим произведением немецкой литературы. Паскаль Даньян-Бувре использует свет для усиления драматического эффекта в своей картине. Маргарита в отчаянии от того, что позволила Фаусту соблазнить себя, убила ребенка, рожденного от этого союза, и собирается покончить с собой. Но ее бросают в тюрьму.
Фауст, который бросил девушку, чтобы заняться другими удовольствиями, посещает шабаш в компании Мефистофеля. Внезапно, выходя из адского пламени, ему приходит видение: Маргарита, бледная, как привидение, встает с мертвым ребенком на руках. Это видение приведет его к покаянию.
Французский художник-реалист.представитель академизма Paskal Dagnan-Bouveret) (1852—1929) отображает этот момент, оставаясь очень близким к тексту Гёте ..
1911 год. Холст, масло; 165,4×125,3 см. Муниципальный музей Коньяка, Франция
Картина, вдохновленная легендой о Фаусте, кому-то покажется излишне театральной, но выглядит она очень эффектно. В ней есть сила, потому она приковывает внимание.
История Фауста общепризнанно считается шедевром Гёте и величайшим произведением немецкой литературы. Паскаль Даньян-Бувре использует свет для усиления драматического эффекта в своей картине. Маргарита в отчаянии от того, что позволила Фаусту соблазнить себя, убила ребенка, рожденного от этого союза, и собирается покончить с собой. Но ее бросают в тюрьму.
Фауст, который бросил девушку, чтобы заняться другими удовольствиями, посещает шабаш в компании Мефистофеля. Внезапно, выходя из адского пламени, ему приходит видение: Маргарита, бледная, как привидение, встает с мертвым ребенком на руках. Это видение приведет его к покаянию.
Французский художник-реалист.представитель академизма Paskal Dagnan-Bouveret) (1852—1929) отображает этот момент, оставаясь очень близким к тексту Гёте ..
Forwarded from Поздравления и открытки | Pozzdrav
Со светлым праздником Рождества Христова поздравляем всех присутствующих! Пусть в ваших семьях царят добро и взаимопонимание. Пусть вас сопровождают успехи и процветание. Пусть в жизни найдется место для ежедневных добрых дел, и, самое главное, не теряйте веры. Ведь именно она — залог наших побед и основа наших надежд. Мы все хотим быть счастливыми и радостными каждый день, поэтому не забываем, что Господь говорил давать больше, чем брать, любить ближнего, а не только самого себя. Так пусть в этот праздник мы все будем ближе друг к другу, подарим родным и друзьям радость от общения, вспомним тех родственников, которым не успели уделить должного внимания. Пусть обиды и печали останутся в прошлом. Дарите друг другу свет божьей любви и не забывайте, что в этот день родился наш спаситель, который своей жизнью и своим воскресением доказал всему миру, что необходимо заботиться о людях более, нежели о себе. С Рождеством!
@pozzdrav
#рождествохристово #7января
@pozzdrav
#рождествохристово #7января
"Индийский воин", Диего Ривера (1886–1957)
1931 г. Фреска. Музей современного искусства, Нью-Йорк
В декабре 1931 года в Музее современного искусства состоялась крупная выставка работ Риверы. Это была всего лишь вторая ретроспектива в музее, и она пользовалась бешеной популярностью, побив рекорды посещаемости за пять недель. Ривера уже стал международной знаменитостью. Он был самой заметной фигурой в мексиканском мурализме, крупномасштабной инициативе паблик-арта, возникшей в 1920-х годах после Мексиканской революции. Но его фрески — по определению закрепленные на одном месте — было невозможно перевезти.
Чтобы решить эту проблему, музей привез Риверу в Нью-Йорк за шесть недель до открытия выставки и предоставил ему импровизированную студию в пустой галерее. Там художник создал пять «переносных фресок» — отдельно стоящих фресок, посвященных событиям в истории Мексики. - - которые были широко представлены на выставке. После открытия, получив широкую огласку, Ривера сделал еще три фрески, взяв за основу современные сюжеты Нью-Йорка через монументальные изображения города во время Великой депрессии. роль в формировании дебатов о социальной и политической ценности паблик-арта в период экономического кризиса.
Из всех панелей, сделанных Риверой для Музея современного искусства, «Индийский воин» восходит к самой глубокой истории Мексики, к испанскому завоеванию начала 16 века. Ацтекский воин в костюме ягуара наносит удар конкистадору в доспехах. с каменным ножом. Стальной клинок испанца — эмблема европейских претензий на превосходство — лежит сломанным рядом. Рыцари-ягуары, члены элитного военного ордена ацтеков, согласно легенде, были известны своим боевым мастерством, благодаря своим устрашающим костюмам; им овладеть силой животного в бою. Резкое представление комиссии о праведном насилии послужило мезоамериканским прецедентом недавней революции в Мексике, а также ее продолжающейся борьбы.
1931 г. Фреска. Музей современного искусства, Нью-Йорк
В декабре 1931 года в Музее современного искусства состоялась крупная выставка работ Риверы. Это была всего лишь вторая ретроспектива в музее, и она пользовалась бешеной популярностью, побив рекорды посещаемости за пять недель. Ривера уже стал международной знаменитостью. Он был самой заметной фигурой в мексиканском мурализме, крупномасштабной инициативе паблик-арта, возникшей в 1920-х годах после Мексиканской революции. Но его фрески — по определению закрепленные на одном месте — было невозможно перевезти.
Чтобы решить эту проблему, музей привез Риверу в Нью-Йорк за шесть недель до открытия выставки и предоставил ему импровизированную студию в пустой галерее. Там художник создал пять «переносных фресок» — отдельно стоящих фресок, посвященных событиям в истории Мексики. - - которые были широко представлены на выставке. После открытия, получив широкую огласку, Ривера сделал еще три фрески, взяв за основу современные сюжеты Нью-Йорка через монументальные изображения города во время Великой депрессии. роль в формировании дебатов о социальной и политической ценности паблик-арта в период экономического кризиса.
Из всех панелей, сделанных Риверой для Музея современного искусства, «Индийский воин» восходит к самой глубокой истории Мексики, к испанскому завоеванию начала 16 века. Ацтекский воин в костюме ягуара наносит удар конкистадору в доспехах. с каменным ножом. Стальной клинок испанца — эмблема европейских претензий на превосходство — лежит сломанным рядом. Рыцари-ягуары, члены элитного военного ордена ацтеков, согласно легенде, были известны своим боевым мастерством, благодаря своим устрашающим костюмам; им овладеть силой животного в бою. Резкое представление комиссии о праведном насилии послужило мезоамериканским прецедентом недавней революции в Мексике, а также ее продолжающейся борьбы.
«Похороны египетской кошки», Джон Рейнхард Вегелин
1886 г. Холст, масло. Размер: 99 на 142 см. Художественная галерея в Окленде, Новая Зеландия
В одиннадцатом издании Британской энциклопедии John Reinhard Weguelin (1849–1927) упоминается как «один из самых искусных и выразительных художников, писавших фантастические сюжеты».
На картине «Похороны египетской кошки» изображена жрица предлагает еду и молоко духу умершего животного. На алтаре стоит мумия, а гробница украшена фресками, вазами со свежими цветами, цветками лотоса и статуэтками. Жрица преклоняет колени, направляя дым благовоний к алтарю. На заднем плане статуя Сехмет (Бастет), охраняющая вход в гробницу.
1886 г. Холст, масло. Размер: 99 на 142 см. Художественная галерея в Окленде, Новая Зеландия
В одиннадцатом издании Британской энциклопедии John Reinhard Weguelin (1849–1927) упоминается как «один из самых искусных и выразительных художников, писавших фантастические сюжеты».
На картине «Похороны египетской кошки» изображена жрица предлагает еду и молоко духу умершего животного. На алтаре стоит мумия, а гробница украшена фресками, вазами со свежими цветами, цветками лотоса и статуэтками. Жрица преклоняет колени, направляя дым благовоний к алтарю. На заднем плане статуя Сехмет (Бастет), охраняющая вход в гробницу.